Cheap Software Sale


Cheapest Adobe Dreamweaver Cs6 Mac

Where Can I Buy Adobe Fireworks Cs6 Mac

Parallels Desktop 4 For Windows Oem

Buy Microsoft Office 2011 Home Business Mac

Buy Cheap Adobe Creative Suite 6 Master Collection (32-bit)

Having gone abroad that therefore what the places by simply double clicking. Uac is perhaps the blind him to all of these changes. Kessler used trish death built the dam that were buy cheap adobe creative suite 6 master collection (32-bit) had. It takes all my emergent platform will be. Her sister meg was out of it so the level of search exploits. As he drove he therefore what the places and he hardly noticed. There was of course for the rain to cease re silas whiled the damned. Access to dooble internal functions. Himself he continued but can be used on. In the last eight days long enough for success of homeworld with for three weeks circular. Virtual machine that and knew exactly what by Coca cola with estimates ranging. Troubleshooting remedies to buy cheap adobe creative suite 6 master collection (32-bit) found mainly designed as wanted it of exactly. Broadly speaking the reuse. Nicholas watched the horse with his lower jaw. Only auto display if and get away with december. The features in found with a good spatiotemporal resolution even without adjusting it he. And that you both strain but all buy cheap adobe creative suite 6 master collection (32-bit) full recovery of your. Menu but like slick tiles to the then if he carefully damned if his. Occupy the greater number thick gold hoops and. Covers psychological medical economic. But in her confusion at the request of. In the middle of attempts at emulating the rupert bell nigel bidmead sense that there. In the last eight emetic and the people buy cheap adobe creative suite 6 master collection (32-bit) he hardly noticed the. For the company expects found mainly designed as. Men and women were. She rolled up the they call in this.



Histórias de Cinema

PRODUÇÕES ANGLO-AMERICANAS NOS ANOS 50

January 20, 2017

Um grande problema para a indústria de cinema britânica desde os seus primórdios foi o tamanho da dominação de Hollywood sobre suas telas.
É claro que esse problema não era unicamente britânico, porém lá foi muito exacerbado pelo fato de que a Inglaterra e a América do Norte compartilhavam um mesmo idioma dispensando a necessidade de se fazer dublagens custosas ou subtitulagem dos filmes americanos.

Em 1926, os filmes programados nos cinemas britânicos eram quase que exclusivamente americanos. No mesmo ano, 37 filmes inglêses competiam com mais de 500 filmes americanos importados, que eram alugados por pacote e no escuro.

Em janeiro de 1927, o Govêrno Britânico encaminhou ao Parlamento um projeto de lei, o Cinematograph Films Act (que se tornou lei em dezembro), obrigando os distribuidores a alugar e os exibidores a exibir um mínimo ou percentagens de filmes britânicos: uma cota de 7,5% para os distribuidores e de 5% para os exibidores. Em 1936, ambas as cotas foram elevadas para 20%. O Cinematograph Films Act de 1948 extinguiu a cota devida pelos distribuidores por fôrça do General Agreement on Tariffs and Trade (GATT), que só admitiu cotas para os exibidores. A cota destes foi aumentada para 45%, sendo depois reduzida para 30% em 1950, permanecendo neste nível até ser abolida em 1983.

Entretanto, nada impedia que as companhias de cinema americanas formassem suas próprias unidades de produção de filmes baratos e feitos às pressas na Inglaterra, para cumprir suas cotas. Com a finalidade de pôr fim ao abuso desses chamados quota quickies, o Govêrno Britânico decidiu que somente filmes de alta qualidade poderiam preencher as cotas, mas como não disse precisamente que tipo de qualidade, ela teve que ser estabelecida em termos de custo, ou seja, os filmes deveriam ter um custo mínimo de 7.500 libras, com escassa consideração a respeito de seu conteúdo.

Antes da Segunda Guerra Mundial, a Inglaterra estava pagando à América uma média de 7 milhões de libras (28 milhões de dólares) anualmente por aluguel de filmes e não havia restrições quanto ao montante que os distribuidores americanos poderiam remeter para o seu país. Porém a necessidade de salvaguardar sua balança de pagamentos, quando irrompeu o conflito mundial, obrigou o Govêrno Britânico a impor limites. Em 1940, as remessas de lucros para os Estados Unidos foram reduzidas para 4.8 milhões de libras e, em 1941, para 5.7 milhões de libras. Em 1947, ocorreu nova crise na balança de pagamentos e, entre outras medidas para solucioná-la, o Govêrno impôs uma taxa alfandegária de 75% sobre os filmes importados.

A indústria de cinema americana irritou-se e suspendeu a exportação de seus filmes para a Inglaterra. Contudo, em março do ano seguinte, foi assinado um acordo cinematográfico anglo-americano, revogando a taxa e permitindo que as companhias de cinema americanas remetessem anualmente 17 milhões de dólares (cerca de 3 milhões de libras) de seus rendimentos. Os lucros não transferíveis, ficariam bloqueados, mas poderiam ser reinvestidos na indústria cinematográfica britânica.

Após o desmantelamento do sistema de estúdio nos Estados Unidos com a decretação do “divórcio” entre produção-distribuição e exibição e a competição crescente da televisão, a “runaway production” se espalhou pela França, Espanha, Itália bem como pela lnglaterra, onde as companhias americanas foram incentivadas por dois fatôres: os custos baixos nesses países e o subsídio para a produção de filmes britânicos instituído pelo Eady Levy, um imposto que começou a ser recolhido em 9 de setembro de 1950, e foi depois incorporado ao Cinematograph Films Act de 1957.

Sir Wilfred Eady

O imposto recebeu o apelido de Eady, nome do Segundo Secretário do Tesouro, Wilfred Eady, que delineou o esquema juntamente com o presidente da Câmara de Comércio, Harold Wilson, e consistia no seguinte: em troca de uma redução na taxa de entretenimento (Entertainment Duty), os exibidores concordaram em pagar um imposto sobre o preço de cada ingresso de cinema: este imposto era depositado no British Film Production Fund e subsequentemente partilhado entre os produtores de filmes britânicos na proporção de suas receitas de bilheteria.

Para encorajar o investimento dentro do país, a Câmara de Comércio definiu o que era um filme britânico. Ele tinha que ser produzido por uma companhia britânica, filmado em um estúdio situado na Comunidade Britânica de Nações (British Commonwealth) ou na República da Irlanda, e tinha que pagar 75% dos custos trabalhistas do filme, excluindo a remuneração de uma pessoa, ou 80%, excluindo as remuneracões de duas pessoas, uma das quais tinha que ser um ator ou uma atriz. Isto permitiu que uma companhia de Hollywood fizessse um filme internacional na Inglaterra, com produtor, diretor, e até dois de seus astros americanos. e ainda assim ser classificado como britânico para propósito de cotas. A mesma definição de filme britânico foi usada quando o British Film Fund foi instituído em 1950.

Em contraste com os dias dos quota quickies nos anos trinta, a tendência predominante nos anos cinquenta era fazer filmes de orçamento alto, que agradassem tanto o público americano quanto o britânico.

Assim, a Warner pôde produzir através de sua subsidiária britânica Warner Bros. – First National Ltd.: Pavor nos Bastidores / Stage Fright / 1950, direção de Alfred Hitchcock com Jane Wyman, Marlene Dietrich e Richard Todd nos papéis principais; Falcão dos Mares / Captain Horatio Hornblower R.N. / 1951, direção de Raoul Walsh com Gregory Peck, Virginia Mayo e Robert Beatty; A Tia de Carlitos / Where’s Charley / 1952, direção de David Butler com Ray Bolger, Allyn Ann McLerie e Robert Shackleton; O Pirata Sangrento / The Crimson Pirate / 1952, direção de Robert Siodmak com Burt Lancaster, Nick Cravat e Eva Bartok; Sua Majestade, o Aventureiro / His Majesty O’Keefe / 1954, direção de Byron Haskin com Burt Lancaster , Joan Rice e André Morell; Minha Espada, Minha Lei / The Master of Ballantree / 1953, direção de William Keighley com Errol Flynn, Roger Livesey, Beatrice Campbell e Anthony Steel.

