Histórias de Cinema

O Romance Gótico – histórias sobre o macabro, o fantástico e o sobrenatural que se passam geralmente em castelos assombrados, cemitérios, ruínas e paisagens selvagens pitorescas – atingiu o auge de sua considerável moda no final do século dezoito e início do século dezenove.

No século dezoito, Horace Walpole e Ann Radcliffe definiram os parâmetros para o gênero. Apaixonado pelos romances e mistérios medievais, Walpole publicou em 1764, The Castle of Otranto. A narrativa, repleta de fantasmas e lendas apavorantes, um nobre tirânico e perverso como vilão, a heroína santa muito perseguida que sofre os maiores terrores, luzes estranhas, aparições misteriosas, manuscritos embolorados ocultos, dobradiças rangentes, e emoções violentas de angústia e amor, era artificial e melodramática, mas exerceu grande influência na literatura do sobrenatural. Os romances de Ann Radcliffe estabeleceram padrões novos e mais elevados no domínio do macabro e da atmosfera aterradora. Ela escreveu seis romances, sendo o mais famoso, The Mysteries of Udolpho, um exemplar da história gótica primitiva em sua melhor forma.

No século dezenove surgiram Frankenstein de Mary Shelley; Dracula de Bram Stocker; The Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde de Robert Louis Stevenson; The Monk de Matthey Gregory Lewis; Melmoth de Charles Robert Maturin; Wuthering Heights de Emily Bronte; The House of the Seven Gables de Nathaniel Hawthorne; In a Glass Darkly, de Sheridan LeFanu; e os contos de Edgar Allan Poe, ao qual devemos a moderna história de horror em seu estado final e aprimorado.

As histórias de horror- gótico do século dezoito e dezenove se prestaram não somente a adaptações teatrais, mas também a espetáculos de luz e sombra como as “phantasmagorias” de E. G. Robertson, esqueletos e aparições de fantasmas que pareciam se mexer, projetados pela lanterna mágica, que ele aperfeiçoou, patenteando- em 1799 como Fantascópio. Cem anos depois, aparições semelhantes puderam ser vistas nos filmes-fantasia pioneiros de George Méliès, porém o gênero começou a se definir na primeira década do século vinte, quando a Selig Poliscope lançou uma breve adaptação de Dr. Jekyll and Mr. Hyde / 1908. A Nordisk Company seguiu o exemplo com uma filmagem da mesma história (1909) e com duas produções sobre enterro prematuro intituladas The Necklace of the Dead / 1910 e Ghosts of the Vault / 1911. E a Edison Company entrou neste campo com uma adaptação de Frankenstein / 1910, que foi seguida por mais três versões de Jekyll and Hyde – inclusive uma produzida por Carl Laemmle, cujo estúdio, Universal Pictures, iria dominar o mercado com histórias deste tipo de maneira igualada somente pela Hammer Films durante o seu período de glória nos anos 50, 60 e 70

Estas primeiras produções, juntamente com Consciência Vingadora ou O Amor Domina o Mundo / The Avenging Conscience / 1914 de David Wark Griffith, (baseado no conto de Edgar Allan Poe, The Tell-Tale Heart) e Lágrimas e Risos da Boemia / Trilby / 1915 de Maurice Tourneur (que introduziu a figura do hipnotizador demoníaco muito antes de que Werner Krauss, Rudolph Klein-Rogge e Paul Wegener se apropriassem dela), representam o início de uma onda cuja crista foi alcançada no cinema silencioso germânico com O Gabinete do Dr. Caligari / Das Cabinet des Dr. Caligari / 1920, Unheimliche Geschichten / 1919 de Richard Oswald, Alraune / Alraune/ 1929 de Henrik Galeen; nas criações grotescas de Lon Chaney nos Estados Unidos de O Homem Miraculoso / The Miracle Man / 1919 a Trindade Maldita / The Unholy Three / 1930; nos filmes de outros países como A Carruagem Fantasma / Körkalen / 1921 de Victor Sjöström e Páginas do livro de Satã / Blade af Satans Bog / 1920 de Carl Dreyer; Uma Página de Loucura / Kurutta ichipeiji / 1926 de Teinosuke Kinugasa; A Queda da Casa de Usher / The Fall of the House of Usher / 1928 de Jean Epstein. Neste último filme, o assistente de Epstein era Luis Buñuel, cuja colaboração com Salvador Dali em Um Cão Andaluz / Un Chien Andalou no mesmo ano vinculou o surrealismo a elementos violentos que lembravam o conto de horror.

Dracula

Frankenstein

Uma segunda onda de filmes de horror emanou dos Estados Unidos, quase imediatamente a pós o advento do som: Dracula / Dracula / 1931 de Tod Browning, com Bela Lugosi, Frankenstein / Frankenstein / 1931 de James Whale com Boris Karloff, e Zumbi, a Legião dos Mortos / Zombie / 1932 de Victor Halperin com Lugosi foram todos feitos nos estúdios da Universal, onde a influência do cinema alemão se mostrou particularmente forte, graças a figuras importantes como o diretor Paul Leni e o diretor- cinegrafista Karl Freund. O auge desta onda foi alcançado com King Kong / King Kong / 1933 de Merian C. Cooper e Ernest B. Schoedsack.

A próxima onda veio durante a Segunda Guerra Mundial, quando a série de Val Lewton – de Sangue de Pantera / Cat People /1942 de Jacques Tourneur a Asilo Sinistro / Bedlam / 1946 de Mark Robson – na linha de produção “B” da RKO-Radio, renovou o gênero, conjugando escassez de recursos com qualidade artística. Descartando os monstros tradicionais, os filmes de Lewton não lidavam como o horror realístico, mas com o horror sugerido, ou seja, a expressão de algum medo ou superstição universal através de meios estritamente cinematográficos ou simples sugestões da câmera.

O Fantasma da Opera com Lon Chaney

Michael Redgrave em Na Solidão da Noite

A refilmagem de Artur Lubin de O Fantasma da Ópera / The Phantom of the Opera / 1943, também atenuou consideravelmente os impactos do original (como a maquilagem de Claude Rains é fraca quando comparada com a de Lon Chaney no mesmo papel) na versão primitiva de 1925!); e os filmes britânicos sobre aparições fantasmagóricas após a morte como Thunder Rock / 1942 de Roy Boulting e The Halfway House / 1944 de Basil Dearden provavelmente assustaram apenas as pessoas mais sugestionáveis, exceção feita para O Solar das Almas Perdidas / The Uninvited / 1944 de Lewis Allen. Outros filmes trataram os fantasmas em tom de comédia como em Um Fantasma Camarada / The Ghost Goes West / 1935 de René Clair ou com uma explicação racional como em O Castelo Sinistro / The Ghost Breakers / 1940 de George Marshall. Entretanto, este ciclo terminou com um clássico cinematográfico do conto de horror, Na Solidão da Noite / Dead of Night / 1945, dirigido por Alberto Cavalcante, Robert Hammer, Charles Crichton e Basil Dearden.

A quarta onda emergiu incitada pela repercussão dos foguetes que haviam aterrorizado a Inglaterra durante os últimos dias da Segunda Guerra Mundial e o início da exploração do espaço. Desde o princípio, em filmes como Frankenstein por exemplo, o conto de horror cinematográfico demonstrava certa coincidência com a ficção científica e esta sincronia aumentou quando surgiram Destino à Lua / Destination Moon / 1950 de George Pal, O Monstro do Ártico / The Thing from Another World / 1951 de Christian Nyby e Howard Hawks; O Dia em que a Terra Parou / The Day the Earth Stood Still / 1951 de Robert Wise; O Monstro do Mar / The Beast from 20.000 Fathoms / 1953 de Eugène Lourié; O Mundo em Perigo / Them / 1954 de Gordon Douglas; O Monstro da Lagoa Negra / Creature from the Black Lagoon / 1954 de Jack Arnold; Gojira / Godzilla, / 1954 de Ishirô Honda; Terror que Mata / The Quatermass Xperiment / 1955 de Val Guest (produzido pela Hammer); Vampiros de Almas / The Invasion of the Body Snatchers / 1956 de Don Siegel;  A Hora Final / On the Beach / 1959; Gorgo / Gorgo / 1961 de Eugene Lourié; O Mundo os Condenou / These are the Damned / 1962 de Joseph Losey; As 4 Faces do Medo / Kwaidan / 1964 de Masaki Kobayashi; Onibaba, a Mulher-Demônio / Onibaba / 1964 de Kaneto Shindô; Alphaville / Alphaville / 1965 de Jean-Luc Godard; Fahrenheit 451 / Fahrenheit 451 / 1966 de François Truffaut; Viagem Fantástica / Fantastic Voyage / 1966 de Richard Fleischer; O Planeta dos Macacos / Planet of the Apes / 1968 de Franklin J. Shaffner; 2001: Uma Odisséia no Espaço / 2001, a Space Odyssey / 1968 de Stanley Kubrick.

Onibaba

Planeta dos Macacos

Em 1957, devido ao sucesso de Terror que Mata, a Hammer lançou a sua série de horror com A Maldição de Frankenstein / The Curse of Frankenstein e depois O Vampiro da Noite / Horror of Dracula / 1958, que impulsionou o pequeno estúdio, transformando-o num fenômeno mundial. Os filmes propiciaram uma bela carreira para Terence Fisher e Peter Cushing e Christopher Lee tornaram-se os astros de filme de horror mais famosos desde Boris Karloff e Bela Lugosi.

Roger Corman e Vincent Price

Enquanto a Hammer estava revivendo os monstros da Universal (em 1959 foi a vez de A Múmia / The Mummy e em 1961 veio A Maldição do Lobishomem / The Curse of the Werewolf), a American International Pictures iniciou com I Was a Teenage Werewolf / 1957 (Dir: Gene Fowler Jr.) um ciclo de horror destinado aos jovens. Parte dos lucros auferidos serviu para financiar uma outra série mais memorável. Começando com House of Usher / O Solar Maldito / 1960 e terminando com The Tomb of Ligeia / O Túmulo Sinistro / 1965, Roger Corman dirigiu oito filmes em cores e tela larga, adaptados livremente das obras de Edgar Allan Poe, que obtiveram enorme sucesso comercial e respeito dos críticos.

A literatura gótico romântica de Poe, explorando o lado sombrio da experiência humana – morte, alienação, ansiedade existencial, pesadelos, fantasmas, várias formas de insanidade e melancolia -, apesar de algumas discrepâncias radicais entre os textos dos contos (ou poemas) originais e o enredo dos filmes, encontrou um intérprete compreensivo em Corman, que soube manter o espírito do genial escritor.  A encenação dos filmes de Poe deve-se muito aos cenários bem detalhados do diretor de arte e desenhista de produção Daniel Haller. Haller também merece crédito pela qualidade expansiva dos cenários, construídos para dar à câmera o máximo de liberdade de movimento. Esta liberdade de movimento é traduzida pelos fotógrafos Floyd Crosby, Nicolas Roeg e Arthur Grant (Crosby colaborou em todos os filmes da série menos nos dois últimos, que ficaram a cargo respectivamente de Roeg e Grant) por meio de uma grande quantidade de travelings e gruas. Sem esquecer as formidáveis interpretações de Vincent Price.

O Exorcista

A Hora do Pesadelo

Uma outra onda de filmes de horror atingiu o auge com filmes como O Massacre da Serra Elétrica / The Texas Chain Saw Massacre / 1974 de Tobe Hooper, que provocava o choque através da máxima exibição de corpos sendo mutilados e sangue sendo derramado;  Geração Proteus / Demon Seed / 1977 de Donald Camme, que mostrava Julie Christie estuprada por um computador; e por filmes de possessão demoníaca, faculdades paranormais destrutivas e reencarnações misteriosas representadas por obras como O Exorcista / The Exorcist / 1973 de William Friedkin, Carrie, a Estranha / Carrie / 1976 de Brian De Palma, A Profecia / The Omen / 1976 de Richard Donne, A Mansão Macabra / Burnt Offerings / 1976 de Dan Curtis, O Exorcista II: O Herege / The Heretic / 1977 de John Boorman e Estranho Poder de Matar / The Shout / 1978 de Jerzy Skolimovski.

Nas décadas seguintes o gênero de horror continuou marcando presença nas telas surgindo obras importantes como, por exemplo, A Hora do Pesadelo / A Nightmare at Elm Street / 1984 de Wes Craven, apresentando Freddy Krueger, o assassino como o rosto e o corpo coberto de cicatrizes. Mas não podemos esquecer a contribuição brasileira de José Mojica Marin iniciada com A Meia-Noite Levarei Sua Alma / 1964 e Esta Noite Encarnarei no Teu Cadáver / 1967 ambos com  o agente funerário cético e cruel Zé  do Caixão.

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Existem certos filmes que jamais perdem o encanto. É o caso de Os Peraltas / Our Gang, série americana de comédias curtas sobre um grupo de crianças de um bairro pobre e suas aventuras. Elas começaram a ser produzidas em 1922 pelo estúdio de Hal Roach e distribuídas pela Pathé Exhange. Em 1927, a distribuição passou a ser feita pela Metro-Goldwyn-Mayer e a série entrou no seu período mais popular, após terem sido sonorizadas em 1929. A produção continuou no estúdio de Roach até 1938, quando a série foi vendida para a MGM, que passou a produzir as comédias ela própria até 1944. No total foram produzidos 96 filmes durante a fase do cinema mudo e depois mais 132, sonorizados, um dos quais, O Grande Generalzinho / General Spanky, era de maior metragem (1h,11m). Em 1955, os filmes da série sonorizados produzidos por Roach foram vendidos para a televisão onde receberam o título de Os Batutinhas / The Little Rascals.