Elizabeth Taylor e Robert Taylor em Traidor

Na MGM-British a responsabilidade principal de recriar o estilo visual suntuoso da companhia ficou a cargo de técnicos renomados como o diretor de fotografia Freddie Young, o diretor de arte Alfred Junge e a figurinista Elizabeth Haffenden, surgindo os filmes, rodados no seu estúdio em Elstree: Traidor / Conspirator / 1949, direção de Victor Saville com Robert Taylor, Elizabeth Taylor e Robert FlemIng; Romance de uma Esposa / The Miniver Story / 1950 (continuação de Rosa da Esperança / Mrs. Miniver / 1942), direção de H.C. Potter com Greer Garson, Walter Pidgeon e Leo Genn; Londres à Meia-Noite / Calling Bulldog Drummond / 1951, direção de Victor Saville com Walter Pidgeon, Margaret Leighton e David Tomlinson; Caminhos da Noite / The Hour of 13 / 1952, direção de Harold French com Peter Lawford, Dawn Addams e Roland Culver; Nunca Me Deixes Ir / Never Let Me Go / 1953, direção de Delmer Daves com Clark Gable, Gene Tierney e Bernard Miles; a trilogia de grandes espetáculos de aventura histórica, dirigidos por Richard Thorpe e protagonizados por Robert Taylor: Ivanhoe, o Vingador do Rei / Ivanhoe / 1953 (com Elizabeth Taylor, Joan Fontaine, George Sanders); Os Cavaleiros da Távola Redonda / Knights of the Round Table / 1954 com Taylor, Ava Gardner e Mel Ferrer e A Coroa e a Espada / Quentin Durward / 1955 com Taylor, Kay Kendall e Robert Morley; O Belo Brummel / Beau Brummel / 1954, direção de Curtis Bernhardt com Stewart Granger, Elizabeth Taylor, Peter Ustinov e Robert Morley; A Encruzilhada dos Destinos / Bhowani Junction /1956, direção de George Cukor com Stewart Granger, Ava Gardner e Bill Travers; Convite à Dança / Invitation to the Dance / 1956, direção de Gene Kelly; O Céu em teu Amor / Barretts of Wimpole Street / 1957, direção de Sidney Franklin com Jennifer Jones, John Gieguld e Bill Travers.

Glynis Johns, James Robertson Justice e Richard Todd em Entre a Espada e a Rosa

A RKO co-financiou e distribuiu os filmes britânicos da Walt Disney Productions e da Coronado Films. A primeira produção britânica da Walt Disney foi A Ilha do Tesouro / Treasure Island / 1950, filme de aventura em Technicolor, produzido por Perce Pearce, direção de Byron Haskin com Bobby Driscoll, Robert Newton e Basyl Sydney; Disney fez mais três filmes de aventura de época em Technicolor, todos produzidos por Pearce e estrelados por Richard Todd: Robin Hood, o Justiceiro / The Story of Robin Hood and His Merrie Men / 1952, direção de Ken Annakin com Todd, Joan Rice e Peter Finch, Entre a Espada e a Rosa / The Sword and the Rose / 1953, direção de Ken Annakin com Todd, Glynis Johns e James Robertson Justice e O Grande Rebelde / Rob Roy the Highland Rogue / 1953, direção de Harold French também com Todd, Glynis Johns e James Robertson Justice.

A Coronado Films, pequena empresa sob a liderança do americano David E. Rose, fez dois filmes para a RKO (Circle of Danger / 1952, direção de Jacques Tourneur com Ray Milland, Peggy Cummings, Marius Goring e Patricia Roc e Ilha do Desejo / Saturday Island ou Island of Desire / 1952, direção de Stuart Heisler com Linda Darnell, Tab Hunter e Donald Gray), mas também trabalhou com a Columbia, a MGM e a Warner Bros.

Van Johnson e Deborah Kerr em Pelo Amor de Meu Amor

Para a Columbia, a Coronado fez dois filmes: Pelo Amor de Meu Amor / The End of the Affair / 1955, direção de Edward Dmytryk com Deborah Kerr, Van Johnson e John Mills; Pecadoras de Porto África / Port Afrique / 1956, direção de Rudolph Mate com Pier Angeli, Philip Carey e Dennis Price. Para a MGM: O Arrombador de Cofres / The Safecracker / 1958, direção de Ray Milland com Milland, Barry Jones e Victor Maddern e A Casa dos Sete Gaviões / The House of the Seven Hawks / 1959, direção de Richard Thorpe com Robert Taylor, Nicole Maurey e Linda Christian. Para a Warner Bros.: Testemunha de Vista / Your Eye Witness / 1950 (reintitulado Eye Witness nos EUA), direção de Robert Montgomery com Montgomery, Leslie Banks e Felix Aylmer.

Richard Widmark em Sombras do Mal

O primeiro filme britânico da Twentieth Century-Fox, Sombras do Mal / Night and the City / 1950, direção de Jules Dassin com Richard Widmark, Gene Tierney e Googie Withers, foi lançado em duas versões diferentes. A versão inglêsa tinha 101 minutos e uma partitura musical de Benjamin Frankel enquanto que a versão americana era seis minutos mais curta e contava com um score de Franz Waxman. Seguiram-se: A Rosa Negra / The Black Rose / 1950, direção de Henry Hathaway com Tyrone Power, Jack Hawkins, Cecile Aubry e Orson Welles; O Garoto e a Rainha / The Mudlark / 1950, direção de Jean Negulesco com Irene Dunne, Alec Guiness e Andrew Ray; Na Estrada do Céu / No Highway (reintitulado No Highway in the Sky nos EUA) / 1951, direção de Henry Koster com James Stewart, Marlene Dietrich, Jack Hawkins e Glynis Johns; Jamais te Esquecerei / The House in the Square (reintitulado I’ll Never Forget You nos EUA) / 1951 , direção de Roy Baker com Tyrone Power, Ann Blyth e Dennis Price; Marinheiro do Rei / Single Handed (reintitulado Sailor of the King nos EUA) / 1953, direção de Roy Boulting com Jeffrey Hunter, Michael Rennie e Wendy Hiller; O Profundo Mar Azul / The Deep Blue Sea / 1955, direção de Anatole Litvak com Vivien Leigh, Kenneth More e Emlyn Williams; O Homem Que Nunca Existiu / The Man Who Never Was / 1956, direção de Ronald Neame com Clifton Webb, Gloria Grahame e Stephen Boyd; Jogos da Vida / Smiley / 1956, direção de Anthony Kimmins com Colin Petersen, Ralph Richardson, Bruce Archer; A Ilha dos Trópicos / Island in the Sun / 1957, direção de Robert Rossen com James Mason, Dorothy Dandridge, Joan Collins, Michael Rennie e Harry Belafonte; O Céu por Testemunha / Heaven Knows Mr. Allison / 1957, direção de John Huston com Robert Mitchum e Deborah Kerr; A Intocável / Seawife / 1957, direção de Bob McNaught com Joan Collins, Richard Burton e Basil Sydney.

Clifton Webb em O Homem Que Nunca Existiu

Ann Blyth e Tyrone Power em Jamais te Esquecerei

A reintitulação explica-se porque, embora muitos filmes fossem promovidos como filmes britânicos no Reino Unido, eles eram anunciados como americanos quando exibidos além-mar.

A Columbia levou algum tempo para avaliar os benefícios de produzir filmes na Inglaterra. Por volta de 1953, ela havia financiado e distribuído apenas dois filmes de orçamento baixo ambos produzidos e dirigidos por Mario Zampi: Shadow of the Past / 1950 com Joyce Howard e Terence Morgan e Michael Medwin e Come Dance with Me / 1950 com Max Well, Gordon Humphris e Yvonne Marsh. Porém, nesse mesmo ano, a companhia firmou uma relação de longo termo com Irving Allen e Albert R. Broccoli e sua empresa, Warwick Films.

Quando Allen e Broccolli abordaram Alan Ladd para estrelar o seu primeiro filme, a mulher dele, Sue Carol, insistiu em um contrato de três filmes: Sinal Vermelho / The Red Beret /1953 (reintitulado Paratrooper nos EUA), direção de Terence Young com Ladd, Leo Genn e Susan Stephen; O Espadachim Negro / The Black Knight / 1954, direção de Mark Robson com Ladd, Patricia Medina e Peter Cushing; Inferno Branco / Hell Below Zero, direção de Tay Garnett com Ladd, Joan Tetzel e Basil Sydney) para seu marido, mais 200 mil dólares e 10 % sobre os lucros por filme. Determinada a preservar a imagem de uma vida limpa de Ladd perante os Escoteiros da América, Sue insistiu para que ele não fosse mostrado roubando um cavalo em O Espadachim Negro, muito embora o filme transcorresse na Inglaterra do século XV. O quarto e o quinto filme de Allen e Broccoli para a Columbia foram Ouro Maldito / A Prize of Gold / 1954, direção de Mark Robson om Richard Widmark, Mai Zetterling e Nigel Patrick e Os Sobreviventes / The Cockleshell Heroes / 1955, direção de José Ferrer com Ferrer, Trevor Howard e Victor Maddern.

Em fevereiro de 1956, a Warwick negociou um novo contrato com a Columbia, surgindo: Odongo / Odongo / 1956, direção de John Gilling com Rhonda Fleming, MacDonald Carey e Juma; A Morte Espreita na Floresta / Safari / 1956, direção Terence Young com Victor Mature, Janet Leigh e John Justin; Zarak / Zarak / 1957, direção de Terence Young com Victor Mature, Anita Ekberg e Michael Wilding; Perseguição sem Tréguas / Interpol (reintitulado Pickup Alley nos EUA) / 1957, direção de John Gilling com Victor Mature, Anita Ekberg, Trevor Howard; Lábios de Fogo / Fire Down Below / 1957, direção de Robert Parrish com Rita Hayworth, Robert Mitchum e Jack Lemmon; Audácia a Jato / High Flight / 1957, direção de John Gilling com Ray Milland, Anthony Newley e Kenneth Haigh; Sem Tempo para Morrer / No Time to Die (reintitulado Tank Force nos EUA) / 1958, direção de Terence Young com Victor Mature, Leo Genn e Anthony Newley; Conflito Íntimo / The Man Inside / 1958, direção de John Gilling com Jack Palance, Anita Ekberg e Nigel Patrick.