Hal Roach

No Brasil, nos anos 70, Os Batutinhas foi exibida na TV Educativa, Canal 2 no Rio dentro do programa Arco-Íris que ia ao ar de segunda à sexta, às 19 horas. Durante os anos de 1978-1983, a convite de Paulo Alberto Monteiro de Barros (colunista de televisão, professor, escritor e político, mais conhecido como Artur da Távola), colaborei na revista Amiga (no encarte intitulado Amigão) das empresas Bloch, assinando duas colunas de uma lauda semanais nas contracapas da revista, intituladas Por dentro dos Seriados e, naquela ocasião, pronunciei-me quanto à série. Eis um trecho do meu comentário: “Impressionante como estas fitas resistem ao tempo, mas não é difícil compreender. Nós os adultos temos em geral a nostalgia da infância e, por outro lado, o espírito das crianças é o mesmo em qualquer época, de modo que as de hoje se identificam perfeitamente com as peraltices daquela garotada antiga que vêem no vídeo. Assim, vibram quando algum membro da turma vence um personagem pretencioso ou antipático, dando-lhe uma boa lição, ou diante da incrível competência com que se organizam, sem a ajuda da gente grande … Evidentemente que nem todas as histórias dos “Batutinhas” têm a mesma graça, mas isto não prejudica o passatempo porque todas as traquinadas possuem um clima de inocência, que é seu primordial fator de sedução”.

Segundo Roach, a idéia da Our Gang lhe veio à mente em 1921, quando encontrou uma criança negra extremamente talentosa, Ernie Morrison, cujo apelido era “Sunshine Sammy”. Ele trabalhou em várias comédias suas e teve uma boa acolhida por parte do público. O produtor e um de seus diretores mais jovens, Robert McGowan procuraram outras crianças talentosas profissionais e encontraram Mary Kornman (filha de Gene Kornman, fotógrafo de Harold Lloyd) e Jackie Davis (o irmão mais jovem de Mildred Davis, esposa e leading lady de Lloyd). O sardento Mickey Daniels; Jackie Condon; o gordinho Joe Cobb e o pretinho Allen Clayton Hoskins (conhecido como Farina) foram outros dos primeiros membros da trupe.

Our Gang 1923

Em 1922 Our Gang nasceu. McGowan e Anthony Mack dirigiram a série até o final dos anos vinte e até esta data o elenco, com recém-chegados ocasionais, permaneceu o mesmo. Em 1929 chegaram novos garotos entre os quais: Jackie Cooper, Bobby “Wheezer” Hutchins e Mary Ann Jackson (estes dois últimos haviam aparecido em alguns filmes mudos da série), Norman “Chubby” Chaney (que venceu um concurso nacional para substituir Joe Cobb como o “gordinho” da série), Dorothy De Borba, e Matthew “Stymie” Beard. Em 1930 surgiu a personagem de Miss Crabtree, a professora da turma, interpretada por June Marlowe. Nesta década ocorreram mudanças constantes no elenco juvenil de Our Gang. Em 1931, Jackie Cooper deixou a série para atingir o estrelado em filmes como O Campeão / The Champ / 1931 e Skippy / Skippy / 1931 e seu lugar foi ocupado por Dickie Moore.  Em 1932, outros membros acrescentados à equipe foram Spanky McFarland e Scotty Beckett e houve também a introdução de um novo diretor, Gus Meins, responsável algumas das melhores comédias da série.

Alfafa, Darla e Spanky

Tal como todas as comédias de Hal Roach, Our Gang se beneficiou muito da participação de atores coadjuvantes adultos como June Marlowe, Billy Gilbert, Franklin Pangborn, James Finlayson, Johnny Arthur, Gay Seabrook, Clarence Wilson, Dell Henderson, James C. Morton. Sem falar na presença, como convidados especiais, de Oliver Hardy e Stan Laurel (O Gordo e o Magro) vestidos com roupas de bebês em Quê Pose! / Wild Poses / 1933. Em 1935, em A Folia dos Peraltas / Our Gang Follies of 1936, a turma começou a trabalhar com um formato musical, que foi reutilizado várias vezes durante os anos seguintes. Um dos melhores destes musicais em miniatura e o último feito por Roach foi Alfafa, a Voz das Vozes / Our Gang Follies of 1938 / 1927, uma divertida paródia dos musicais dos anos 30 dirigida por Gordon Douglas. No elenco já estavam os novos garotos contratados para a série: Carl “Alfafa” Switzer, Darla Hood e Billy “Buckwheat Thomas, Eugene “Porky” Lee.

A Folia dos Peraltas

Fugindo da Escola

Em 1936, muitos dos shorts diminuíram de duração de dois rolos (aproximadamente 20 minutos) para um rolo (aproximadamente 10 minutos) e, surpreendentemente, o primeiro filme de um rolo (dir: Gordon Douglas), Fugindo da Escola / Bored of Education / 1936, recebeu o Oscar de Melhor Curta nesta metragem. Também nesta época, o elenco foi reforçado com um Pit Bull Terrier Americano com um círculo em torno de seu olho: originariamente chamado “Pansy”, o cachorro logo se tornou conhecido como Pete the Pup, o animal de estimação mais famoso da série. Ainda em 1936, Roach produziu um exemplar da série no formato de longa-metragem (1h,11m), O Grande Generalzinho   / General Spanky, co-dirigido por Gordon Douglas e Fred Newmeyer. porém o filme não obteve sucesso.

O Grande Generalzinho

Em 1938, Roach vendeu a série para a MGM (que vinha distribuindo os filmes), inclusive o direito de usar o nome Our Gang, razão pela qual as comédias originais de Roach foram chamadas The Little Rascals na TV. Inicialmente, os astros principais da série, o diretor (Gordon Douglas) e dois roteiristas (Robert McGowan e Harold Law) foram para a MGM a fim de continuar os shorts e foi admitido uma nova criança, Mike Gubitosi, que logo mudou o nome para Robert Blake, o futuro ator adulto do seriado Baretta e filmes conhecidos como A Sangue Frio / In Cold Blood / 1967 e Willie Boy / Tell Them Willie Boy is Here / 1969, entre outros. Our Gang foi usada pela MGM como campo de treinamento para futuros diretores: George Sidney, Edward Cahn e Cy Endfield trabalharam na série antes de passarem para a realização de filmes de longa-metragem.

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Em 18 de abril de 2011, amparando-me no Dicionário do Cinema Português 1895-1961 de Jorge Leitão Ramos (Ed. Caminho, 2011) e na História do Cinema Português de Luís de Pina (ed. Europa-América, 1986), escreví neste blogue “A Época de Ouro do Cinema Português” (um dos artigos mais apreciados pelos leitores conforme os comentários que recebí), no qual, entre outros, fiz referência à obra de cineastas portugueses renomados como, por exemplo,  Cottinelli Telmo, Antonio Lopes Ribeiro, Arthur Duarte, Jorge Brum do Canto, Manoel de Oliveira, Arthur Duarte Leitão de Barros, Chianca de Garcia. Neste artigo desejo falar sobre os dois filmes que este último realizou no Brasil: Pureza / 1940 e 24 Horas de Sonho / 1941, fazendo antes um resumo de sua vida e obra em Portugal e no Brasil.

Chianca de Garcia

Eduardo Augusto Chianca de Garcia (1898-1983) nasceu em Lisboa. Após a Primeira Guerra Mundial, seu nome começa a aparecer nos jornais, com artigos sobre teatro, esporte, cinema.  Em 1923, ele escreve, com Norberto Lopes, a peça A Filha de Lázaro, estreada no Teatro T-Politeama pela Companhia Rey Colaço-Robles Monteiro. Em 1928, está na direção da revista de cinema Imagem (como João Botto de Carvalho e Antônio Lopes Ribeiro). Secretário técnico do Cineteatro São Luiz, ele teve, em 1929, a idéia de fazer um curta-metragem para abrilhantar o Carnaval de 1930. Devia chamar-se São Luiz Melody, mas acabou por se chamar Ver e Amar / 1930, tornou-se um longa-metragem, e chegou mesmo a ser vendido para o Brasil.

Na sinopse, uma jovem costureira aspira a ser vedete do teatro de revista, porém acaba escolhendo uma vida simples, por amor a um motorista de taxi. As filmagens decorreram no jardim de Inverno e no palco do teatro, transformados em um estúdio improvisado. O filme teve uma estréia polêmica e animadora, que mais espicaçou Chianca na sua idéia da necessidade de um estúdio devidamente equipado para que pudesse haver cinema em Portugal. Ele pugnou na imprensa e acabou nomeado para a comissão a que o Governo propôs para o estudo da questão. Assim nasceu a Tobis Portuguesa. Chianca é indicado como conselheiro técnico da primeira produção da nova empresa – A Canção de Lisboa /1933, dirigida por Telmo Continelli e com Beatriz Costa encabeçando o elenco.

Diretor de produção de As Pupilas do Sr. Reitor / 1935 de Leitão de Barros, Chianca consegue, no ano seguinte, realizar o seu primeiro filme sonoro – O Trevo de Quatro Folhas – estrelado por Beatriz Costa, num papel duplo. Ela foi também a protagonista da revista Água Vai! (que ele escreveu em 1937 de parceria com Tomás Ribeiro Colaço e foi apresentada no Teatro Trindade), e um dos filmes que fez em 1938, Aldeia da Roupa Branca – enorme sucesso. O outro filme dele de 1938 foi A Rosa do Adro, baseado no popularíssimo romance de Manuel Maria Rodrigues, mas com Maria Lalande no papel título.

Cenas de Aldeia da Roupa Branca

Para minha alegria, encontrei em Lisboa o dvd de Aldeia da Roupa Branca, produzido pela Madragoa Filmes, com a nova versão restaurada e, ao exibí-lo em minha casa, foi amor à primeira vista. Numa aldeia nos arredores de Lisboa, na zona saloia, duas famílias lutam pelo monopólio do transporte das lavadeiras, que se deslocam à capital, para recolher as roupas dos citadinos e entregar as encomendas de camisas e calças, já devidamente lavadas e engomadas. A personagem central da história é Gracinda (Beatriz Costa), sobrinha de Jacinto (Manuel Gomes Carvalho), que tem longa inimizade com sua eterna rival, a viúva Quitéria (Elvira Velez). As coisas não correm bem para o velho Jacinto, privado da ajuda do seu filho Chico (José Amaro), que tinha decidido seguir outro rumo. Enquanto na aldeia se luta pelo domínio do transporte, ele anda por Lisboa, divertindo-se com a namorada, uma fadista de renome (Herminia Silva) e trabalhando como motorista. Até que Gracinda vai à cidade convencer Chico, por quem se apaixonou, a voltar à terra e ajudar o pai a recuperar seu negócio. O filme é uma delícia e eu notei algumas influências do cinema americano de Ernst Lubitsch. Na sequência de abertura Beatrizinha – mais bela e faceira do que nunca – canta “Água fria na ribeira / Água fria que o sol esqueceu” enquanto a câmara ágil de Aquilino Mendes vai mostrando com inspiração pictórica e rítmica as lavadeiras na prática do seu ofício.

Do Brasil Adhemar Gonzaga convida Chianca para realizar Pureza, inspirado no romance de José Lins do Rego. Chianca aceita e parte para o Rio de janeiro, em junho de 1939.  No enredo, num pequeno vilarejo paraibano, um político dissoluto, Dr. Jorge (Sérgio Serrano) desperta o amor das duas irmãs, ávidas de uma vida melhor. Primeiramente atrai a loura Margarida (Nilza Magrassi), que sonhava com uma vida melhor na capital e depois a morena Maria Paula (Sônia Oiticica) que, mesmo prometida ao pobretão Chico Bem-Bem (Roberto Acácio) não consegue resistir aos encantos do doutor. O pai das moças, Cavalcanti (Procópio Ferreira), chefe da estação ferroviária, é covarde e relapso, trazendo transtornos constantes aos familiares.

Não posso comentar o filme, porque não pude ver a cópia recuperada por Alice Gonzaga em 1977. Mario Nunes (Jornal do Brasil, 5/11/1940 considerou Pureza “o melhor filme feito até hoje entre nós” e apontou sequências magníficas, como a festa da usina, a da luta do pequeno Joca (Jayme Pedro Silva) com a correnteza do rio e a queda na catarata, “que nada deixam a desejar e podiam figurar com honra em filmes de Hollywood”. Pureza recebeu o primeiro prêmio para filmes nacionais, instituído pelo então Departamento de imprensa e Propaganda. (DIP).

O segundo filme que Chianca realizou no Brasil, 24 Horas de Sonho, também produzido pela Cinédia, conta a história de uma moça, Clarissa (Dulcina de Moraes) decidida a se suicidar, mas antes quer aproveitar os últimos momentos de sua vida de maneira intensiva. Instala-se em um hotel luxuoso, fingindo-se passar por uma baronesa, compra a crédito e flerta com um empregado do hotel (Odilon de Azevedo).

Odilon e Dulcina em 24 Horas de Sonho

No meu artigo “Dulcina e Cacilda no Cinema” (2/8/2018) expûs as apreciações severas de Maria Andréia na revista Carioca e de crítico de A Noite (que se assinava R) e o comentário mais benevolente do comentarista da revista Cinearte e, em seguida, dei minha opinião: ”Esta imitação das comédias norte-americanas não tem o mesmo brilho das suas congêneres de Hollywood, mas a meu ver é uma produção digna de respeito com um argumento (de Joraci Camargo) interessante e divertido, uma técnica razoável dentro das possibilidades de nossos estúdios na época, interpretações corretas (distinguindo-se Dulcina, que está muito à vontade diante das câmeras)e, quanto à direção de Chianca de Garcia, se ele não foi tão feliz com relação principalmente ao ritmo, como no seu filmes português A Aldeia da Roupa Branca, também não merece desprezo”.

Chianca de Garcia assumiu então a direção artística do Cassino da Urca, tendo produzido inúmeros espetáculos (vários com Luís Peixoto) até o jogo ser proibido no Brasil em 1946. A seguir deslocou-se para o Teatro Carlos Gomes, onde produziu inúmeras revistas e peças de teatro ligeiro.

Cena de Escândalos com Bibi Ferreira e Mara Rubia

Em 1947, ele montou uma revista feérica, “Um Milhão de Mulheres”, de muito sucesso. Como informa Salvyano Cavalcanti de Paiva no seu magnífico Viva o Rebolado – Vida e Morte do Teatro de Revista Brasileiro (ed. Nova Fronteira, 1991). Em 1948, Chianca escreveu (com Geysa Bôscoli e J. Maia) e superproduziu o primeiro espetáculo musicado a despertar real entusiasmo da crítica e do público: Beijos, Abraços e Amor! estreada no João Caetano. Em 1950, Chianca escreveu com o jovem industrial Hélio Ribeiro, na época marido da artriz Bibi Ferreira, uma das melhores revistas do ano, Escândalos, superprodução montada por Hélio. Conta Salvyano que a profusão de graça e beleza surpreendeu a Praça Tiradentes, e a Zona Sul desceu toda para a cidade a fim de ver Bibi na revista.

Bibi Ferreira

Em 1951, Chianca entrou para a TV Tupi, onde dirigiu as primeiras novelas (entre elas Coração Delator, adaptação de um texto de Edgar Allan Poe), musicais com cantores da Rádio Tupi (entre eles Aracy de Almeida e Elizete Cardoso) e dois teleteatros intitulados Retrospectiva do Teatro Universal e Retrospectiva do Teatro Nacional, que a cada semana apresentavam uma peça do repertório clássico mundial e nacional, com um elenco do qual faziam parte Fernanda Montenegro, Paulo Porto, Fregolente, Heloisa Helena. Chianca escreveu ainda o argumento de Appassionata / 1952, filme produzido pela Companhia Vera Cruz e dirigido por Fernando de Barros com Tonia Carrero, Ziembinski, Anselmo Duarte e Paulo Autran.

Em 1960, Chianca retirou-se do mundo do espetáculo, torna-se bibliotecário da Sociedade Brasileira de Autores Teatrais e dirige revista da instituição. Nessa década retoma o contato com os portugueses através de crônicas regulares no Diário de Lisboa. Mas nunca mais votaria a Portugal. Ele morreu, no Rio de Janeiro a 28 de janeirode1983.

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Ele foi um dos produtores mais significativos dos anos vinte e início dos anos trinta, ajudando a criar uma reputação internacional para os filmes germânicos depois da Primeira Guerra Mundial. Posteriormente, promoveu a idéia de um cinema “Pan-europeu” antes de ser obrigado a emigrar pelos Nazistas. Após a Segunda Guerra Mundial, e uma variada carreira na Inglaterra e nos Estados Unidos, foi fundamental na reconstrução da indústria cinematográfica da Alemanha Oriental.

Erich Pommer

Filho de um comerciante têxtil, Pommer (1889-1966) nasceu em Hildesheim, na Alemanha e começou a trabalhar para as companhias francesas Gaumont (a partir de 1907) e Éclair (a partir de 1912) nas suas respectivas filiais em Viena e Berlim. Ferido no serviço ativo durante a Primeira Guerra Mundial, contribuiu para o esforço de guerra trabalhando em cinejornais e documentários.

O Gabinete do Dr. Caligari

Em 1915, fundou com outro sócio a Decla-Film-Gesellschaft Holz und Co., sediada na filial germânica da Éclair (Deutsche Éclair), depois reunida com a Meiner Film Company, ampliando seu alcance. As primeiras produções foram do gênero popular como histórias de detetives, filmes de aventuras, melodramas e curtas-metragens de dois rolos com o comediante e artista de cabaré Harry Lambertz-Paulsen. Após o fim da Primeira Guerra Mundial e do retorno de Pommer a Berlim, as produções da Decla tornaram-se mais ambiciosas com filmes de renome mundial tais como O Gabinete do Dr. Caligari / Das Cabinet des Dr. Caligari / 1920

Os Nibelungos

Metrópolis

Uma futura fusão com a Deutsche Bioscop se seguiu em 1920. Durante estes anos Pommer promoveu as carreiras de diretores influentes como Fritz Lang, cujas produções na Decla Bioscop incluíram A Morte Cansada / Der Müde Todd / 1921 e Dr. Mabuse, o Jogador / Dr. Mabuse, Der Spieler / 1922 e O Castelo Vogelöd / Schloss Vogelöd /1921 de F. W. Murnau. Após a aquisição da Decla-Bioscop pela Ufa, Pommer em 1923 tornou-se membro do conselho consultivo da empresa, e continuou a formar um a equipe de diretores, roteiristas, cinegrafistas e atores talentosos. A estratégia de Pommer foi investir em produções caras de prestígio direcionadas para o mercado internacional, tais como Os Nibelungos – A Morte de Siegfried / Die Nibelungen / 1924 de Fritz Lang e Fausto / Faust – Eine deutsche Volkssage / 1926 de Murnau. Entretanto, o épico monumental de ficção científica Metrópolis / Metroplis / 1927 de Fritz Lang ultrapassou drasticamente seu orçamento, fazendo com que Pommer perdesse sua posição na Ufa, enquanto a companhia quase foi à falência.

Flor do Asfalto

O Anjo Azul

O Congresso Dança

Um breve período trabalhando para a Paramount nos Estados Unidos inspirou Pommer a adotar cronogramas de filmagem mais apertados e uma nova tecnologia de câmera. Chamado de volta pela nova administração de uma Ufa reestruturada em 1927, ele realizou uma série de produções de entretenimento de alta qualidade, notadamente Flor do Asfalto / Asphalt / 1929 de Joe May e O Anjo Azul / Der blaue Engel / 1930 de Josef von Sternberg. Seguindo o advento do som, o grupo de produção de Pommer na Ufa criou uma série de comédias musicais e opereta, tais como Os Três do Posto de Gasolina / Die Drei von der Tankstelle / 1930 e O Congresso Dança / Der Kongress tanzt / 1931. A maioria destes filmes foi filmada simultaneamente em versões em vários idiomas com atores diferentes, prática comum durante os primeiros anos do cinema sonoro.

Junto com outros realizadores judeus, aUfa rescindiu o contrato de Pommer apos a tomada de poder nazista wm 1933. Pommer foi para Paris como chefe da Fox Film Europa, produzindo dois filmes dirigidos respectivamente por Max Ophuls e Fritz Lang: Prisioneiro de uma Mulher / On a Volé un Homme / 1934 e Coração de Apache / Liliom / 1934.

Vivien Leigh e Laurence Olivier em Fogo sobre a Inglaterra

Transferindo-se para a Inglaterra, Pommer produziu para Alexander Korda (Fogo por sobre a Inglaterra / Fire Over England / 1936) e formou a Mayflower Pictures Corp.com o ator Charles Laughton. Da parceria resultaram três filmes: As Calçadas de Londres / St. Martin´s Lane / 1938, Náufrago da Vida / Vessel of Wrath / 1938 (a única intervenção de Pommer também como diretor) e A Estalagem Maldita. / Jamaica Inn / 1939 (dirigido por Alfred Hitchcock).

Charles Laughton e Maureen O´Hara em Estalagem Maldita

Na eclosão da Segunda Guerra Mundial, Pommer assinou contrato com a RKO e se mudou para Hollywood, onde a maioria de seus projetos de filme não conseguiram se materializar devido a problemas de saúde. Ele conseguiu realizar apenas:  A Vida é Uma Dança / Dance, Girl, Dance e Não Cobiçarás a Mulher Alheia / They Knew What They Wanted, ambos de 1940.

Pommer voltou para Berlim depois da guerra como funcionário encarregado do Gabinete do Serviço Militar dos Estados Unidos com a tarefa dede reestruturara indústria cinematográfica da Alemanha Ocidental. Embora Pommer tivesse conseguido muito ao dar o pontapé inicial na produção do pós-guerra, ele ficou desiludido com seus esforços e fundou uma companhia independente, Intercontinental Film, em 1951. A primeira produção Nachts auf den Strassen / 1952, drama criminal dirigido por Rudolf Jugert com Hans Albers, Hildegard Neff e Lucie Mannheim, teve boa recepção por parte da crítica e do público. As três produções subsequentes de Pommer da Alemanha Ocidental envolveram melodramas e filmes pacifistas, destacando-se Illusion in Moll / 1952 e Kinder, Mütter und ein General / 1955.

Illusion in Moll

Keinner mutter ein general

Sofrendo cada vez mais de problemas de saúde (usava uma cadeira de rodas após ter uma perna amputada), ele se retirou para a Califórnia em meados dos anos cinquenta, incapaz de realizar outros projetos.

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Conhecido geralmente como diretor de filmes B, durante quase um século no cinema, de 1916 a 1963, ele dirigiu 65 longas-metragens e 250 filmes de televisão na maioria dos grandes estúdios. Exibindo habilidade em vários gêneros, também ficou conhecido como um artista, ganhando fama primeiramente por seus curtas-metragens experimentais e seus filmes de maior duração se distinguiram por integrar estilos de filmagem europeus no sistema de estúdio de Hollywood.

Robert Florey

Robert Florey (1900 – 1979), cujo nome verdadeiro era Robert Fuchs, nasceu em Paris, França. Seu pai faleceu pouco após o filho nascer. Sua mãe casou-se novamente, mas ela, também, morreu dentro de poucos anos, deixando o menino aos cuidados da família do padrasto. A imaginação do menino foi despertada quando, morando perto do Teatro do mágico Robert Houdin, ele assistiu Georges Mélìes montando suas fantasias cinematográficas primitivas. O padrasto de Florey introduziu o menino no teatro clássico e através dos anos levou-o para viajar através de boa parte da Europa, inclusive Austria, Itália, Suiça e Espanha.

Depois de concluir os estudos secundários, o jovem estava previsto para cursar Engenharia, porém seu estado de saúde exigiu uma mudança de clima e ele foi para a Suiça, matriculando-se em 1915 na École Professionelle de Genebra.  Quando tinha 16 anos de idade, seu padrasto faleceu e o rapaz teve que sair da escola. Em março de 1917, conseguiu seu primeiro emprego estável na indústria de cinema, colocando legendas francesas em filmes estrangeiros para a Select Film Company de Genebra, onde conheceu Max Linder, ao qual prestou assistência brevemente. Posteriormente, Florey se uniu à Companhia de Operetas Kursaal, ajudando o gerente de palco e interpretando pequenos papéis. Permanecendo ativo no teatro e no cinema,  organizou um show itinerante de peças de horror  “Grand Guignol” e logo  o jornalismo passou a ser uma de suas atividades, cobrindo esportes e exercendo depois a crítica teatral. Ele ainda encontrou tempo para interpretar o papel do detetive no filme de um rolo de Alfred Lind, Le Cirque de la Mort.

Em dezembro de 1918, Florey e alguns amigos formaram, com o apoio do produtor-cinegrafista- ator Leon Tombet, uma companhia de cinema e decidiram produzir um filme imitando o estilo de Charles Chaplin. Assim surgiu Isidore a la Deveine, dirigido por Tombet com o acrobata Walter Gfeller, conhecido como o “Chaplin Suiço” no papel principal. Florey forneceu o roteiro e também atuou como ator e operador de câmera. Em maio de 1919, a Tombet Films realizou Une Heureuse Intrervention, provavelmente o primeiro filme suíço de longa-metragem, no qual Florey foi novamente ator e operador de câmera; porém ele teve seu batismo como diretor, dirigindo algumas cenas, embora Tombet tivesse recebido o crédito como diretor. No mês seguinte outro falso Chaplin foi feito, Isidore sur le Lac, e desta vez Florey pôde dirigir seu próprio roteiro.

Ansioso para aprender sua profissão num estúdio importante, no início de 1920, Florey deixou Genebra e retornou à França, e arurmou emprego no estúdio da Gaumont em Nice como assistente do diretor Louis Feuillade. Enquanto trabalhava no cinema, Florey continuou sua carreira de jornalista, juntando-se ao staff da Cinemagazine, a primeira revista de cinema francesa verdadeiramente popular. O conhecimento de cinema impressionou alguns de seus entrevistados como Max Linder, que o incentivou a tentar a sorte nos Estados Unidos. Prometendo aceitar matérias sobre astros de Hollywood seu editor ajudou a financiar sua viagem para a América e, ao chegar a Nova York, rumou imediatamente para Hollywood. Chegando na Terra do Cinema, ele se dirigiu ao estúdio da Fox e, como não havia porteiros, ele simplesmente entrou de mansinho. Parando para assistir a filmagem de Monte Cristo / 1922 (com John Glbert), ele ficou tão alarmado com a imprecisão da atmosfera francesa, que se lançou para frente das duas câmeras e interrompeu a filmagem. Felizmente, o cinegrafista era outro emigrado francês, Lucien Andriot, que conseguiu persuadir o diretor, Emmet J. Flynn, de que Florey não deveria ser expulso do set, mas ser contratado como consultor técnico.  Este trabalho durou algumas semanas. Quando a filmagem de Monte Cristo terminou, Florey tornou-se gag writer para as comédias Sushine de Al St. John e, por causa de sua altura (1,93m), ele era algumas vezes chamado para fazer pontas, tais como em o xerife em Straight from the Farm / 1922.