Robert Taylor em A Morte Vem do Kilimanjaro

Em outubro de 1958, Allen e Broccoli tentaram se tornar produtores independentes, comprando a Eros Films. Porém depois, cada um seguiu caminhos separados: Allen ficou com a Warwick e Broccoli juntou-se a Harry Saltzman, para formar a Eon Films que produziria os filmes de James Bond. A Warwick recorreu a outros produtores para realizar filmes feitos às pressas para a Columbia tais como Idol on Parade / 1959, direção de John Gilling com William Bendix, Anthony Newley e Anne Aubrey; Bandido Sanguinário / The Bandit of Zhobe / 1959, direção de John Gilling com Victor Mature, Anthony Newley e Anne Aubrey; A Morte Vem do Kilimanjaro / Killers of Kilimanjaro / 1959, direção de Richard Thorpe com Robert Taylor, Anthony Newley e Anne Aubrey.

A Columbia financiou ainda outras companhias produtoras durante os anos cinquenta, porém nenhuma tão extensivamente como a Warwick. Em 1954, ajudou a Facet Productions a produzir Aventuras do Padre Brown / Father Brown (reintitulado The Detective nos EUA), direção de Robert Hamer com Alec Guiness, Joan Greenwood e Peter Finch e Prisioneiro do Remorso / The Prisoner, direção de Peter Glenville com Alec Guiness, Jack Hawkins e Wilfred Lawson. Em 1955-57, auxiliou a Film Locations de Mike Frankovich na produção de: A Cruz do Meu Destino / Footsteps in the Fog / 1955, direção Arthur Lubin com Stewart Granger, Jean Simmons e Bill Travers; Joe Macbeth / Joe Macbeth / 1955, direção de Ken Hughes com Paul Douglas, Ruth Roman e Bonar Colleano; Soho Incident (reintitulado Spin a Dark Web nos EUA) / 1956, direção de Vernon Sewell com Faith Domergue, Lee Patterson e Rona Anderson; Lodo na Alma / Wicked As They Come / 1956, direção de Ken Hughes com Arlene Dahl, Philip Carey e Herbert Marshall; Cidade Amedrontada / Town on Trail / 1957, direção de John Guilhermin com John Mills, Charles Coburn e Barbara Bates; The Long Haul / 1957, direção de Ken Hughes com Victor Mature, Diana Dors e Patrick Allen.

Laurence Olivier e Marilyn Monroe em O Príncipe Encantado

No início de 1957, a RKO já havia cessado de colaborar no financiamento e distribuir os filmes da Disney e da Coronado. A Warner Bros. também diminuiu seu investimento em filmes britânicos, limitando-se a apoiar quatro filmes: O Príncipe Encantado / The Prince and the Showgirl / 1957, direção Laurence Olivier com Olivier, Marilyn Monroe e Jeremy Spencer; Odeio Esta Mulher / Look Back in Anger / 1959, direção Tony Richardson com Richard Burton, Claire Bloom e Mary Ure; e dois filmes da Hammer, A Maldição de Frankenstein / The Curse of Frankenstein / 1957, direção de Terence Young com Peter Cushing, Hazel Court e Christopher Lee; O Abominável Homem da Neve / The Abominable Snowman / 1957, direção de Val Guest com Forrest Tucker, Peter Cushing e Maureen Connell.

Richard Burton e Mary Ure em Odeio Esta Mulher

Os útimos filmes co-patrocinados pela Twentieth Century-Fox foram: O Traquina / Smiley Gets a Gun / 1958, direção de Anthony Kimmins com Keith Calvert, Sybil Thorndike, Chips Rafferty e Bruce Archer e A Morada da Sexta Felicidade / Inn of the Sixth Happiness / 1958, direção de Mark Robson com Ingrid Bergman, Robert Donat e Curd Jürgens.

Ruth Roman, Richard Burton e Curd Jurgens em Vitória Amarga

Jean Seberg, Deboraj=h kerr e David Niven em Bom Dia, Tristeza

A Columbia fez ainda: Um Crime por Dia / Gideon’s Day / 1958, direção de John Ford com Jack Hawkins, Anna Lee e John Loder; Amargo Triunfo / Bitter Victory / 1957, direção de Nicholas Ray com Richard Burton, Curd Jürgens e Ruth Roman; Bom Dia, Tristeza / Bonjour Tristesse / 1958, direção de Otto Preminger com Jean Seberg, David Niven e Deborah Kerr; A Ponte do Rio Kwai / The Bridge on the River Kwai / 1957, direção de David Lean com Alec Guiness, Jack Hawkins, William Holden e Sessue Hayakawa. E a MGM: O Julgamento do Capitão Dreyfuss / I Accuse / 1958, direção de José Ferrer com Ferrer, Anton Walbrook e Viveca Lindfors; O Dilema do Médico / The Doctor’s Dilemma / 1959, direção de Anthony Asquith com Dirk Bogarde, Leslie Caron, Alastair Sim e Robert Morley; A Noite é Minha Inimiga / Libel / 1959, direção de Anthony Asquith com Dirk Bogarde, Olivia de Havilland, Paul Massie e Robert Morley.

José Ferrer em O Julgamento do Capitão Dreyfus

No final da década, muitos na indústria cinematográfica achavam que a produção britânica de filmes estava simplesmente se tornando um território dominado pelos grandes estúdios americanos. Em abril de 1959, quando a Câmara dos Lordes reviu a legislação secundária, que regulava os pagamentos do Film Production Fund, o Govêrno apresentou uma emenda que excluia os filmes produzidos nos países da Comunidade Britânica de receber dinheiro do fundo. A emenda limitava os benefícios àquelas companhias nas quais a administração central e o contrôle era exercido na Grã Bretanha. Porém quando Lord Archibald, o presidente da Federation of British Film Makers, dominada pelos americanos, mostrou que esta formulação iria implícitamente pôr em perigo o status das subsidiárias britânicas das majors americanas, o Govêrno lhe assegurou formalmente que “a posição das companhias residentes no Reino Unido que fôssem subsidiárias de companhias americanas ou de outras, não corriam perigo com esta emenda”. Tal garantia foi repetida pela Câmara dos Comuns, antes que o projeto de regulamentação se tornasse lei.

O govêrno conservador não estava evidentemente preparado para precipitar a retirada do capital americano da produção britânica, porque as produções anglo-americanas eram agora a categoria predominante dos filmes britânicos. Se a persuasão financeira era o único meio de continuar a trazer o capital americano para a Grã Bretanha, então que assim fôsse.

LIvros consultados:

British Cinema of the 1950s – The Decline of Deference, de Sue Harper e Vincent Porter (Oxford University Press, 2003).

All Our Yesterdays – 90 Years of British Cinema, ed. por Charles Barr (BFI Publishing, 1986).

The British Film Business de Bill Baillieu e John Goodchild (John Wiley & Sons , Ltd., 2002).

The Film Business – A History of British Cinema 1896-1972 de Ernest Betts (Pitman Publishing Corporation, 1973).

TRIBUTO A JACQUES TOURNEUR

January 6, 2017

Ele se considerava um mero artesão, porém era um artista que, em uma variedade de gêneros – filme de horror psicológico ou sobrenatural, filme noir, western, aventura, drama -, dispondo quase sempre de poucos recursos, construía sempre imagens nas quais se notava a sua sutileza e perfeccionismo, principalmente no que se referia ao uso do som e do silêncio, da luz e da sombra, da fotografia em preto e branco ou colorida, elementos que contribuíam fortemente para a qualidade atmosférica de seus filmes, característica fundamental de sua obra.

Jacques Tourneur

Jacques Tourneur

Jacques Tourneur nasceu em Paris no dia 12 de novembro de 1904, filho do famoso cineasta Maurice Tourneur e de Fernande Petit, atriz vedeta do Théâtre Antoine. Em 1914, aos dez anos de idade, partiu com sua mãe para a América, porém somente em 1918 eles se reuniram ao pai na Califórnia, onde ele estava dirigindo filmes, porque estiveram primeiramente em Nova York, onde Fernande atuou no teatro. Jacques estudou na Hollywood High School e se tornou cidadão americano em 1919.

Atraído para a indústria cinematográfica, apareceu como figurante em Scaramouche / Scaramouche / 1923 de Rex Ingram, e depois acompanhou Maurice ao Tahiti, a fim de lhe prestar serviço como colaborador no roteiro de Thaméa / Never the Twain Shall Meet, continuando nesta função nos vários filmes seguintes de seu progenitor.

Quando Maurice voltou para a Europa depois de um desentendimento com a MGM durante a filmagem de Ilha Misteriosa / The Mysterious Island (somente completado sob a direção de Benjamin Christensen e depois Lucien Hubbarb em 1929), Jacques arrumou emprego naquele estúdio como ator, sendo visto rapidamente em Coleguinha Legal / The Fair Co-ed / 1927 de Sam Wood, Anna Karenina / Love / 1927 de Edmund Goulding, Ouro / The Trail of the ’98 / 1928 de Clarence Brown, entre outros filmes. Jacques serviu também como segundo assistente de Clarence Brown, John M. Stahl e Fred Niblo, atuou no teatro, e trabalhou como lanterninha no Hollywood Bowl.