Rudolph Valentino e Natacha Rambova noa turnê Mineralava

Ao mesmo tempo, fez amizade com muitas celebridades da época como Alla Nazimova, Renée Adorée e Charles Chaplin e foi contratado como diretor de publicidade no estrangeiro para Mary Pickford e Douglas Fairbanks. Nesta posição, cuidou da correspondência dos dois astros e escreveu os intertítulos franceses para Robin Hood / 1922, ficando muito amigo deles, ensinando francês para Fairbanks e aprendendo inglês com Pickford. Pouco depois, Florey cuidou também da publicidade da turnê que Rudolph Valetino e sua esposa Natacha Rambova fizeram para promover um produto de beleza, Mineralava Cold Cream. De volta para Hollywod, Florey formou a companhia Imperial Pictures, com o diretor de fotografia Paul Ivano e um revendedor de carros Pierce-Arrow, Humphrey Birge, e escreveu e dirigiu Fifty-Fifty / 1923, curta-metragem de dois rolos protagonizado pelo comediante francês Maurice de Canonge. Infelizmente eles não conseguiram distribuidor para seu filme e Florey teve que abandonar momentaneamente sua esperança de desse tornar um diretor free lancer. Neste momento, ele já havia escrito Filmland e Deux ans dans les studios américains e logo começou uma série de biografias de tais astros como Charles Chaplin, Pola Negri e Adolphe Menjou, todos escritos em francês e publicados em Paris. Florey então tornou-se assistente de diretor de Louis Gasnier no filme Vinho Capitoso / Wine / 1924, produzido pela Universal com Clara Bow no papel principal.

Após uma estadia no Canadá com o ator dramático francês Charles de Rochefort para produzir pequenas peças e esquetes, entre elas uma pantomima intitulada L´Apache que ele dirigiu, Florey voltou para o cinema como assistente de direção de Alfred Santell em Noites Parisienses / Parisian Nights na F.B. O. Lá ele conheceu outro assistente de direção, Josef von Sternberg e, pouco depois, a pedido de Alla Nazimova, interpretou o papel de um bôemio em Pecado Redentor / The Redeeming Sin / 1925. Por alguns anos seguintes ele serviu como assistente de direção (v.g. de King Vidor em O Grande Desfile / The Big Parade / 1925, La Boheme / La Boheme / 1926 e O Cavaleiro dos Amores / Bardelys the Magnificent / 1926) e consultor técnico, frequentemente combinando ambas as capacidades. Seu cuidado e atenção para o detalhe na criação de ambientes europeus, particularmente na Metro-Goldwyn-Mayer, rendeu-lhe muitos elogios. Entrementes von Sternberg fora contratado pela MGM e pediu Florey para ser seu assistente; ele trabalhou com Sternberg em Amor, Vício e Virtude / The Masked Bride / 1925. Lamentavelmente, o estúdio não gostou da abordagem de Sternberg e Christy Cabanne terminou o filme.

Com sua experiência variada, Florey se sentiu qualificado para dirigir longas-metragens e pediu uma promoção aos executivos da MGM; porém estes lhe sugeriram que começasse em uma produtora independente, garantindo-lhe uma posição na Tiffany. Chegando lá, disseram-lhe que o que eles estavam precisando não era um diretor, mas um roteirista e lhe encarregaram de terminar em curto prazo o argumento e continuidade de O Direito de Viver / That Model from Paris / 1926. Ele cumpriu a tarefa no tempo desejado e, quando o diretor Louis Gasnier caiu doente, Florey substituiu-o, mas sem receber crédito por ambos estes serviços. Bem satisfeita com seu trabalho, a Tiffany entregou-lhe a direção de Conquistado à Força / One Hour of Love/ 1927, um dos filmes principais da temporada.

Depois disto, não desejando voltar a trabalhar mais como assistente, Florey aceitou um emprego na Fox ajudando Frank Borzage a preparar o ambiente de Paris durante a Primeira Guerra Mundial para Sétimo Céu / 7th Heaven / 1927 e na Samuel Goldwyn Company para ser assistente de Henry King em A Chama do Amor /The Magic Flame / 1927. Ele também passou alguns meses na United Artists preparando um argumento para um filme envolvendo personagens históricos que seriam interpretados pelos maiores astros do estúdio: Douglas Fairbanks como D´Artagnan; Mary Pickford (Maria Stuart); Charles Chaplin (Hamlet); John Barrymore (François Villon); Gloria Swanson (Cleopatra); Norma Talmadge (Madame du Barry). Florey até sugeriu que Ernst Lubitsch interpretasse Napoleão. Porém o projeto não vingou.

The Loves of Zero

A Idade Romântica / The Romantic Age / 1927, realizado para a Columbia, marcou o retorno de Florey à direção. Para se manter neste posto, aceitou dirigir em seguida, Face Value / 1927, filme do qual ele mesmo não gostou, produzido pela Sterling Pictures, companhia independente sediada na Universal, onde permaneceu prestando outras colaborações até perceber que, realizar filmes independentes, não levaria a um contrato de diretor nos grandes estúdios. De fato, não seriam estes filmes iniciais que o iniciariam no caminho do reconhecimento, mas sim os quatro shorts experimentais que fez em 1927 e 1929 (The Life and Death of 9413 – A Hollywood Extra; The Loves of Zero, Johann the Coffin Maker; Skyscraper Symphony), influenciados pelo expressionismo e pela vanguarda, os quais marcaram o começo de sua carreira como diretor com um estilo próprio. As novidades técnicas exibidas nos filmes de vanguarda de Florey chamaram a atenção dos executivos da Paramount-Famous-Lasky, que estavam pretendendo produzir seus primeiros filmes falados, reabrindo seu antigo estúdio Astoria em Long Island, Nova York. O diretor Monta Bell assumiu a supervisão do estúdio e Florey foi encarregado de dirigir dezenas de testes a fim encontrar rostos fotogênicos com boas vozes para substituirem os atores dos filmes silenciosos. Entre os que receberam seu batismo diante da câmera de Florey estavam Ethel Barrymore, Walter Huston e Edward G. Robinson. Num próximo passo, Florey filmou alguns dos artistas selecionados em filmes de um ou dois rolos em esquetes humorísticos ou musicais. Alguns desses shorts, inclusive um com Eddie Cantor e outro com Helen Morgan, seriam mais tarde incluídos no filme Glorificação da Beleza / Glorifying the American Girl / 1929. Os três primeiros longas-metragens falados de Florey foram The Hole in the Wall / 1928, Hotel da Fuzarca / The Cocoanuts / 1929 e A Batalha de Paris / The Battle of Paris / 1929, que – pela ordem – lançaram as carreiras cinematográficas, de Claudette Colbert e Edward G. Robison, os Irmãos Marx e Gertrude Lawrence.

Os Irmãos Marx em Hotel da Fuzarca

Cena de Os Assassinatos na Rua Morgue

Atendendo a um convite de um jovem produtor independente francês, Pierre Braunberger, Florey foi para a Europa onde dirigiu sucessivamente de La Route est Belle / 1929, L’ Amour Chante / 1930 e Le Blanc et le Noir / 1931; porém acabou se desentendendo com Braunberger e seu sócio Roger Richebé e voltou para Hollywood, ingressando na Universal. Após ter dado uma contribuição valiosa para o roteiro de Frankenstein / Frankenstein /1931, ele realizou Os Assassinatos na Rua Morgue / Murders in the Rue Morgue / 1932, um dos seus filmes mais dominados pelo estilo germânico tanto na sua concepção como no seu tratamento. Florey continuou na Universal durante alguns meses, colaborando em vários scripts de horror com Garrett Fort e, no início de 1932, aceitou convite de Sam Bischoff, o novo chefão da Tiffany (recentemente rebatizada de K.B.S. e depois comprada pela World Wide). Nesta companhia realizou The Man Called Back / 1932 e Those We Love / 1932 e chegou a escrever (de parceria com Reginald Owen) o roteiro de A Study in Scarlet; mas como a K.B.S. estava em péssima situação financeira, ele preferiu se desligar da empresa e atender ao chamado da Warner Bros.com a qual assinou um contrato de longo prazo.  No período 1932-1935, Florey fez  13  filmes para a Warner: A Esposa Desaparecida / Girl Missing / 1933; Amante de seu Marido / Ex-Lady / 1933; Presa do Destino / The House on 56th Street / 1933; O Nome é Tudo / Bedside / 1934; Abnegação / Registered  Nurse / 1934; Smarty / 1934; I Sell Anything / 1935; Ladrões Internacionais / I Am a Thief / 1935; A Mulher de Vermelho / The Woman in Red / 1935; O Punhal dos Bórgias / The Florentine Dagger / 1935; Going Highbrow / 1935; Don´t Bet on Blondes/ 1935; Liquidando Contas / The Pay-Off / 1935. O melhor foi O Punhal dos Bórgias, drama criminal de mistério baseado em romance de Ben Hetch, no qual o herói, descendente dos Bórgias, pensa ter herdado as tendências criminais de seus antepassados.

Cena de O Punhal dos Bórgias

Filmagem de Em Pleno Espetáculo.

Insatisfeito com a maioria de seus projetos na Warner, Florey retornou ao seu antigo estúdio, Paramount, onde, no período 1935 – 1940, assumiu a direção de 17 filmes: Café Concerto / Ship Café / 1935; Em Pleno Espetáculo / Preview Murder Mystery / 1936; Amantes Inimigos / Till We Meet Again / 9136; Boulevard de Hollywood / Hollywood Boulevard / 1936; Vencida a Calúnia / Outcast / 1937 (Prod: Major Productions /  DIst: Paramount); O Amor é como o Jogo / King of Gamblers / 1937; Mountain Music / 1937; Amor nos Bastidores / This Way Please / 1937;Tráfico Humano / Daughter of Shanghai / 1937; Verdugo de si Mesmo / Dangerous to Know / 1939; O Tirano de Alcatraz / King of Alcatraz / 1938; Eva no Tribunal / Disbarred / 1939; Hotel Imperial / Hotel Imperial / 1939; Caviar para sua Excelência / The Magnificent Fraud / 1939; Quem Matou o Campeão / Death of a Champion / 1939; Mercadores do Crime / Parole Fixer / 1940; Mulheres sem Nome / Women Without Names / 1940. Os melhores foram Em Pleno Espetáculo (drama criminal de mistério passado num estúdio de cinema, cheio de suspense criado através de composições e iluminação inusitadas) e Vencida a Calúnia (drama social poderoso e convincente, expondo a história de um médico que, perseguido porque um de seus pacientes cometeu suicídio, foge para uma cidade pequena, mas é identificado e se vê ameaçado de linchamento). Quando seu contrato com a Paramount expirou, coincindindo com o irromper da Segunda Guerra Mundial na Europa que iria afetar o faturamento da empresa no exterior, o estúdio só concordou em renovar o contrato de Florey, se ele aceitasse um corte no seu salário. Florey recusou a oferta e deixou a Paramount pela última vez.

Cena de A Máscara de Fogo

Charles Chaplin em Monsieur Verdoux

Cena de Afrontando a Morte

Na década de 1940-1950 ele celebrou uma série de contratos de curto tempo com várias companhias e, após o final da guerra, se tornaria independente. Brian Taves, autor de Robert Florey, The French Expressionist (Bearmanor Media, 2014, livro magnifico do qual colhemos muita informação, expõe a filmografia do diretor na década citada nesta forma: Columbia: A Máscara de Fogo / The Face Behind the Mask / 1941; Rastro nas Trevas / Meet Boston Blackie / 1941; Alugam-se Senhoritas / Two in a Taxi / 1941. Warner Bros.: Alarme no Atlântico / Dangerously They Live / 1941; Mulher Gângster / Lady Gangster / 1942; A Canção do Deserto / The Desert Song / 1943.Twentieth Century-Fox: O Último Gangster /1944. Republic: O Homem Fenomenal / Man from Frisco / 1944. Warner Bros.: A Mão que nos Guia / God is my Co-Pilot / 1945; Sinal de Perigo / Danger Signal / 1945; Os Dedos da Morte / The Beast with Five Fingers / 1946. United Artists: Monsieur Verdoux / Monsieur Verdoux / 1947. RKO Radio: Tarzan e as Sereias / Tarzan and the Mermaids / 1948. Universal- International: Legião Sinistra / Rogue´s Regiment / 1948. United Artists – Morrocan Picture: Posto Avançado em Marrocos / Outpost in Morocco / 1949; Afrontando a Morte / The Crooked Way / 1949; Ladrão com Alma / Johnny One-Eye / 1950. Emerald-Film Classics-Monogram: The Vicious Years / 1950.

Os melhores foram A Máscara de Fogo (drama criminal focalizando um imigrante (Peter Lorre) cujo rosto foi desfigurado num incêndio que, não conseguindo  arrumar emprego, usa uma máscara de borracha reproduzindo mais ou menos sua fisionomia original  e começa uma vida de crime), Monsieur Verdoux , no qual Florey foi diretor associado de Charles Chaplin e Afrontando a Morte, filme noir com o tema do ex-pracinha (John Payne) que retorna da guerra com deficiência de memória e investiga sua verdadeira identidade, valorizado pela fotografia em claro-escuro de John Alton.

Entre 1951 e 1963, o infatigável diretor aderiu à televisão, comandando, como disse no início deste artigo, 250 telefilmes, entre eles episódios das famosas séries Além da Imaginação / Twilight Zone e Alfred Hitchcock Presents.

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“Em novembro de 1829, cerca de doze mil pessoas, muitas das quais pagaram para ter uma boa vista, assistiram o famoso saltador de cachoeiras Sam Patch pular de um andaime nas águas turbulentas das cachoeiras do rio Genesee no norte do Estado de Nova York. Foi seu último salto. Bêbado, antes de pular, não sobreviveu. Ele dificilmente poderia ter adivinhado que este salto marcaria um momento simbólico na história da cultura popular americana. Quando Patch pulou no vazio, o entretenimento americano estava entrando em uma nova era turbulenta”.