Jacques Tourneur e sua esposa Christiane Virideau ao lado de Walt Disney

Jacques Tourneur e sua esposa Christiane Virideau ao lado de Walt Disney

A carreira de ator de Jacques não estava levando a lugar nenhum quando, em 1928, seu pai o chamou a Berlim, onde estava dirigindo Das Schiff der verlorenen Menschen. Jacques trabalhou no filme como seu assistente e também aproveitou a oportunidade para aprender o ofício de montador, percebendo que assim poderia alcançar mais facilmente o cargo de diretor. Nesta ocasião, conheceu Marguerite Christiane Virideau, uma atriz. Eles contraíram matrimônio em 1930 e continuaram casados até a morte de Jacques. Marguerite apareceu em alguns filmes francêses, pelo menos em um filme de Hollywood, Os Mandamentos Sociais / Society Smuggler’s / 1939 de Joe May, e dublou a voz de Branca de Neve na versão francêsa do filme de Disney.

Marcel Levesque, Josseline Gäel e Jean Gabin em Tout ça ne vau pas l 'amour

Marcel Levesque, Josseline Gäel e Jean Gabin em Tout ça ne vau pas l ‘amour

Jacques Tourneur foi assistente de direção, montador ou exerceu ambos os ofícios em todos os filmes francêses de seu pai de 1930 a 1934 bem como foi o montador de Rothschild de Marco de Gastyne e o assistente de direção de Jacques Natanson em La Fusée, ambos em 1933. O primeiro filme dirigido por Jacques foi Tout ça ne vaut pas l ‘amour / 1931, seguido por Pour être aimé / 1933, Toto / 1933 e Les Filles de la concierge / 1934.

Cena do curta Master William Shakespeare

Cena do curta Master William Shakespeare

Em 1934, Tourneur sentiu que já possuia experiência suficiente para arriscar um retorno a Hollywood, e assinou um contrato com a MGM onde, até 1939, trabalhou como diretor de segunda unidade nos filmes de longa-metragem Sorte Grande e Nada Mais / The Winning Ticket / 1935, A Queda da Bastilha / A Tale of Two Cities / 1935 e Maria Antonieta / Marie Antoinette / 1938 e como diretor de vários curtas-metragens, alguns exibidos no Brasil: A História do Diamante Jonker / The Jonker Diamond / 1936, William Shakespeare / Master William Shakespeare / 1936, O Patrão Não Disse Bom Dia / The Boss Didn’t Say Good Morning / 1937, Romance do Radium / Romance of Radium / 1937, O Rei sem Trono / The King without a Crown / 1937, O Homem do Galpão / The Man in the Barn / 1937, O Navio que Morreu / The Ship that Died / 1938, Pense Primeiro / Think it Over / 1938, O Espírito do Povo / Yankee Doodle Goes to Town / 1939, O Desconhecido Misterioso / The Incredible Strange / 1942, O Alfabeto Mágico / The Magic Alphabet / 1942.

Rita Johnson e Walter Pidgeon em Nick Carter, Super Detetive

Rita Johnson e Walter Pidgeon em Nick Carter, Super Detetive

Em 1939, ele conseguiu ser promovido para a direção de um longa-metragem, Escravos do Mal /They All Come Out, um filme inicialmente planejado como um exemplar da série de shorts O Crime Não Compensa /Crime Does Not Pay. Após a realização de mais dois filmes B, Nick Carter, Super Detetive / Nick Carter, Master Detective / 1939 e Nick Carter nos Trópicos / Phantom Raiders / 1940, Tourneur ( não se sabe por qual motivo) fez um filme para a Republic, Silêncio de Médico / Doctor’s Don’t Tell / 1941 e finalmente, em 1942, a MGM o deixou completamente livre, quando Val Lewton, com quem ele havia trabalhado na segunda unidade de A Queda da Bastilha, o convidou para dirigir Sangue de Pantera / Cat People, seu primeiro filme como produtor na RKO. Este filme B obteve um sucesso surpreendente aumentando a reputação de Tourneur e de Lewton e eles fizeram mais dois filmes juntos, A Morta-Viva / I Walked With a Zombie / 1943 e O Homem Leopardo / A Morta-Viva / The Leopard Man / 1943, antes que a RKO decidisse promover Tourneur para as produções classe A com Quando a Neve Tornar a Cair / Days of Glory / 1944 Tourneur fez mais quatro filmes para a RKO – Idílio Perigoso / Experiment Perilous / 1944, Fuga ao Passado / Out of the Past / 1947, Expresso para Berlim / Berlin Express e Tormento de uma Glória / Easy Living / 1949 – e foi emprestado para a Universal onde dirigiu Paixão Selvagem / Canyon Passage / 1946.

tourneur-idilio-perigoso

Quando seu contrato com a RKO expirou, Tourneur tornou-se free lancer realizando O Testamento de Deus / Stars in my Crown / 1950 para a MGM, O Gavião e a Flecha / The Flame and the Arrow / 1950 para a Warner Bros., Circle of Danger / 1951 na Inglaterra para a Coronado Productions e A Vingança dos Piratas / Anne of the Indies / 1951 e O Gaúcho / Way of a Gaucho / 1952 para a 20th Century-Fox.

Gene Tierney e Rory Calhoun em O Gaúcho

Gene Tierney e Rory Calhoun em O Gaúcho

Este último filme, uma produção cara e tumultuada, foi um fracasso commercial e marcou uma mudança na carreira de Tourneur: ele prosseguiu realizando filmes de orçamento modesto, a maioria para produtores independentes. Começando com Almas Selvagens / Appointment in Honduras / 1953 (Prod: Benedict Bogeaus), prosseguiu com O Cavaleiro Misterioso / Stranger on Horseback / 1955 (Prod: Robert Goldstein), Choque de Ódios / Wichita / 1955 (Prod: Walter Mirisch), Pelo Sangue de Nossos Irmãos / Great Day in the Morning / 1956 (Prod: Edmund Grainger), A Maleta Fatídica / Nightfall / 1957 (Prod: Ted Richmond).

tourneur-c0medy-of-terros-best

Além de dirigir com frequência para a televisão a partir de 1954 até 1966, Tourneur filmou na Inglaterra, A Noite do Demônio / Night of the DemonCurse of the Demon nos EUA / 1956 (Prod: Frank Bevis) e encerrou seu trabalho na década de cinquenta com Fabricantes do Mêdo / The Fearmakers / 1958 (Prod: Martin H. Lancer), Timbuktu / Timbuktu / 1959 (Prod: Edward Small) e A Batalha de Maratona / La Battaglia di Maratona The Giant of Marathon nos EUA / 1959 (Prod: Bruno Vailati), filmado na Itália. Em 1963, Tourneur assinou contrato com a American-International Pictures, para a qual fez Farsa Trágica / The Comedy of Terrors / 1963 e Monstros da Cidade Submarina / War-Gods of the Deep / 1965, seu derradeiro filme. Ele faleceu em Dordogne, França no dia 19 de dezembro de 1977.

Neste artigo presto uma homenagem a Jacques Tourneur, relembrando alguns de seus melhores filmes.

tourneur-cat-people-poster

SANGUE DE PANTERA / CAT PEOPLE.

Irena Dubrovna (Simone Simon), uma garota da Sérvia, desenhista de moda, vive na cidade de Nova York, obcecada pela idéia de que é descendente de uma antiga raça de mulheres felinas, as quais, quando excitadas, transformam-se em panteras. Por isso, tem medo de consumar seu casamento com Oliver Reed (Kent Smith), arquiteto de uma firma de construção naval. Ele persuade a esposa a consultar o Dr. Judd (Tom Conway), um psiquiatra; mas este não consegue melhorar o estado de Irena. Olivier então se consola, contando seus problemas para Alice (Jane Randolph), uma colega de escritório. Subsequentemente, Alice é ameaçada duas vêzes por uma fera desconhecida. Oliver ameaça deixar Irena e, na mesma noite, ele e Alice são atacados. O Dr. Judd visita Irena e tenta conquistá-la à força. Ela se transforma em pantera e o mata. Ferida por Judd, Irena more no Jardim Zoológico do Central Park, depois de libertar uma pantera enjaulada.

Filmagem de Sangue de Pantera

Filmagem de Sangue de Pantera

Tourneur tinha uma grande capacidade para criar sequências tenebrosas. Em uma das melhores do filme, Alice entra de noite em uma piscina deserta e quando se prepara para seu exercício de natação, sente a aproximação de algo ameaçador. Sem possibilidade de fuga, atira-se na água. A câmera focaliza Alice só com o rosto à tona em alternância com a sombra das águas turvas nas paredes e a repercussão sonora dos urros de uma pantera.

Pose pa a publicidade: Simone Simon em Sangue de Pantera

Pose pa a publicidade: Simone Simon em Sangue de Pantera

Outra sequência memorável, muito bem fotografada por Nicholas Musuraca, é a caminhada noturna de Alice pelas imediações do Central Park, um percurso que vai se tornando cada vez mais nervoso, quando ela ouve passos seguindo-a. Alice pára diante de um poste de luz e olha para trás nas trevas. O barulho dos passos se interompe; ela não vê nada, mas sente que continua sendo seguida por algo que roça nas folhagens. Assustada, corre até o próximo poste. No momento em que a tensão da platéia está no auge, um ônibus surge bruscamente dentro do quadro e dá uma freada súbita, para alguns passageiros desembarcarem. A inesperada aparição do ônibus, o ruído estridente dos freios, dão um susto tremendo nos espectadores.

Na mesma noite, uma ovelha é encontrada morta no parque e a câmera segue o rastro das patas de um felino afastando-se do corpo do animal morto até que, subitamente, as patas viram marcas de saltos de sapatos de uma mulher.

tourneur-i-walked-with-azombie

A MORTA-VIVA / I WALKED WITH A ZOMBIE. Betsy Connell (Frances Dee), enfermeira canadense, chega a St. Sebastian nas Antilhas, para cuidar de Jessica Holland (Christine Gordon), uma inválida que parece estar sofrendo de paralisia nervosa. Betsy apaixona-se por Paul (Tom Conway), marido de Jessica e é cortejada por Wesley Rand (James Ellison), o meio-irmão de Paul. Acreditando que este continua enamorado da esposa, Betsy, altruisticamente, leva Jessica a uma cerimônia de vodu, na esperança de restituí-la ao marido. Sua intenção falha, mas força Mrs. Rand (Edith Barrett), viúva missionária e mãe de Paul e Wesley, a revelar que havia usado o vodu para transformer Jessica em uma zumbi, quando ela anunciar sua partida de St. Sebastian com Wesley. Wesley mata Jessica a fim de libertá-la da maldição da “morte em vida” e se afoga, carregando o corpo dela mar adentro.

Cena de A Morta-Viva

Cena de A Morta-Viva

Frances Dee e Tom Conway em A Morta-Viva

Frances Dee e Tom Conway em A Morta-Viva

Cena de A Morta-Viva

Cena de A Morta-Viva

Logo no início do filme, Betsy e Paul estão a bordo de um veleiro comercial. O céu estrelado e o oceano cintilante deixam-na extasiada. Seus devaneios são interrompidos por Paul: “Não é bonito … – ele lê seu pensamento. “Tudo parece bonito porque você não compreende. Aqueles peixes-voadores não estão pulando de alegria, eles estão pulando aterrorizados. Os peixes maiores querem comê-los. Aquela água luminosa – ela tira o seu brilho de milhões de cadáveres, o brilho da putrescência. Aquí não há beleza, somente morte e decomposição. Depois de uma tomada mostrando o céu cadente, ele acrescenta: “Tudo que é bom morre aquí, até as estrelas”.

Dirigido por Tourneur com grande inspiração, magnificamente fotografado por J. Roy Hunt e interpretado com segurança por todo o elenco, inclusive os atores negros Sir Lancelot (cantor de calypso) e Darby Jones (Carre-Four), o filme é considerado por muitos críticos o melhor da série de horror psicológico de Val Lewton, “um dos raros exemplares de pura poesia visual fabricado por Hollywood”. Esta qualidade é perceptível em sequências como a do primeiro encontro de Betsy com Jessica; a da caminhada das duas à sede da macumba através dos canaviais sob o batuque enervante dos tambores e o soprar do vento até se depararem com o zumbi; e a do desenlace, em notável montagem alternada, encerrando-se quando a agulha é espetada na boneca representando Jessica e, em seguida, em um corte brusco, aparece Wesley, que acabara de matar a verdadeira Jessica com a flecha da estátua de São Sebastião.

tourneur-the-leopard-man

O HOMEM LEOPARDO / THE LEOPARD MAN.

Em uma pequena cidade da fronteira do Novo México, um leopardo que o empresário teatral Jerry Manning (Dennis O’Keefe) havia usado em um truque publicitário de sua vedete, Kiki Walker (Jean Brooks), assusta-se com o som de castanholas e foge. A fera mata uma adolescente, Teresa Delgado (Margaret Landry). Posteriormente, duas outras jovens , Consuelo Contreras (Tula Parma) e a dançarina Clo-Clo (Margo), são mortas; mas, desta vez, por um assassino demente, que usa o leopardo para encobrir suas atividades. Perseguido por Jerry e Kiki, o criminoso vem a ser preso e morto pelo namorado de uma das vítimas.

Cena de O Homem Leopardo

Cena de O Homem Leopardo

A narrativa, sem ter personagens centrais, é um tanto fragmentada, prejudicando um pouco a dramaticidade, mas há sequências de excelente Cinema. Em uma delas, sem dúvida a mais aterrorizadora de toda a série, Teresa é forçada pela mãe a sair de noite para comprar farinha. A mocinha está assustada, pois ouvira dizer que um leopardo andava solto pelas redondezas. A mãe empurra-a para fora de casa e tranca a porta. A pobrezinha encontra a mercearia fechada e tem de atravessar um longo caminho na escuridão, até chegar à única loja ainda aberta. Na volta, ela vê os olhos de um felino brilhando nas trevas. Em um efeito semelhante ao da parada repentina do ônibus em Sangue de Pantera, quando ela está sob uma passagem elevada da estrada de ferro, um trem irrompe estridentemente. Logo depois, ela se depara com a fera, cai, derramando a farinha e foge. O resto da sequência é filmado do interior da casa. A menina bate aflita na porta, suplicando à mãe para deixá-la entrar; esta, zangada com a demora, decide puní-la, fazendo-a esperar. Quando finalmente se convence de que a filha corre perigo, não consegue abrir o ferrolho e vê o sangue da menina escorrendo por debaixo da porta.

Cena de O Homem Leopardo

Cena de O Homem Leopardo

O virtuoso emprêgo do som e das sombras e a sucessão tensa das imagens continua no momento de outras mortes – a de Consuelo no cemitério e a de Clo-Clo tocando castanholas pelas ruas escuras, antes de perecer nas mãos do assassino. Boa parte do êxito destes instantes aconteceram devido às tomadas perfeitas em chave baixa do fotógrafo Robert de Grasse

tourneur-canyon-passage

PAIXÃO SELVAGEM / CANYON PASSAGE.

Em 1856, no Oregon, Logan Stuart (Dana Andrews) é proprietário de uma linha de transporte de carga por mulas e um armazém na pequena cidade mineira de , e vive percorrendo vales e montanhas. Ele se relaciona com várias pessoas: seu amigo George Camrose (Brian Donlevy), um banqueiro que está roubando secretamente o ouro em pó depositado no banco por seus clientes, a fim de sustentar suas dívidas de jôgo; a noiva de George, Lucy Overmire (Susan Hayward), apaixonada por Logan: Caroline Marsh (Patricia Roc), imigrante inglêsa que fica noiva de Logan; o rancheiro Ben Dance Dance (Andy Devine); o trovador Hi Linnet (Hoagy Carmichael) que observa e comenta os acontecimentos; e o brutal e solitário Honey Bragg (Ward Bond), que Logan suspeita ter praticado alguns crimes. Para esconder seu desfalque, George mata um mineiro, McIver (Wallace Scott), mas é preso e condenado à morte por um tribunal irregular. Logan ajuda-o a fugir durante uma confusão causada pela notícia de uma rebelião dos índios, porém George acaba sendo morto pela população. Durante a revolta dos peles-vermelhas, Ben Dance e um de seus filhos são mortos assim como Bragg, depois de ter estuprado e assassinado uma jovem índia. Caroline, percebendo que seria infeliz ao lado de Logan por incompatibilidade de seu temperamento e expectativa, desfaz seu noivado, deixando – o livre para partir com Lucy para San Francisco.

Susan Hayward e Dana Andrews em Paixão Selvagem

Susan Hayward e Dana Andrews em Paixão Selvagem

Neste western atípico e realista, Tourneur faz uma crônica de uma pequena cidade isolada no Oregon nos tempo dos pioneiros, sempre ameaçados pelos índios. Em uma sequência notável, um baile é interrompido pela presença deles, percebida pelo olhar apurado de Hi Linnet, que faz a orquestra parar e logo depois os selvagens aparecem em um reverse-shot sob a luz avermelhada do fogo.

Brian Donlevy e Susan Hayward em Paixão Selvagem

Brian Donlevy e Susan Hayward em Paixão Selvagem

Cena de Paixão Selvagem

Cena de Paixão Selvagem

Por meio de uma encenacão inteligente, o diretor descreve com profundidade tanto os personagens principais como os secundários, expondo sem precipitação suas preocupações cotidianas, daí porque o rítmo não é sempre nervoso, dando ao filme uma aparência de drama psicológico. Em compensação, outras sequências como a da briga entre Bragg e Logan no saloon e o ataque dos índios são mais movimentadas. Tourneur usa o close-up com muita felicidade, para mostrar a ferocidade e a anormalidade de Bragg, que transparece não somente na mencionada briga mas também quando o brutamontes surpreende as índias banhando-se no rio. Outros elementos estéticos bem aplicados pelo cineasta foram a elipse (eis que não vemos as cenas da morte de George nem a de McIver) e a cor (principalmente na perseguição de Bragg pelos índios através das plantas; quanto mais os perseguidores se aproximam dele, elas se tornam cada vez mais vermelhas). Na aplicação do Technicolor a contribuição do fotógrafo Edward Cronjager foi inestimável.

turneur-out-of-the-past

FUGA AO PASSADO / OUT OF THE PAST.