É com este trecho que o professor de História da Washington State University, LeRoy Ashby, inicia o prólogo do seu livro admirável de 648 páginas, With Amusement for All – A History of American Popular Culture Since 1830 (ed. University Press of Kentucky, 2006), no qual faz uma síntese interpretativa de quase dois séculos do entretenimento de massa nos Estados Unidos. Esta obra magnífica, que recomendo entusiasticamente, inspirou o presente artigo, no qual modestamente, aponto como os diversos tipos de entretenimento abordados na primeira parte do livro foram aproveitados pelo cinema.

 Jim Crow

Em 1832, Thomas Dartmouth Rice, ex-jovem aprendiz de carpinteiro com o rosto pintado de preto, eletrizou um público barulhento de trabalhadores girando seu corpo em um palco do Bowery com um movimento curioso, espasmódico e cantando: “Weel about and turn about, / And dojis so; / Eb´ry time I weel about, I jump Jim Crow”. Um ano depois, o editor de jornal Benjamin Day, de vinte três anos, lançou um jornal – New York Sun – que era cerca de um terço do tamanho dos outros jornais, vendido pelo preço incrivelmente baixo de um centavo (one penny), e destacava assassinatos sensacionais, tragédias e fofocas. E, em meados de 1835, Phineas Taylor Barnum, rapaz de vinte e cinco anos, refugiado do negócio de produtos secos, exibiu Joice Heth, escrava cega, decrépita, parcialmente paralítica, que supostamente tinha 161 anos e havia amamentado e cuidado do “querido Pequeno George” Washington, primeiro presidente da nação.

Assim, no início dos anos 1830, tomou forma o arcabouço para a cultura popular moderna nos Estados Unidos. Os alicerces deste mundo emergente de entretenimentos baratos, acessíveis, e indisciplinados incluíam o blackface minstrelsy (show de menestréis com o rosto pintado de preto contendo estereótipos raciais) que a performance de Rice como Jim Crow elevou a novos níveis de popularidade; a penny press, que anunciou uma revolução na indústria gráfica americana; e “o show business”, como Barnum o apelidou e que ele, mais do que ninguém ajudou a definir.

Os shows de menestréis abriram as portas para Stephen Foster, pioneiro da música popular americana, autor da memorável “Oh! Susannah”, cuja letra foi escrita no dialeto blackface: “I Come from Alabama / With my banjo on my knee / It´s gwine to Lou’siana / My true lub to see”, ou seja, “I come to Alabama with my banjo on my knee / I´m going to Lousiana for my true love to see”. Como consequência da fama de Rice, a partir de 1838, Jim Crow tornou-se um termo pejorativo para o afro-americano e, a partir desta data, as leis de segregação racial ficaram conhecidas como “Jim Crow Laws”.

Exibindo um gênio absoluto para a publicidade, Barnum traçou diversas estratégias para divulgar a exibição de Joice Heth e se defender dos críticos. Trabalhando com Levi Lyman, que havia contratado como assistente, programou encontros de religiosos com Heth, mostrando-lhe certidões de batismo que ele e Lyman haviam falsificado. Ao mesmo tempo, aproveitou as acusações de que Heth era, de fato, uma fraude. Publicou histórias nos jornais e encenou incidentes sugerindo que ela era na verdade feita de osso de baleia e borracha e que a voz de sua engenhoca vinha de um ventríloco. Como Barnum disse, sorrindo: “Muitas pessoas que a tinham visto estavam igualmente desejosos de uma segunda visão, a fim de determinar se haviam sido ou não enganados”. Se eles pagaram uma ou duas vezes, o empresário espertalhão colheu os dividendos.

Em 1841, Barnum comprou um museu no centro de Manhattan onde exibiu “curiosidades humanas”, ou “aberrações”, tais como mulheres barbadas, indivíduos sem pernas, albinos, gigantes e anões. Uma exibição muito popular foi um jogador de xadrez mecanizado que os espectadores poderiam se perguntar se era realmente uma máquina pensante ou um glorioso embuste. Até que um jornal de Fidadélfia expôs o truque. Porém o astucioso empreendedor percebeu que, mesmo depois que o segredo foi revelado, ainda podia ser uma fonte de lucro. “De vez em quando”, ele lembrava, “alguém gritava ‘farsante’ e ‘charlatão’, porém tanto melhor para mim.  Isto ajudava a me promover”. Com esta lição em mente, Barnum cultivou sua crescente reputação como “o príncipe dos charlatões”, termo que ele orgulhosamente aplicou a si mesmo.

Barnum e Stratton

A emergência de uma classe média com um extenso conjunto de valores e crenças influenciou profundamente a cultura popular e, para cortejá-la e adquirir mais respeitabilidade, Barnum apresentou como nova atração um anão, Charles S. Stratton, lançando-o como General Tom Thumb (General Pequeno Polegar). Sob cuidadosa tutela de Barnum, Tom tornou-se muito popular, cantando, dançando e imitando uma variedade de personagens como Cupido, Hércules e Napoleão. Depois, Barnum contratou outro anão, George Washington Morrison Nutt, que ele apelidou de “Prince of the Lilliputs” (Príncipe dos Liliputianos) e uma cantora suiça Jenny Lind, anunciando-a como “The Swedish Nightingale “(A Rouxinol Suiça). No início dos anos 1880, Barnum, e seu novo sócio, James A. Bailey, ofereceram ao público “The Greatest Show on Earth” – o famoso circo itinerante de três picadeiros, que se uniria mais tarde com seu rival, o Ringling Brothers – cuja principal atração era um elefante africano chamado Jumbo, símbolo da tendência de Barnum à extravagância.

Em 1883, William F. “Buffalo Bill” Cody inaugurou o seu Buffalo Bill´s Wild West Show, trazendo uma excitante e romantizada adaptação do Oeste Americano para um público que muitas vezes conhecia pouco a região. O circo de Cody logo se tornou fenômeno nacional – e depois internacional – combinando competições de rodeio com produções teatrais dramáticas que celebravam a “conquista do Oeste”, incluindo nativos americanos autênticos, reconstituições de batalhas nas fronteiras, e exibições de búfalos, cavalos selvagens, e até leões das montanhas.

Mickey Rooney e Judy Garland em Sangue de Artista

No cinema de Hollywod houve três abordagens da vida e obra de Stephen Foster: Melodias Inolvidáveis / Harmony Lane / 1935; O Coração de um Trovador / Swanee River / 1939 (com Al Jolson cantando “Oh! Susannah”) e Minha Vida te Pertence / I Dream of Jeanie / 1921. Em Sangue de Artista / Babes in Arms / 1939, Mickey Rooney e Judy Garland arrazaram cantando “Oh! Susannah” com o rosto pintado de preto. Podemos lembrar ainda O Seresteiro / Oh! Susannah / 1936, western de Gene Autry, no qual a canção de Foster é ouvida como parte de uma coletânea durante a apresentação dos créditos e no final do filme, tocada no acordeão de Smiley Burnette. Al Jolson em O Cantor de Jazz / The Jazz Singer / 1927; Eddie Cantor em Whoopee! / Whoopee / 1930; a pequenina Shirley Temple em A Pequena Rebelde / The Littlest Rebel / 1935); Judy Garland em Diabinho de Saias / Everybody Sing / 1938; Bing Crosby em Duas Semanas de Prazer / Holiday Inn / 1942; Joe E. Brown em Um Rapaz Delicado / The Daring Young Man /1942; Os Três Patetas na comédia curta Uncivil Warbirds / 1946 e até Bugs Bunny (Coelho Pernalonga) e Elmer Fudd (Hortelino Troca-Letra) surgiram telas com o rosto pintado de preto. Em Dias Felizes / Happy Days / 1929, o campeão de boxe Jim Corbett atuou como interlocutor em um show de menestréis e, em 1941, foi realizado um short, Minstrel Days, da série Broadway Brevities da Warner, utilizando tomadas de arquivo com cenas de filmes com Al Jolson e Eddie Cantor.  Yes Sir, Mr. Bones / 1951 mostra um menino que se encontra em um retiro de velhos artistas menestréis e procura saber sobre seu passado, sucedendo-se retrospectos dos velhos tempos.

Wallace Beery e Adolphe Menjou em O Rei do Blefe

O cinema se lembrou de Barnum em O Rei do Blefe / The Mighty Barnum / 1934 com Wallace Beery no papel título, sendo que Beery já havia personificado Barnum em Dama Virtuosa / A Ladie´s Morals / 1930, filme sobre Jenny Lind, interpretada por Grace Moore, renomada cantora lírica do Metropolitan Opera House, que se tornou também atriz. E não há dúvida de que Cecil B. DeMille se inspirou nele e no seu circo para realizar O Maior Espetáculo da Terra / The Greatest Show on Earth / 1952.

James Ellison (à esquerda ao lado de Gary Cooper) em Jornadas Heróicas

Buffalo Bill Cody apareceu, ainda moço (James Ellison) em Jornadas Heróicas / The Plainsman / 1936 e já mais velho (Louis Calhern) em Bonita e Valente / Annie Get Your Gun / 1950; mas o filme que traçou sua biografia completa foi Buffalo Bill / Buffalo Bill / 1944, interpretado por Joel McCrea. Neste artigo não pretendo oferecer filmografias completas, citando apenas alguns filmes – todos do período áureo de Hollywood – sobre cada assunto; de modo que, sobre Buffalo Bill, vou apenas acrescentar: o seriado As Aventuras de Bufffalo Bill / Battling with Buffalo Bill / 1931 (com Tom Tyler), o western B O Jovem Buffalo Bill / 1940 (com Roy Rogers) e As Aventuras de Buffalo Bill / Pony Express / 1953 (com Charlton Heston).

Prosseguindo na primeira parte do seu estudo, o professor Ashby aponta o surgimento de outros entretenimentos de massa como a comercialização da celebração do Natal e do Dia dos Namorados, as lutas de boxe (incrementadas pela popularidade de John L. Sullivan, o grande campeão de peso-pesados até ser derrotado pelo “Gentleman Jim” Corbett); o basebol; o rugby (futebol americano) universitário, o teatro burlesco, o vaudeville e os parques de diversão.

Thomas Mitchell, Donna Reed e James Stewart em A Felicidade Não se Compra 

O filme mais famoso sobre o Natal é, sem dúvida, A Felicidade não se Compra / It´s a Wonderful Life / 1946, emocionante drama sobrenatural dirigido por Frank Capra, que se passa numa véspera de Natal e foi baseado em um conto de Philip Van Doren Stern, The Greatest Gift, por sua vez remotamente inspirado em A Christmas Carol de Charles Dickens. Em segundo lugar, podemos citar os também notáveis Noite de Natal / Christmas Carol / 1938 (este uma versão direta da novela de Dickens) e De Ilusão Também se Vive / Miracle on 34th Street / 1947. Sobre o Dia dos Namorados só encontrei O Massacre de Chicago / St. Valentine´s Days Massacre / 1967, drama criminal de Roger Corman sobre o massacre da quadrilha de Bugs Moran pelo bando de Al Capone que ocorreu em Chicago no ano de 1929 naquele feriado comemorado nos EUA em 14 de fevereiro.

Errol Flynn em O Ídolo do Público

Filmes sobre o ambiente de lutas de boxe no cinema houve vários, destacando-se: O Ídolo do Público / Gentleman Jim / 1942 (no qual estão os já citados John L. Sullivan e “Gentleman Jim” Corbett, interpretados respectivamente por Ward Bond e Errol Flynn); Corpo e Alma / Body and Soul / 1947; Punhos de Campeão / The Set-Up / 1948; O Invencível / Champion / 1949; Marcado pela Sarjeta / Somebody Up There Likes Me / 1956 (cinebiografia do grande nocauteador Rocky Marciano, interpretado por Paul Newman); A Trágica Farsa / The Harder They Fall / 1956 (com a participação de Max Baer e Jersey Joe Walcott); Requiem para um Lutador / Requiem for a Heavyweight / 1962 (com a presença no elenco de Jack Dempsey e Cassius Clay / Muhammad Ali).

Max Baer, Jack Dempsey e Primo Carnera emO Pugilista e a Favorita

Por curiosidade, três pugilistas campeões mundiais de peso-pesados, Max Baer, Primo Carnera e Jack Dempsey, trabalharam no filme O Pugilista e a Favorita / The Prizefighter and the Lady / 1933. Uma raridade foi o empate na conquista do Oscar de 1931-32 entre Fredrich March e Wallace Beery, este indicado por sua atuação em O Campeão / The Champ / 1932 (Dir: King Vidor), dramalhão sobre um ex-campeão de boxe decadente e beberão adorado pelo filho (Jackie Cooper). Outro filme passado em ambiente de boxe foi Talhado para Campeão / Kid Galahad / 1937, refilmado em 1962 como o mesmo título, tanto em inglês como em português, com Elvis Presley no papel anteriormente ocupado por Wayne Morris.

Gary Cooper em Ídolo, Amante e Herói

Talvez o melhor filme sobre basebol tenha sido Ídolo, Amante e Herói / The Pride of the Yankees / 1942 com Gary Cooper como o jogador “Lou” Gehrig que, vitimado por uma esclerose lateral miotrófica, teve que deixar prematuramente o esporte, falecendo aos 37 anos de idade. Vale lembrar o comovente discurso de despedida de Gehrig no Yankee Stadium e a presença de Babe Ruth e outros verdadeiros craques no elenco. Outro filme importante versando sobre o mesmo assunto, foi Sangue de Campeão / The Stratton Story / 1949, com James Stewart como o conhecido lançador Monty Stratton, cuja carreira chegou ao fim, quando teve a perna amputada. Podemos lembrar ainda, entre outros: Um Portento no Esporte / Casey at the Bat / 1927 com Wallace Beery; Vencendo o Medo / Fear Strikes Out / 1959, contando o drama de Jim Piersall, jogador que sofria de transtorno bipolar; Combinação Invencível / The Winning Team / 1952 com Ronald Reagan como Grover Cleveland Alexander; O Homem do Dia / The Pride of St. Louis / 1952 com Dan Dailey como Dizzy Dean. Vale a pena citar também um musical (Parceiro de Satanás / Damn Yankees / 1958) e uma comédia do “Boca Larga” Joe E. Brown (Esfarrapando Desculpas / Alibi Ike / 1935), ambos passados em ambiente de beisebol. E, sem dúvida, O Grande Babe Ruth / The Babe Ruth Story / 1948 com William Bendix no papel do imortal beisebolista. Recordo-me ainda de um musical dirigido por Busby Berkeley, A Bela Ditadora / Take Me Out to the Ball Game / 1949, sobre jogadores de basebol  (Frank Sinatra, Gene Kelly) que, fora da temporada esportiva, trabalham no vaudeville.