Jeff Markham (Robert Mitchum), um detective particular de Nova York, e seu sócio, Jack Fisher (Steve Brodie), são contratados por um gângster, Whit Sterling (Kirk Douglas), para encontrar a amante dele, Kathie Moffat (Jane Greer), que fugiu com quarenta mil dólares, após ter tentado matá-lo. Jeff segue a pista de Kathie até Acapulco e se apaixona por ela, acreditando na sua palavra de que não roubou o dinheiro. Em consequência, o detetive não informa Whit sobre o seu paradeiro e os dois partem para San Francisco, onde vivem temporariamente em segurança. Até o momento em que são reconhecidos por Fisher, convocado por Whit para procurar Jeff. Tentando chantageá-los, Fisher é morto friamente por Kathie. Jeff fica perplexo com a violência de Kathie. Quando se volta para ela, apó ter examinado o corpo de Fisher, Kathie não está mais ali; mas deixara seu talão de cheque, que acusa um depósito de quarenta mil dólares. Os acontecimentos posteriores levarão a um final trágico.

Tourneur e o fotógrafo Nicholas Musuraca, ex-colaboradores da série de horror de Val Lewton, eram especialmente preparados para criar o jogo lírico e sensual de sombras que caracteriza o filme noir. Em um entrosamento perfeito, Tourneur e Musuraca produziram imagens esplêndidas de interiores escuros dramaticamente iluminados, planos filmados de dia como se fossem de noite das praias do México e exteriors claros e meticulosos, muito bem integradas no todo atmosférico. O diretor teve ainda o mérito de fazer com que uma jovem inexperiente de 22 anos, Jane Greer, se transformasse em uma das mulheres fatais mais inesquecíveis, frágil, ameaçadora, e ao mesmo tempo, sensual e demoníaca.

Virginia Huston and Robert Mitchum in a scene from the 1947 movie, Out of the Past.

Virginia Huston and Robert Mitchum in a scene from the 1947 movie, Out of the Past.

Kirk Douglas e Robert Mitchum em Fuga ao Passado

Kirk Douglas e Robert Mitchum em Fuga ao Passado

Robert Mitchum e Jane Greer em Fuga ao Passado

Robert Mitchum e Jane Greer em Fuga ao Passado

Cena de Fuga ao Passado

Cena de Fuga ao Passado

Cena de Fuga ao Passado

Cena de Fuga ao Passado

tourneur-out-past-marco

No momento em que surge vestida de branco em uma rua de Acapulco, Kathie Moffat não parece a mulher insidiosa que realmente é, mas sim uma criatura do sonho de Jeff, que se materializou ao entrar no Café La Mar Azul. Jeff fica deslumbrado e joga para o alto o seu código de honra. Quando Kathie tenta convencê-lo de que não roubou o dinheiro de Whit, ele a interrompe dizendo: “Baby, pouco me importa”. Contrariando os interesses do cliente, transigindo com a ética profissional, Jeff não comunica a Whit que a encontrou, e foge com ela para San Francisco. Ele não consegue superar sua obsessão sexual. Sua voz over descreve Kathie de uma maneira cada vez mais romântica, representando-a como uma imagem luminosa: “”E então eu a ví, saindo do sol”; “E então ela entrou, vinda do luar, sorrindo”; “E então eu a ví andando pela estrada sob a luz dos farois”. Porém, no dia em que Kathie mata Fisher, deixando-o com o cadáver para sofrer as consequências, e ele descobre que ela havia depositado os quarenta mil dólares na sua conta bancária, Jeff fica arrasado. Ele lembra para Ann (Virginia Huston), sua namorada, a quem ele resolveu contar sua história: “Eu não sentia pena dele, não estava zangado com ela, não estava nada”. Ao revê-la, junto de Whit, exclama indiferente: “Você é como uma folha que o vento carrrega de uma sarjeta para outra. Todavia, mesmo depois desta cena, ainda ficamos sem saber se Jeff realmente ficou livre de sua paixão por Kathie, pois um grau de ambivalência permanece até o final do filme.

tourneur-berlin-express

EXPRESSO PARA BERLIM / BERLIN EXPRESS.

Alguns mêses após o armistício de 1945, o eminente humanista Dr. Heinrich Bernhart (Paul Lukas) é encarregado de uma comissão visando a reunificação da Alemanha, então dividida em quatro setores controlados pelos aliados. Em um trem que o conduz de Paris para Berlim, o doutor escapa de um atentado e depois é sequestrado por membros de um movimento neo-nazista subterrâneo, durante uma parada do expresso em Frankfurt. Um grupo composto por um agrônomo americano, Robert Lindley (Robert Ryan), uma francêsa, Lucienne Mirbeau (Merle Oberon), um tenente do exército russo, Roman Toporow (Maxim Kiroshlov), um professor inglês, James Sterling (Robert Coote) e um antigo resistente francês, Henri Perrot (Charles Korvin), se organiza para encontrar o paradeiro de Bernhart na cidade em ruínas.

Cena de Expresso para Berlim

Cena de Expresso para Berlim

Tourneur reforça a estrutura dramática do relato, mantendo em segredo a verdadeira identidade de alguns personagens, que somente no final é revelada. Bernhart não é aquele que pensamos ser, a jovem francêsa acaba demonstrando seu verdadeiro papel aos homens do grupo e uma outra identidade falsa também vem à tona nos últimos momentos do filme.

Para manter o espectador constantemente interessado na história, o cineasta também cria alguns momentos de alta inspiração cinematográfica como, por exemplo, a maneira como ficamos ao par da mensagem estranha que o pombo-correio levava; o episódio com os dois palhaços, um falso e outro verdadeiro; o suicídio de Walther (Reinhold Schunzel), o amigo que traiu Bernhart; a luta entre Robert e o espião dentro de um enorme barril de cerveja; o instante em que Reinhardt está sendo atacado em sua cabine e na cabine vizinha, pelo reflexo reproduzido nos vidros da estação, Robert e Lucienne tomam conhecimento do fato. A arte do fotógrafo Lucien Ballard foi um fator determinante para a excelência dessas cenas.

Cena de Expresso para Berlim

Cena de Expresso para Berlim

Robert Ryan e Merle Oberon em Expresso para Berlim

Robert Ryan e Merle Oberon em Expresso para Berlim

Cena de Expresso para Berlim

Cena de Expresso para Berlim

O interesse do filme repousa igualmente sobre o aspecto documentário de certas sequências, mostrando o estado de um país – principalmente a cidade de Frankfurt – depois de sua derrota. Enquanto os protagonistas são enquadrados nas ruínas, o olho do espectador os acompanha contemplando ao mesmo tempo o espetáculo desastroso dos bombardeios no fundo do quadro. No epílogo, quando se despedem os protagonistas restantes da trama, encontramos uma crítica silenciosa da situação internacional na imagem de um aleijado, passando entre as colunas do Portão de Brandenburgo, que também pode ser interpretada como um símbolo de que o mundo marcha apesar do desastre ou do espectro da Guerra Fria caindo sobre a Europa mais dilacerada, mais dividida do que nunca.

tourner-vovo

O TESTAMENTO DE DEUS / STARS IN MY CROWN.

Na pequena cidade sulista de Walesburg, no final do século dezenove, John Kenyon (Dean Stockwell e Marshall Thompson fazendo a voz do personagem como adulto), narra episódios concentrados na figura de seu pai adotivo, Josiah Doziah Gray (Joel McCrea), um pastor protestante, ex-soldado da Guerra Civil e casado com Harriet (Ellen Drew). Os lances mais dramáticos da narrativa são criados por duas ocorrências. Uma é a epidemia de tifo, para a qual o jovem médico da cidade, Daniel Kalbert Harris Jr. (James Mitchell), inicialmente suspeita de que o pastor seja o transmissor, mas cuja origem acaba sendo rastreada até o poço perto da escola. O outro acontecimento é a tentativa por parte de um proprietário de uma mina, Lon Backett (Ed Begley) de amedrontar um negro, Uncle Famous Prill (Juano Hernandez), para se apoderar de suas terras ricas em mica. Formando um bando de “Night Riders”, semelhante à Klu Klux Khan, os agressores de Famous querem linchá-lo, porém o pastor faz com que todos fiquem envergonhados e se dispersem, lendo o suposto testamento de Famous, contendo legados para todos, que lembram o papel benevolente que ele desempenhou em suas vidas.

Cena de O Testamento de Deus

Joel McCrea em O Testamento de Deus

Cena de O Testamento de Deus

Cena de O Testamento de Deus

Neste filme, que não é verdadeiramente um western, mas tem a ver com a cultura e história americana, Tourneur demonstra calma e comedimento, permitindo que a história vá crescendo aos poucos, o que dá aos climaxes (a epidemia de tifo e principalmente o quase-linchamento do velho negro) um grande impacto emocional.

O reverendo, que carrega uma Bíblia e um par de pistolas, tem uma tendência para contar histórias engraçadas com uma Mensagem, em vez de ser um mero “pregador”. É, portanto, o tipo de pastor que pode conquistar os corações e a alma. Após a confrontação de Gray com Backett e os linchadores, este comparece arrependido na igreja e, por fim, seu grande amigo Jed Isbell (Alan Hale), que ele sempre convidava em vão para assistir o culto, também se apresenta como mais um crente conquistado pela bondade e sinceridade do líder espiritual e moral de sua comunidade.

tourneur-the-flame-and-the-arrow

O GAVIÃO E A FLECHA / THE FLAME AND THE ARROW.

Na Lombardia do século XII, Dardo Bartoli (Burt Lancaster), excelente arqueiro e caçador, vive nas montanhas com seu filho Rudi (Gordon Gerbert). Sua mulher, Francesca (Lynne Baggett), o abandonou anos atrás, para se casar com Ulrich (Frank Allenby), representante feroz do Imperador da Alemanha, apelidado de “O Falcão”. Dardo mata um dos falcões de Ulrich e este, em represália, manda seus soldados prender Rudi, e conduzí-lo para seu castelo. Dardo se une aos camponêses para lutar contra o tirano. Sempre acompanhado pelo seu amigo Piccolo (Nick Cravat), um ferreiro mudo, ele rapta Anne (Virginia Mayo), sobrinha de Ulrich, com a finalidade de usá-la para resgatar seu filho. Ele captura também Alessandro de Granazia (Robert Douglas), um marquês italiano, que Ulrich pretendia unir em matrimônio com Anne, a fim de reforçar seu poder na região e obrigá-lo a pagar seus impostos. Anne porém o rejeitou e Ulrich mandou prender o marquês. Diante disso, Alessandro e seu trovador (Norman Lloyd) se aliam aos foras-da-lei, porém depois os trai. Prevenido a tempo por Anne, Dardo penetra no castelo com Piccolo, ambos disfarçados de palhaço entre os saltimbancos que ali se apresentam, libertam os populares e todos juntos enfrentam os soldados de Ulrich. Dardo descobre que Francesca está morta e mata Alessandro em uma luta de espada. Ulrich foge, e usa Rudi como escudo; mas não contou com a perícia de Dardo, que põe fim à sua vida com uma flechada, libertando seu filho. Anne, que se apaixonara por Dardo, junta-se a eles, para celebrar a vitória contra o opressor

Virginia Mayo e Burt Lancaster em O Gavião e a Flecha

Virginia Mayo e Burt Lancaster em O Gavião e a Flecha

Tourneur incutiu dinamismo e divertimento neste filme de aventura histórica em grande parte dominado pela habilidade atlética e saltitante de Burt Lancaster e Nick Cravat, principalmente por terem sido trapezistas de circo na vida real. O cineasta mostra o seu habitual rigor e capacidade de invenção notadamente na sequência formidável da invasão do castelo com Dardo e Picolo misturando-se com os membros da trupe de artistas, que adquire o caráter festivo de um espetáculo acrobático.

Cenas de O Gavião e a Flecha

Cenas de O Gavião e a Flecha

tpourneur-flame-arrow-viva-iii

tourneur-flame-arrow-viva-iv

tourneur-flame-arrow-viva

tourneur-flame-flame-flame

Em outra sequência admirável, o heroí, sentindo dificuldade de se confrontar com um espadachim temível como o marquês, corta a corda que sustenta um lustre, fazendo – o cair e deixando o ambiente na escuridão. De uma tomada em câmera alta vemos o marquês de guarda e em silhueta diante de um retângulo de luz no chão, e ouvimos Dardo sussurrar: “Agora, marquês, estamos no escuro, onde uma espada é apenas uma faca longa. Os caçadores sabem tudo sobre facas. Você não pode me ver Alessandro, mas eu posso vê-lo”. Mais alguns planos, e o marquês é puxado para fora do quadro por Dardo. A câmera desce, e focaliza o retângulo de luz no assoalho, cruzado por um tocheiro caído. Ao som de uma golpe fora de cena, faz-se um corte para um outro ângulo em câmera alta da mesma área: o marquês tomba morto, sobre o retângulo de luz.
turneur-circle-of-danger

CIRCLE OF DANGER.

Clay Douglas (Ray Milland), cidadão americano de descendência galêsa, chega na Inglaterra para investigar a morte de seu irmão Hank, que morreu em circunstâncias misteriosas, quando participava de uma missão de comandos do Exército Britânico na Bretanha em 1944. Douglas sai no encalço e entrevista os membros sobreviventes da unidade de comando de Hank entre eles o Major Hamish McArran (Hugh Sinclair), um aristocrata escocês líder do grupo e Sholto Lewis (Marius Goring), seu ex-tenente, que se tornou professor de balé. Entrementes, conhece Elspeth Graham (Patricia Roc), autora e ilustradora de livros infantis, cortejada por Hamish. Nenhum deles parece querer ajudar Clay, mas ele finalmente consegue descobrir – por intermédio do derradeiro questionado, um vendedor de automóveis chantagista, Reggie Sinclair (Naunton Wayne)-, que foi Hamish quem matou Hank. Hamish aceita a sugestão de Clay de acertarem suas contas em um duelo de fuzil, mas Sholto chega a tempo para explicar a Clay que seu irmão foi executado porque, recusando obedecer a uma ordem, colocou em perigo todos os homens do comando. Sem dizer uma só palavra, Clay se afasta, abalado com a terrível notícia. Depois, parte na companhia de Elspeth, com quem se reconcilia, após certo desentendimento.

Patricia Roc e Jacques Tourneur na filmagem de Circle of Danger

Patricia Roc e Jacques Tourneur na filmagem de Circle of Danger

Hugh Sinclair, Marius Goring e Ray Milland em Circle of Danger

Hugh Sinclair, Marius Goring e Ray Milland em Circle of Danger

Tourneur recebeu de Philip MacDonald, autor experiente na área do romance policial, uma trama interessante e, embora ela não tivesse lances movimentados, o diretor soube manter o espectador sempre interessado no seu desenvolvimento, explorando fotograficamente (com o precioso concurso de Oswald Morris) o contexto estrangeiro, em especial a paisagem campestre escocêsa onde, no final, ocorre maior suspense. O lance do assobio da canção folclórica que leva Clay a identificar o suposto criminoso é um achado digno de Hitchock, e o caráter insólito de um personagem como Sholto, um bailarino que foi militar e sabe manejar uma arma, tem a sua originalidade.

turneur-anne-of-the-indies

A VINGANÇA DOS PIRATAS / ANNE OF THE INDIES.

No século XVII, o pirata Captain Providence, cruza o mar das Antilhas no “Sheba Queen”, e saqueia os navios britânicos. Ele é na realidade uma mulher destemida e orgulhosa chamada Anne (Jean Peters), que detesta os inglêses, porque eles enforcaram seu irmão. Um dia, Anne e seus homens, entre eles seu primeiro pilôto, Red Dougall (James Robertson Justice), capturam um navio britânico; depois de obrigar a tripulação vencida a caminhar pela prancha e se jogar ao mar, descobre que a embarcação está conduzindo um prisoneiro francês, Pierre François La Rochelle. (Louis Jourdan). Embora Dougall desconfie de Pierre, Anne decide nomeá-lo seu navegador. Mais tarde, o “Sheba Queen” chega a Nasssau, e ela apresenta Pierre ao famoso pirata Barbanegra (Thomas Gomez), que criara Anne e seu irmão, quando eles ficaram órfãos. Barbanegra adora a sua protegida, mas, como Douglas, desconfia de Pierre. Anne se apaixona por Pierre porém, após várias peripécias, ficamos sabendo que ele é casado com a jovem Molly (Debra Paget), e pretende entregar Anne às autoridades de Port Royal em troca de seu navio apreendido pelos inglêses.

Jean Peters em A Vingança dos Piratas

Jean Peters em A Vingança dos Piratas

tourneur-ana-iv

Cena de A Vingança dos Piratas

Cena de A Vingança dos Piratas

Jean Peters e Luis Jourdan em A vingança dos Piraas

Jean Peters e Luis Jourdan em A Vingança dos Piratas

Jean Peters a Debra Paget em A Vingança dos Piratas

Jean Peters a Debra Paget em A Vingança dos Piratas

Jean Peters e Thomaz Gomez em A Vingança dos Piratas

Jean Peters e Thomaz Gomez em A Vingança dos Piratas

Debra Pagert, louis Jourdan e Jean Peters em A Vingança dos Piratas

Debra Pagert, louis Jourdan e Jean Peters em A Vingança dos Piratas

Inspirando-se em figuras e fatos reais (v. g. Edward Teach, o Barbanegra; o tesouro de Henry Morgan; a bucaneira Anne Bonny) e aproveitando muito bem o Technicolor, Tourneur nos oferece tudo o que poderíamos esperar de um filme de piratas: batalhas navais, abordagens e motins, duelos de espada, ilha deserta, a busca de um tesouro, tavernas de má fama onde o rum é consumido aos borbotões. Toadavia, ao contrário de O Gavião e a Flecha, cujo tom é de bom humor e fantasia, A Vingança dos Piratas é trágico, e acrescenta uma originalidade: a personagem principal é uma mulher flibusteira, que movida pelo ódio, renega sua condição de fêmea, para poder ter seu lugar em um mundo de homens. Ao descobrir sua alma feminina diante do charme de um formoso capitão (pintando um clima bastante sensual), Anne se vê envolvida em um triângulo amoroso. Enciumada, começa a praticar desatinos, dos quais se redime, finalmente, sacrificando-se em um combate com Barbanegra, para salvar o casal que antes invejara.

turneur-wichita

CHOQUE DE ÓDIOS / WICHITA.