Harold Lloyd em O Calouro

O rugby (ou seu similar o futebol americano) foi representado no cinema americano clássico principalmente na comédia muda, O Calouro / The Freshman / 1925 com Harold Lloyd e em O Homem de Bronze / Jim Thorpe, All American / 1951 cinebiografia do famoso atleta descendente de índios (campeão de várias modalidades esportivas além do rugby), revivido na tela por Burt Lancaster. Cito também , sem a preocupação de fornecer uma lista completa:  Gênios da Pelota / Horse Feathers / 1932 com os Irmãos Marx; Agarrem essa Normalista/ Hold that Co-ed / 1938; Criador de Campeões / Knute Rockne All American / 1940, cinebiografia do famoso treinador da Universidade de Notre Dame, vivido por Pat O´Brien, que também deu vida a outro treinador (e herói da Primeira Guerra Mundial) Frank Cavanaugh em Forjador de Homens / The Iron Major / 1943; Papai foi um Craque / Father was a Fullback / 1949; Tormento de uma Glória / Easy Living / 1949; Ídolo Dourado / Saturday´s Hero / 1951; O Filhinho do Papai / That´s My Boy / 1951; Atalhos do Destino / Trouble Along the Way / 1953; Alma Invencível / All American / 1953;

Anna Held

Eva Tanguay

O teatro burlesco foi introduzido nos EUA em 1868 por uma trupe de coristas chamada Lydia Thompson´s British Blondes. Era um show de variedades, reunindo vários elementos como caricatura, paródia, sátira, erotismo e strip-tease. Outra forma, mais respeitável de exibicionismo feminino encontrou expressão no final do século dezenove, em grande parte devido aos esforços iniciais de Florenz Ziegfeld Jr.: o vaudeville, forma de entretenimento popular que misturava números curtos de variedades, música e comédia, mágicas, canto, dança, acrobacias, performances de animais treinados e estereótipos étnicos). Umas de suas grandes atrações foram o musculoso Sandow; a formosa cantora Anna Held; a comediante um tanto robusta, Eva Tanguay, cujas canções picantes e trajes escassos encantavam o público;  e, principalmente, suas show girls, lindas coristas que desfilavam sensualmente diante de cenários suntuosos. Segundo apurei, a verdadeira Anna Held foi protagonista de Madame la Presidente / 1916, dirigido por Frank Lloyd.

Luise Rainer como Anna Held

No cinema destaca-se a cinebiografia Ziegfeld, o Criador de Estrelas / The Great Ziegfeld / 1936, na qual o empresário foi interpretado por William Powell e Luise Rainer era Anna Held. O filme conquistou o Oscar e Rainer recebeu a estatueta como Melhor Atriz. Powell repetiu seu papel em Ziegfeld Follies / Ziegfeld Folies / 1946, revista musical com um elenco all-star (Judy Garland, Lucille Ball, Fanny Brice, Fred Astaire e Gene Kelly dançando juntos, Red Skelton, Lena Horne, Cyd Charisse, Esther Williams e direção geral de Vincente Minnelli. A figura de Ziegfeld apareceu ainda em: Sonharei com Você / I´ll See You in My Dreams / 1951 com William Forrest como Ziegfeld; A História de Will Rogers / A The Story of Will Rogers / 1952 com Forrest novamente como Ziegfeld; Bem no Meu Coração / Deep in my Heart / 1954 com Paul Henreid como Ziegfeld. O Meu Amado / Rose of Washington Square / 1939 foi remotamente inspirado na vida de Fanny Brice, uma das estrelas do Ziegfeld Follies. Ziegfeld não aparece em um O Mundo é um Teatro / Ziegfeld Girl / 1941, que gira em torno de três garotas (Lana Turner, Hedy Lamarr, Judy Garland) escolhidas para participar de seus espetáculos.

O vaudeville ou o burlesco estiveram ainda presentes nas telas por exemplo em: Sangue de Artista / Babes in Arms / 1939; A Bela Lillian Russell / Lillian Russell / 1940; Idílio em Do-Re-MI / For Me and My Gal / 1942; A Canção da Vitória / Yankee Doodle Dandy / 1942; Melodia do Amor / Shine on Harvest Moon / 1944; Sonhos Dourados / The Jolson Story / 1946; Mentira Salvadora / Ladies of the Chorus / 1948; Malabaristas da Vida / Give my Regards to Broadway / 1948; Esquece Teus Pesares / April Showers / 1948; Crepúsculo de uma Glória / Look for the Silver Lining / 1949; Um Coringa e Sete Ases / The Seven Little Foys / 1955; Em Busca de um Sonho / Gypsy / 1962 , cinebiografia da dançarina Gypsy Rose Lee com Rosalind Russell no papel-título; Quando o Strip Tease Começou / The Night They Raided Minsky´s / 1968.

Cena de Solidão

O parque de diversões mais conhecido de Nova York é o Luna Park, situado em Coney Island, bairro situado a sudoeste do Brooklyn. Ele é famoso pela sua roda gigante (Wonder Wheel) e sua montanha russa (Cyclone) e foi inaugurado por um empresário do entretenimento brilhantemente inovador, Frederic W. hompson, em 16 de maio de 1903. No cinema, vários filmes têm cenas passadas em Coney Island, entre os quais destacamos os admiráveis Solidão / Lonesome /1928 de Paul Fejos e O Pequeno Fugitivo / Little Fugitive / 1953 de Morris Engel. que conta a história de uma criança sozinha no parque.

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Nesta obra-prima da literatura francesa e mundial, Gustave Flaubert, através do estudo psicológico de uma mulher intoxicada pelo romantismo que busca na infidelidade e nas compras um substituto para a felicidade, investe contra   as convenções burguesas do seu tempo, zombando de sua tolice, sua futilidade, e sobretudo seu falso moralismo, buscando com obsessão “a palavra precisa”, a única adequada para levar cada frase ao ponto mais próximo da perfeição.

Gustave Flaubert

Observando um caso individual, o escritor fez de sua heroína um tipo universal. Durante o desenrolar da narrativa acompanhamos as emoções e frustrações de Emma Bovary, seu desejo por um mundo diferente daquele que destroça seu sonho e sua formidável faculdade de ilusão, que recebeu o nome doravante tradicional de Bovarismo. Houve várias versões do romance para o cinema. Os filmes que pude ver estão marcados em negrito e no final escolho o meu predileto.

FILMOGRAFIA

Excluídas adaptações remotas do original literário ou produzidas diretamente para a televisão.

Madame Bovary 1934 com Valentine Tessier

Madame Bovary / 1934 (Dir: Jean Renoir) com Valentine Tessier (Emma) e Pierre Renoir (Charles). França.

Madame Bovary 1937 com Pola Negri

A Mulher Que Amou Demais / Madame Bovary / 1937 (DIr: Gerard Lamprecht) com Pola Negri (Emma) e Aribert Wäches (Charles). Alemanha.

Madame Bovary 1947 com Mecha Ortiz

Madame Bovary / 1947 (Dir: Carlos Schlieper) com Mecha Ortiz (Ema) e Alberto Bello (Carlos). Argentina.

Madame Bovary 1949 com Jennifer Jones

A Sedutora Madame Bovary / Madame Bovary / 1949 (Dir: Vincente Minnelli) com Jennifer Jones (Emma) e Van Heflin (Charles). Estados Unidos.

Os Pecados de Madame Bovary / De Nackte Bovary / 1969 (Dir: Hans Schott-Schöbinger) com Edwige Fenech (Emma) e Gerhard Riedman (Charles). Alemanha Oriental- Itália.

Salvai e Protejei / Spasi i sokhran / 1989 (Dir: Alesandr Sokurov) com Cécile Zervudacki (Emma) e Robert Vaap (Charles). União Soviética – Alemanha Oriental.

Madame Bovary 1991 com Isabelle Hupert

Madame Bovary / Madame Bovary / 1991 (Dir: Claude Chabrol) com Isabelle Hupert (Emma) e Jean-François Baumer (Charles). França.

Madame Bovary / 2014 (Dir: Sophie Barthes) com Mia Wasikowska (Emma) e Henry Lloyd-Hughes (Charles).

MINHA VERSÃO PREDILETA É A DE VINCENTE MINNELLI

A primeira atriz escolhida para interpretar a personagem de Flaubert em A Sedutora Madame Bovary foi Lana Turner, porém o Código de Autocensura julgou-a “demasiado sexy”. Minnelli então sugeriu Jennifer Jones e, com ela expressou, à maneira de Hollywood naturalmente, a alma sonhadora da heroína e os falsos valores da burguesia.

James Mason como Flaubert

Jennifer Jones (Emma) e Van Heflin (Charles Bovary)

Jennifer Jones  (Emma) e Louis Jourdain (Rodolphe)

Jennifer Jones (Emma) e Gene Lockhart (Mr.Homais)

Contracenando com Jennifer estavam Van Heflin (Charles Bovary), Louis Jourdain (Rodolphe), o ator sueco Alf Kjellin creditado como Christopher Kent (Léon) e Gene Lockhart (Homais) enquanto James Mason encarnava Flaubert, servindo como narrador da intriga pois, para driblar a censura do Código Hays, o roteirista Robert Ardrey inventou um prólogo, mostrando em rápidas cenas o processo aberto contra o escritor, acusando-o de imoralismo por causa de seu livro. O filme traduz muito bem toda a essência do livro de Flaubert, ilustrada pelo estilo brilhante de Minnelli, que se manifesta esplendorosamente na vertiginosa sequência no baile sob o som da valsa “neurótica” de Miklos Rozsa, com Emma excitada rodopiando pelo salão e o espelho mostrando-a deslumbrante vestida de branco e rodeada de admiradores elegantes, imagem perfeita da realização de seus desejos romanescos.

Cenas no baile

Além da música de Rozsa, os cenários grandiosos (Cedric Gibbons – Jack Martin Smith,) figurinos (Walter Plunkett), fotografia (Robert Plank), distingue-se prioritariamente o desempenho  de Jennifer Jones, comunicando perfeitamente o tédio e o temperamento sonhador da personagem e o seu desejo insaciável de satisfazer suas fantasias, que a leva à degradação moral e ao suicídio.

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KARL FREUND

Nascido em Königinhof (Austria-Hungria, hoje Dvur Králové nad Labem, República Checa, Karl Freund (1890-1969), responsável pelo desenvolvimento da ‘Entfesselte Kamera’ (câmera desenfreada) usada por F. W. Murnau em A Última Gargalhada / Der Letzte Mann / 1924 e pelo trabalho notável de câmera em Metrópolis / Metropolis / 1927, trouxe  um estilo visual Weimar para os clássicos de horror da Universal nos anos 30.

Karl Freund

Criado em Berlim, ainda adolescente começou a trabalhar como projecionista e, em 1908, ingressou na Pathé como operador de câmera de cine jornais. Servindo como assistente técnico do Tonbilder Biophon (curtas-metragens com música tocada em um gramofone sincronizada com imagens em movimento) do pioneiro Oskar Messter, ele fotografou seu primeiro longa-metragem em Belgrado em 1911, e posteriormente conseguiu emprego na recém-fundada Sascha-Film-Fabrik em Viena.

Retornando a Berlim em 1913, foi operador de câmera com Axel Graatjaer na série de filmes de Asta Nielsen, produzidos pela Projektions-AG Union (PAGU) e dirigidos por Urban Gad, passando depois a fotografar cine jornais e longas-metragens, mais frequentemente com Robert Baberske como seu assistente.  Em 1919, fundou seu próprio laboratório especializado, Karl Freund GmbH, e a partir deste ponto se estabeleceu como free lancer. Considerado como um dos líderes em seu campo de atuação durante os anos vinte, ele trabalhou com diretores como Paul Wegener, Richard Oswald, Ludwig Berger, Paul Czinner, Fritz Lang e E.A.Dupont, assim como o dinamarquês Carl Theodor Dreyer.

Freund então tornou-se parte do conjunto de artistas mais importantes do cinema de Weimar, compreendendo o diretor F. W Murnau, os cenógrafos Robert Herlth e Walter Röhrig, o roteirista Carl Mayer e o produtor Erich Pommer. Primeiro “desencandeando” a câmera cinematográfica em A Última Gargalhada / Der letzte mann / 1924, montando-a em uma bicicleta ou deixando-a subir em um elevador, ele subsequentemente a fixou em um trapézio no filme de E. A. Dupont, Varieté / Varieté / 1925.

Filmagem de Varieté

Durante seu tempo como chefe de produção nos escritórios europeus da Fox Film Corporation em 1926, projetos inovadores com Aventuras de uma Nota de Banco /Die Abenteuer eines Zehnmarkscheines / 1926 de Berthold Viertel e Berlim – Sinfonia da Metrópole / Berlin – Die Sinfonie Der Grossstadt / 1926 de Walter Ruttmann se concretizaram.

Depois de fazer experiências com o som e a cor no cinema em Londres no final dos anos vinte, Freund rumou para Hollywood e obteve uma posição de diretor de fotografia na Universal. Após fotografar Dracula / Dracula / 1931 de Tod Browning e Os Assassinatos da Rua Morgue / Murders in the Rue Morgue / 1931 de Robert Florey – que consagrou Bela Lugosi como um astro do horror – o estúdio lhe confiou outros filmes como diretor, começando com A Múmia / The Mummy / 1932 com Boris Karloff.

Freund filmando A Múmia

Transferindo-se para a MGM em 1935, ele dirigiu a estréia de Peter Lorre em Hollywood em Dr. Gogol, o Médico Louco / Mad Love / 1935 e então voltou para as funções de câmera, fotografando dois filmes de Greta Garbo – A Dama das Camélias / Camille / 1936 (Dir: George Cukor); Madame Waleska / Conquest / 1937 (Dir: Clarence Brown) – e ganhando o Oscar de Melhor Fotografia por Terra dos Deuses / The Good Earth / 1937 de Sidney Franklin. Trabalhou também na Warner Bros entre 1947 e 1950.

Freund filmando A Dama das Camélias

Freund filmando Madame Waleska

Freund na filmagem de Terra dos Deuses

Montando sua Photo Research Corporation em 1944, Freund continuou a fazer experiências em todas as áreas da tecnologia a câmera e, em 1954, ele e Frank Crandell ganharam um prêmio técnico da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas pelo projeto e aperfeiçoamento de um medidor de luminosidade de leitura direta. Enquanto diretor de fotografia principal do estúdio de televisão Desilu (a partir de 1950), Freund criou o sistema multi-câmera para facilitar o corte entre diferentes câmeras, que desenvolveu ao máximo nas seis primeiras temporadas da série I Love Lucy (1951-1957).

Ele se retirou para um rancho em San Fernando Valley em 1960, mas continuou ativo como inventor e mentor da nova geração de técnicos até sua morte.

FILMOGRAFIA NOS EUA

(Câmera) 1930 – Sem Novidade no Front / All Quiet on the Western Front; Rival dos Maridos / The Boudoir Diplomat. 1931 – Dracula / Dracula; Garota Rebelde / Bad Sister; Pena de Amor / Up for Murder; Criada de Confiança / Personal Maid; Más Intenções / Strictly Dishonorable; Os Assassinatos da Rua Morgue / Murders in the Rue Morgue. 1932 – Mercado de Escândalos / Scandal for Sale; Esquina do Pecado / Back Street; Asas Heróicas / Air Mail; Fala e Morrrerás / Afraid to Talk, A Múmia / The Mummy (dir). 1933 – O Beijo Diante do Espelho / A Kiss Before the Mirror; Luar e Melodia / Moonlight and Pretzels (dir); Sob Falsas Bandeiras / Madame Spy (dir). 1934 – A Condessa de Monte Cristo / The Countess of Monte Cristo (dir); Brincando Com Fogo / Uncertain Lady (dir); Dei Meu Amor / I Give My Love; O Dom da Alegria / The Gift of Gab (dir). 1935 – Dr. Gogol o Médico Louco / Mad Love. 1936 – Ziegfeld, o Criador de Estrelas / The Great Ziegfel; A Dama das Camélias / Camille. 1937 – Terra dos Deuses / The Good Earth; Parnell, o Rei Sem Coroa / Parnell; Conquest. 1938 – Amor de Ida e Volta / Man-Proof; O Porto dos Sete Mares / Port of the Seven Seas; Três Camaradas / Three Comrades; Dia de Promessa / Letter of Introduction. 1939 – Balalaika / Balalaika (co cam). 1940 – O Conde de Chicago / The Earl of Chicago; Inferno Verde / Green Hell; Florian / Florian; Dois Contra o Mundo / We Who Are Young; Orgulho e Preconceito / Pride and Prejudice; O Inimigo X / Comrade X (op. cam); Mary é Ciumenta / Keeping Company. 1941 – Flores do Pó /-Blossoms in the Dust; O Soldado de Chocolate / The Chocolate Soldier. 1942 – Boêmios Errantes / Tortilla Flat; Aço da Mesma Têmpera / The War Against Mrs. Hadley: De Cartola e Calças Listradas / A Yank at Eaton. 1943 – Du Barry Era Um Pedaço / Du Barry Was a Lady; A Cruz de Lorena / The Cross of Loraine; Aurora Sangrenta / Cry Havoc; Dois no Céu / A Guy Named Joe. 1944 – A Sétima Cruz / The Seventh Cross; O Regresso Daquele Homem / The Thin Man Goes Home. 1945 – Sem Amor / Without Love; Os Quatro Testamentos / Dangerous Partner. 1946 – Uma Carta Para Eva / A Letter for Evie. 1946 – Two Smart People; Correntes Ocultas / Undercurrent. 1947 – Marcada pela Calúnia / That Hagen Girl; Saudade de Teus Lábios / This Time for Keeps. 1948 – A Desdenhada / Wallflower; Paixões em Fúria / Key Largo; O Poder da Inocência/ The Decision of Christopher Blake; 1949 – Mercadores de Intrigas / South of St. Louis. 1950 – Montana, Terra Proibida / Montana; Cinzas ao Vento / Bright Leaf

FRANZ PLANER

Nascido em Karlsbad (Boêmia, Austria – Hungria, agora Karlovy Vary, República Checa), Franz Planer (1894 – 1963), treinado no estilo da cinematografia germânica nos anos vinte, Franz Planer tornou-se um dos diretores de fotografia mais procurados de Hollywood nos anos 40 e 50, igualmente apto a criar composições atmosféricas em claro-escuro no estúdio, iluminar astros e estrelas, captar as paisagens naturais e trabalhar com o Technicolor.

Franz Planer

Treinado como fotógrafo de retratos, Planer trabalhou também como operador de cinejornais em Viena, Paris e Munich. Ele ingressou na indústria cinematográfica germânica em 1920, primeiramente na companhia Emelka, filmando entretenimentos leves para diretores de segunda categoria, mas também servindo a F.W. Murnau em As Finanças do Grão Duque / Die Finanzen Des Grossherzogs / 1923 e fornecendo a Brigitte Helm a iluminação estrelar apropriada em Alraune / Alraune / 1927 de Henrik Galeen. Com o advento do som, Planer avançou para produções de maior prestígio, entre elas a comédia de muito sucesso de William Thiele O Caminho do Paraíso / Die Drei Von Der Tankstelle / 1930 e o romance melancólico de Max Ophuls Uma História de Amor / Liebelei / 1934.

Cena de Uma História de Amor

Depois que os nazistas chegaram ao poder, Planer mudou-se para Viena com sua esposa judia, onde filmou algumas operetas e revistas musicais tais como Premiere / Premiere / 1937 e La Bohème / Zauber Der Bohème / 1937. Durante os anos trinta, Planer trabalhou através da Europa inclusive na Grã-Bretanha (O Ditador / The Dictator / 1935 e O Querido Vagabundo / The Beloved Vagabond / 1936); França (curta-metragem de Max Ophuls Ave Maria / 1936); e Itália (Casta Diva / Casta Diva / 1935). Neste período colaborou frequentemente com antigos colegas que haviam se exilado, inclusive Max Ophuls e Curtis Bernhardt e trabalhou em uma ocasião na Alemanha, fotografando Capriolen / 1937 para Gustaf Gründgens

Cena de Casta Diva

Contratado pela Columbia, Planer mudou-se para Hollywood em 1937. Seu primeiro filme americano foi a comédia Boêmio Encantador / Holiday / 1938 dirigida por George Cukor com Katharine Hepburn e Cary Grant. Subsequentemente ele diversificou sua atividade em uma vasta gama de gêneros, como, por exemplo, o filme de horror Máscara de Fogo / The Face Behind the Mask / 1940 de Robert Florey com Peter Lorre; filmes de guerra de baixo orçamento como Caça ao Inimigo / Submarine Raider / 1942; musical de Mae West, Sedução Tropical / The Heat´s On / 1943.

Após completar seu contrato com a Columbia, Planer trabalhou repetidamente com outros emigrados europeus como o produtor Seymour Nebenzal (A Senda do Crime / The Chase / 1946) e os diretores Robert Siodmak (Baixeza / Criss Cross / 1948) e – mais uma vez – Max Ophuls (Carta de uma Desconhecida / Letter from an Unknown Woman / 1948).

Cena de Baixeza 

Cena de Carta de uma Desconhecida

Nos anos cinquenta, filmou principalmente filmes coloridos, incluindo a aventura de Jules Verne 20.000 Léguas Submarinas / 20.000 Leagues Under the Sea / 1954, o western Da Terra Nascem os Homens/ The Big Country / 1958 (no qual usou esplendidamente o Technirama) e a comédia Bonequinha de Luxo / Breakfast at Tiffany´s / 1961 com Audrey Hepburn. Esta última Planer já havia fotografado maravilhosamente em A Princesa e o Plebeu / Roman Holiday / 1953 e ela foi também uma das estrelas em seu último filme, Infâmia / The Children´s Hour / 1962.

Cena de A Princesa e o Plebeu

Cena de Da Terra Nascem os Homens

FILMOGRAFIA NOS EUA

(Câmera) 1938 – Boêmio Encantador / Holiday; Flores da Primavera / Girl´s School; Aventura no Sahara / Adventure in Sahara. 1940 – Alugam-se Senhoritas / Glamour for Sale; Máscara de Fogo / The Face Behind the Mask. 1941- Rastro nas Trevas / Meet Boston Blackie; Proibidos de Amar / They Dare Not Love; Entra no Cordão / Time Out for Rhythm; A Namorada do Colégio / Sweetheart of the Campus; A Noiva de Meu Marido / Our Wife; Três Graças e uma Desgraça / Three Girls About Town; Dançarina de Aluguel / Sing for Your Supper; Honolulu Lu / Honolulu Lu; Harvard Here I Come. 1942 – As Aventuras de Martin Eden / The Adventures of Martin Eden; Nas Asas da Glória / Canal Zone; Um Louco Entre Loucos / The Wife Takes a Flyer; Sacrifício de Pai / Flight Lieutenant; Pela Pátria / Sabotage Squad; The Spirit of Stanford; Um Rapaz Decidido / The Daring Young Man; Caça ao Inimigo / Submarine Raider. 1943 – Canta Coração / Something to Shout About; Encontro em Berlim / Appointment in Berlin; Meu Reino por uma Cozinheira / My Kingdom for a Cook; Destróier / Destroyer; Sedução Tropical / The Heat´s On. 1944 – O Eterno Pretendente / Once Upon a Time; A Obra Destruidora / Secret Command; O Banquete da Morte / Strange Affair. 1945 – Donativo Desastroso / Leave It to Blondie; Estranho Romance / I Love a Bandleader; Loucuras da Mocidade / Snafu. 1946 – Her Sister´s Secret; A Senda do Temor / The Chase.1947 – O Exilado / The Exile. 1948 – Carta de uma Desconhecida / Letter from an Unknown Woman; Vênus, A Deusa do Amor / One Touch of Venus; Baixeza / Criss Cross. 1949 – O Invencível / Champion; Um Passo em Falso / Take One False Step; Nascida para Amar / Once More My Darling. 1950 – Vendeta / Vendetta; Sindicato do Crime / 711 Ocean Drive; Três Maridos / Three Husbands; Cyrano de Bergerac / Cyrano de Bergerac. 1951 – EvidênciaTrágica / The Scarf; Ainda Há Sol Em Minha Vida / The Blue Veil; Decisâo Antes do Amanhercer / Decision Before Dawn. 1952 – A Morte do Caixeiro Viajante / Death of a Salesman. 1953 – Os 5.000 Dedos do Dr. T / The 5.000 Fingers of Dr. T; A Princesa e o Plebeu / Roman Holiday; A Morte Ronda o Cais / 99 River Street; Ambição Que Mata / Bad For Each Other. 1954 – Procurado por Homicídio / The Long Wait; Após a Tempestade / A Bullet is Waiting; A Nave da Revolta / The Caine Mutiny; 20.000 Léguas Submarinas / 20.000 Leagues Under the Sea. 1955 – Não Serás Um Estranho / Not as a Stranger; Do Destino Ninguém Foge / The Left Hand of God. 1956 – A Maldição da Montanha/ The Mountain. 1957 – Orgulho e Paixão / The Pride and the Passion. 1958 – Quando o Espetáculo Termina /Stage-Struck; Da Terra Nascem os Homens / The Big Country. 1959 – Uma Cruz à Beira do Abismo / The Nun´s Story. 1960 – O Passado Não Perdoa / The Unforgiven. 1961 – Bonequinha de Luxo / Breakfast at Tiffany´s; O Rei dos Reis / King of King´s; Infâmia / The Children´s Hour.

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A dinastia dos Westmore abrange mais de cem anos e quatro gerações. Em certa ocasião, havia um Westmore chefiando o departamento de maquiagem em quase todo grande estúdio de Hollywood. Juntos, eles definiram o papel dos artistas maquiadores e cabelereiros e estabeleceram os padrões para  a indústria da qual eles foram pioneiros.

Neste artigo não vou apresentar a filmografia completa dos maquiadores para não cansar os leitores; indicarei apenas algumas de suas proezas artísticas.

George Westmore

George Henry Westmore (1879-1931), o patriarca da família, foi um cabelereiro inglês que emigrou para os Estados Unidos com sua família. Especializado em fazer perucas e depois em maquiagem, ele montou seu primeiro departamento de maquiagem em 1917 na Selig Polyscope Company e ao mesmo tempo fabricava perucas, tendo inventado a peruca do laço. Trabalhou também para a Triangle Film Corporation e foi responsável pela criação dos famosos cachos de Mary Pickford, que se tornou um estilo imitado por Shirley Temple entre outras atrizes. Os famosos cachos de Mary eram reais, mas ela comprou 18 cachos falsos de George por 50 dólares cada um, para adicioná-los aos seus quando necessitasse de mais volume na sua cabeleira.

Com o advento do cinema falado, George viu a carreira de seus filhos eclipsando a sua. Ele entrou em depressão, sentindo que seu próprio trabalho foi esquecido e se suicidou tomando veneno. George teve seis filhos que se seguiram a carreira de maquiadores em Hollywood durante os Anos Dourados de Hollywood: Monte, os gêmeos Perc e Ern e Wally Westmore nasceram na Inglaterra; Bud e Frank Westmore, na Califórnia.

Desde o final da década de 1910, quando George montou seu primeiro departamento de maquiagem até o último filme de Frank (O Último dos Valentões / Farewell my Lovely) em 1975, os Westmores trabalharam como cabelereiros e maquiadores em Hollywood, frequentemente como encarregados de grandes departamentos de maquiagem e supervisionado todos os filmes de seus estúdios.

Como já foi dito, George criou os cachos da “Namoradinha da América” para a Triangle.

Mary Pickford e seus cachos

Monte serviu na Famous Players Lasky como maquiador de Rudolph Valentino (criando seu visual latino), realizou um trabalho notável em O Rei dos Reis / The King of Kings / 1927, criou uma cicatriz sinistra para Paul Muni em Scarface, a Vergonha de uma Nação / Scarface / 1932 e mais tarde foi capaz de realçar a matiz de verde dos olhos castanhos de Vivien Leigh com o uso de sombra e roupas para combinar com a descrição de Margaret Mitchell em … E O Vento Levou / Gone with the Wind / 1939.

Paul Muni e sua cicatriz em Scarface

Perc trabalhou com Adolph Menjou e Paul Muni; criou a face grotesca maravilhosa de Charles Laughton em O Corcunda de Notre Dame / The Hunchback of Notre Dame / 1939; arranjou um aprimoramento para o decote de Carole Lombard (aplicando-lhe uma linha de ruge); fez um corte de cabelo masculino inovador na altura da orelha para Coleen Moore; aplicou baton laranja na ruiva Ann Sheridan. Depois que transformou Bette Davis na Rainha Elizabeth (raspando suas sobrancelhas e sua testa e aparando seus cílios), ele ficou intimamente ligado a seus filmes posteriores. Perc providenciou  um rosto  indígena e austero para Paul Muni como o líder revolucionário mexicano em Juarez / Juarez / 1939 e providenciou uma maquiagem para Ronald Reagan Em Cada Coração Um Pecado / King´s Row / 1942: deixou-o essencialmente sem maquiagem a fim de torná-lo crível.

Charles Laughton em O Corcunda de Notre Dame

Bette Davis como a Rainha Elizabeth (ao lado  de Errol Flynn) em Meu Reino por um Amor

Ern é geralmente considerado o maior inovador dos Westmores, parcialmente devido à sua capacidade de improvisar vários efeitos especiais (v. g. ele usou um bife de flanco cru amarrado em volta da perna de John Barrymore, coberto com maquiagem, de modo que, quando um ferro de marcar quente lhe fosse aplicado, parecesse estar fazendo um barulho de carne em brasa – e isso em 1926). Ele também foi responsável por inovações como dar a Bette Davis lábios retos em vez de lábios em forma de picada de abelha (bee-stings lips) como os de Theda Bara e Mae Murray. Quando ele fez isso com Katharine Hepburn, a mulher Americana passou a ter um novo rosto. Ele ficou famoso por sua maquiagem de envelhecimento, notavelmente de Sam Jaffe e Margo em Horizonte Perdido / Lost Horizon /1937. Ele envelheceu também Irene Dunne em Cimarron / Cimarron / 1931.

Irene Dunne em Cimarron

Wally usou espuma de borracha e um arreio para envelhecer Barbara Stanwyck   em Até Que a Morte Nos Separe / The Great Man´s Lady / 1941, fez um molde dos olhos de um ator chinês e aplicou o molde em Akim Tamiroff no filme O General Morreu ao Amanhecer / The General Died at Dawn / 1936 e uma falsa mão para Harold Lloyd em O Professor Faraó / Professor Beware / 1938; ele foi também o criador do visual satânico  / neandertal do Mr. Hyde de Fredric March (em O Médico e o Monstro / Dr. Jeklyll and Mr. Hyde / 1931) por meio do uso de molde facial, uma peruca ventilada e dentes caninos de porcelana.

Fredric March como Mr. Hyde em O Médico e o Monstro (1931)

Bud usou a mesma espuma de borracha que Wally havia usado em Barbara Stanwick para fazer a cauda de sereia de Ann Blyth em Ele e a Sereia / Mr. Peabody and the Mermaid / 1948, porém ficou mais famoso pelos seus monstros da Universal nos anos cinquenta, trabalhando em estreita colaboração como o diretor de arte Alexander Golitzen. Seu monstro mais célebre foi aquele usado em O Monstro da Lagoa Negra / The Creature from the Black Lagoon / 1954, baseado na forma de um iguana e feito com borracha líquida aplicada no corpo do stuntman Ricou Browning. No entanto, é preciso esclarecer que Bud recebeu colaboração preciosa de Millicent Patrick (desenhista do humanóide pré-histórico), Jack Kevin (criador da roupa do monstro) e Chris Mueller, Jr. (escultor da cabeça do monstro) mas, como ele era o chefe do departamento de maquiagem somente seu nome constou nos créditos. A criação mais bizarra de Bud foram os seres extras-terrestres com cérebros expostos  Guerra entre Planetas / This Island Earth / 1954.

Ann Blyth sendo transformada em Sereia

Bud e a cabeça do monstro da lagoa negra

A criatura de Guerra entre Planetas

O primeiro trabalho de Frank em um filme foi escurecer as partes íntimas de um chimpanzé em Além do Horizonte Azul / Beyond the Blue Horizon / 1942, mas ele teve uma carreira cinematográfica longa, inclusive funcionando quase como um diretor de segunda unidade em Os Dez Mandamentos / The Ten Commandments / 1956 e ganhou um prêmio Emmy pelo seu trabalho no seriado de televisão Kung Fu / Kung Fu / 1972-1975 protagonizado por David Carradine. Ele transformou Shirley MacLaine em uma geisha em Minha Doce Geisha / My Geisha / 1962.

Frank e sua maquiagem de Shirley MacLaine para Minha Doce Geisha

Monte Westmore teve três filhos, Monty, Michael e Marvin e Marvin teve um filho, Kevin. Monty foi responsável pela maquiagem de Joan Crawford em O Que Terá Acontecido a Baby Jane? / What Ever Happened to Baby Jane? / 1962 e e indicado para o Oscar de Melhor Maquiagem por seu trabalho em A Volta do Capitão Gancho / Hook /1991 de Steven Spielberg. Michael deu sua contribuição para vários episódios da série e TV Jornada nas Estrelas / Star Strek, ganhou 9 prêmios Emmy e repartiu o Oscar de Melhor Maquiagem com Zoltan Elek por seu trabalho em Marcas do Destino / Mask / 1985 de Peter Bogdanovich. Marvin exerceu um de seus trabalhos mais expressivos em Blade Runner, Caçador de Andróides / 1982. Kevin, filho de Marvin, o Westmore da quarta geração, mostrou sua competência, por exemplo, na série de TV Arquivo X / The X-Files (1993-2002), que lhe deu dois prêmios Emmy e no filme O Demolidor / Demolition Man / 1993 estrelado por Sylvester Stallone, Wesley Snipes e Sandra Bullock e dirigido por Marco Brambilla.

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Apaixonados pelos desenhos animados de Walt Disney, Adolf Hitler e seu ministro da propaganda Joseph Goebbels decidiram formar uma poderosa indústria de animação, criando um estúdio parecido com o do americano. Entre os convocados para este empreendimento estava Hans Fischerkoesen, um dos animadores mais destacados da Alemanha ente 1933 e 1945, cujo trabalho incluía um trio de filmes notáveis: Verwitterte Melodie, Der Schneemann e Das dumme Gänslei

Hans Fisherkoesen

Hans Fisher (1896 – 1973) nasceu em Bad Koesen, cidade perto de Naumburg na Saxônia. Como o sobrenome Fisher fosse muito comum no meio cinematográfico, ele acrescentou o nome da cidade de nascimento ao seu próprio, passando a se chamar Hans Fischerkoesen, para se distinguir de outros.  Quando criança, Hans e sua irmã Leni satisfaziam seu gôsto por fantasia, criando um teatrinho de marionetes e outros entretenimentos domésticos. Ambos estudaram na Lepzig Art Academy e, posteriormente, ela trabalhou com Hans e muitos filmes.

Ele foi dispensado do serviço militar durante a Primeira Guerra Mundial por sofrer de asma, porém serviu em hospitais do exército perto das linhas de frente, onde sentiu a insanidade da guerra nas trincheiras. Quando a guerra acabou, FIscherkoesen voltou para a casa de sua família e, depois de muito esforço e determinação, conseguiu realizar o primeiro desenho animado da Alemanha, Das Loch in Western  (O Buraco no Ocidente) / 1919, expondo as pessoas que tiravam proveito da população com a pobreza e destruição depois da guerra.

Fisherkoesen fez um filme de publicidade de muito sucesso, Bummel-Petrus (Pedro Passeador ) / 1921 para a fábrica de sapatos de Nordheimer, que levou a um contrato de dois anos com Julius Pinschew, pioneiro da utilização de comerciais de animação nos cinemas em 1911. Depois, montou seu Fisherkoesen Studio em Leipzig e se especializou em filmes de publicidade, algo para o qual parecia perfeitamente adequado, pois possuía inegável senso de humor, bom senso de ritmo, e um estilo de desenho animado flexível – bem como uma concentração obsessiva necessária para fazer filmes animados perfeitos em todo o sentido.

Em 1931, um jornal de Leipzig celebrizou Fischerkoesen como “o queridinho do público com um artigo de página inteira intitulado “Tomem cuidado, Mickey Mouse, Gato Felix, e companhia!”, que continha imagens deliciosas de uma vaca com uma lira embutida nos seus chifres, um touro de smoking, e uma dança cangurú em um estilo art-deco encantador, figuras populares de seus anúncios. Em 1937, quando ele arrebatou ambos o primeiro e o segundo prêmios em uma competição internacional de filmes de publicidade patrocinada pela Dinamarca (da qual participaram inclusive George Pal e Alexander Alexeieff), Fisherkoesen havia feito cerca de mil filmes de publicidade. Infelizmente, todos salvo uns poucos se perderam ou permanecem não identificados em coleções que não consideram importantes os filmes comerciais.

Durante muitos anos, Fisherkoesen manteve sua produção confinada ao tipo de filmes de publicidade que fazia tão bem; mas, em 1941, o Ministro de Propaganda do Reich, Joseph Goebbels, exigiu que ele transferisse seu estúdio e pessoal para Postdam, perto dos estúdios Neubabelsberg da UFA e ficasse disponível para consultas ou efeitos especiais sobre filmes de longa-metragem ou documentários. Entre as coisas específicas que Goebbels determinou para a nova indústria de desenho animado foi o desenvolvimento de efeitos “tri-dimensionais” que pudessem competir com o processo Stereo-Óptico de Max Fleischer ou com a câmera multiplano de Walt Disney.

A Melodia Desgastada

O primeiro desenho animado (curto) que Fisherkoesen fez para o seu novo chefe foi Scherzo – Die Verwitterte Melodie (Scherzo – A Melodia Desgastada) / 1942, sobre uma abelha que descobre uma vitrola em pleno campo e consegue tocar os discos antigos (com música no estilo swing) usando o seu ferrão. Para se apreciar a ousadia de Fisherkoesen, devemos lembrar que os nazistas haviam proibido o jazz e o swing, considerando-os como uma trama para minar a cultura germânica tradicional. Além disso, toda a comunidade de animais descrita no filme é pacífica, amigável, divertida, imaginativa e altruísta, exatamente o oposto da exigência nazista para um dedicado cidadão Ariano.

Nos outros dois cartoons curtos de Fisherkoesen durante a Segunda Guerra Mundial, Der Schneemann / 1944 (Boneco de Gelo) e Das dumne Gänslein (O Gansinho Parvo) / 1945, ele também criou uma narrativa complexa e ambígua que confunde e contradiz a política nazista. FIsherkoesen demonstrou que, mesmo na hora mais escura, mais ameaçadora de depravação humana, os homens de princípios podem resistir, subvertendo com sutileza as regras e preconceitos do tirano.

Boneco de Gelo

O Gansinho Parvo

No final da guerra, as tropas invasoras russas prenderam Fisherkoesen como um possível colaborador nazista. Embora pudesse provar que não era realmente um simpatizante nazista, mas sim um membro de um grupo de artistas da resistência, ele foi mantido no campo de concentração de Sachsenhauser por três anos, antes de ser libertado. Durante este tempo, trabalhou na cozinha e pintou murais irônicos e alegóricos usando criaturas vegetais, os quais se encontram agora preservados como um monumento histórico nacional.

Quando foi finalmente sôlto, havia provado que não era um nazista, mas também que não era comunista; assim, não foi autorizado a trabalhar privativamente nos seus próprios filmes, mas somente como funcionário do estúdio DEFA, controlado pelo Estado. Em 1948, Fisherkoesen e sua família fugiram da Alemanha Oriental, carregando apenas uma câmera; ele então reinstalou seu estúdio perto de Bonn, na Alemanha Ocidental.

Conforme informações de William Moritz, professor do California Institute of Arts (que foram fundamentais para a elaboração deste artigo), Fisherkoesen continuou fazendo filmes de propaganda até 1969, conquistando prêmios importantes nos festivais de filmes comerciais em Roma, Milão (três vezes), Veneza, Monte Carlo e Cannes.

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