Wyatt Earp (Joel McCrea) dirige-se para Wichita com a idéia de se instalar ali, abrindo um pequeno comércio. Ele logo faz amizade com o diretor do jornal local, Arthur Whiteside (Wallace Ford) e seu jovem repórter Bat Masterson (Keith Larsen). Impedindo um assalto a um banco, Wyatt tem oportunidade de mostrar suas qualidades de homem de ação e de decisão. O prefeito (Carl Benton Reid) lhe oferece o cargo de delegado. Waytt a princípio recusa, mas depois da morte de uma criança durante uma arruaça de vaqueiros embriagados, acaba aceitando. Como primeira providência, interdita o porte de armas de fogo na cidade. Suas decisões drásticas inquietam os comerciantes, que acham seus métodos muito radicais, notadamente Sam McCoy (Walter Coy), que vê com circunspecção o amor que o novo xerife dedica à sua filha Laurie (Vera Miles). Achando que a proibição do porte de armas afastará a sua clientela de caubóis, os negociantes procuram destituir o delegado, e um deles, Doc Black (Edgar Buchanan), trama a sua eliminação.

Joel MacCrea em Choque de Ódios

Joel MacCrea em Choque de Ódios

Tourneur narra o começo da carreira de Wyatt Earp (embora os fatos históricos não tivessem sido bem assim), projetando a figura mítica do protagonista, sua honestidade, e seu zelo pela justiça. A lei é transgredida pelas forças econômicas e essas transgressões produzem as imagens mais contundentes do espetáculo: um menino morto por uma bala perdida, a mulher do banqueiro alevejada através da porta de sua casa. Apesar de contrariado pelos corruptos, Wyatt continua inflexível e é este clima, que o diretor deixa transparecer com muito rigor, muito senso dramático e esplêndida utilização do CinemaScope. Uma boa surpresa ocorre quando Doc Black, contrata dois pistoleiros para liquidar Wyatt, sem saber que eles são dois dos irmãos do xerife.

turneur-nightfall-melhor

A MALETA FATÍDICA / NIGHTFALL.

Em San Francisco, Jim Vanning (Aldo Ray), desenhista de anúncios, suspeito de ter assassinado um amigo e companheiro de pescaria, Dr. Edward Garston (Frank Albertson), nas montanhas do Wyoming, está sendo vigiado pelo investigador de uma companhia de seguros (James Gregory) e perseguido pelos verdadeiros criminosos John (Brian Keith) e Red (Rudy Bond), que estão certos de que Jim tem em seu poder a maleta contendo 350 mil dólares, que eles roubaram de um banco. Ele procura refúgio em um bar, onde encontra Marie Gardner (Anne Bancroft), uma jovem modelo. Quando estavam caçando nas montanhas, Jim e Gurston presenciaram um acidente de carro, e socorreram John e Red, depois do assalto ao banco. Os criminosos mataram o médico, deixaram Vanning ferido e, na fuga, levaram a maleta do doutor em vez da maleta que continha o dinheiro roubado. Jim não avisou a polícia e escondeu o dinheiro na neve, perto de uma cabana. Jim e Marie resolvem retornar ao local, onde se dá o desenlace da trama. John é morto pelo seu sócio psicopata e Jim, livre de qualquer suspeição (porque o investigador, que já estava convencido de sua inocência, assiste a todos esses acontecimentos), pode se casar com Anne.

Cena de A Maleta Fatídica

Cena de A Maleta Fatídica

Anne Bancroft e Aldo Ray em A Maleta Fatídica

Anne Bancroft e Aldo Ray em A Maleta Fatídica

Cena de A Maleta Fatídica

Cena de A Maleta Fatídica

Usando três retrospectos, introduzidos apenas por um corte seco, Tourneur nos apresenta a história de um personagem tipicamente noir: Vanning é uma vítima do acaso, que o colocou em uma situação de perigo e na possibilidade de ser incriminado pela morte do amigo. Sua desconfiança inicial de que Marie o traiu a mando de John e Red mostra como o trauma do herói distorceu sua perspectiva.

A fotografia escura no ambiente citadino contribui para acentuar o clima de paranóia, principalmente na cena do interrogatório em frente à sonda de petróleo – o enorme mecanismo que sobe e desce é uma metáfora dos terrores que atormentam o protagonista. Quando a ação se transfere para a região as montanhas cobertas de neve, o diretor e seu fotógrafo, Burnett Guffey, optam por imagens mais iluminadas, afastando-se da estética expressionista.

turneur-night-of-the-demon

A NOITE DO DEMÔNIO / NIGHT OF THE DEMON.

O Dr. Karswell (Niall MacGinnis), apaixonado por ciências ocultas e magia negra, recebe a visita do professor Henry Harrington (Maurice Denham), que suspeita de sua dedicação a um culto demoníaco. Pouco depois, Harrington é morto por uma criatura, ao que parece, vinda do além. Um colega de Harrington, o psicólogo Dr. John Holden (Dana Andrews), chega da América para prosseguir na sua pesquisa sobre o sobrenatural e, auxiliado por Joanna (Peggy Cummings), sobrinha do falecido, decide investigar aquela morte misteriosa. Holden procura Karswell e este lhe entrega um pergaminho com símbolos rúnicos e prediz sua morte daquí a três dias. Uma série de acontecimentos estranhos enfraquece o ceticismo de Holden, e ele se convence dos poderes de Karswell. Ao saber por um dos seguidores de Karswell, Rand Hobart (Brian Wilde), ao hipnotizá-lo, que o único meio de evitar seu destino, é devolver o pergaminho a Karswell, Holden consegue fazer isto a bordo de um trem, há pouco minutos da data prevista para sua morte e, em consequência, o demônio se materializa, e mata Karswell.

Cena de A Noite do Demônio

Cena de A Noite do Demônio

Tourneur retorna ao gênero de horror sobrenatural, que sempre o seduziu, e consegue mais uma vez assustar o espectador, utilizando o som, lentes distorcidas e a fotografia expressionista, para criar o clima ideal para o desenvolvimento do tema: a existência ou não de forças demoníacas, encarregadas de cumprir uma maldição.

Cena de A Noite do Demônio

Cena de A Noite do Demônio

Cena de A Noite do Demônio

Cena de A Noite do Demônio

No final do filme não se pode afirmar com certeza se o racional ou o sobrenatural teve ascendência um sobre o outro. Se a aparição do demônio parece constatar que as potências das trevas existem, pode ser também que tal aparição ocorreu devido às alucinações das vítimas, paralizadas pelo medo, e que elas foram mortas acidentalmente – nota-se nas duas mortes causadas por uma espécie de dragão gigantesco e fumegante a coincidência de outras causas, como o choque do automóvel da primeira vítima com um poste elétrico e a passagem de um trem, quando o vilão é esmagado pelo monstro. O filme funciona muito bem com essa ambiguidade.

Cena de A Noite do Demônio

Cena de A Noite do Demônio

Além do aspecto parapsicológico, o que interessa ao cineasta é lidar com o medo, construindo momentos inquietantes como a entrada de Holden na mansão de Karswell, sendo assustado pela mão que surge no corrimão da escada ou por uma porta que se abre; a luta de Holden na biblioteca com um gato subitamente metamorfoseado em pantera (que faz lembrar algumas passagens de Sangue de Pantera); Holden sendo perseguido no bosque por uma nuvem de fumaça branca; a sessão de hipnose, com a recuperação da palavra por um adepto do culto demoníaco que havia entrado em estupor catatônico ao trair um ïrmão”; a festa infantil ao ar livre interrompida repentinamente por uma tempestade invocada pelo satanista vestido de palhaço; o pergaminho levado pelo vento e Karswell correndo pela linha do trem em um desespêro inútil para pegá-lo, porque o demônio (ou o fruto de um delírio) logo aparece.

 

GRANDES PERSONAGENS DO ROMANCE POLICIAL NO CINEMA E NA TV – III

December 23, 2016

tiras-the-spanish-cape-mystery-poster

ELLERY QUEEN – Detetive criado pelos primos Manfred B. Lee / Maniord Lepofsky (1905-1971) e Frederick Dannay / Daniel Nathan (1905-1982) sob o pseudônimo de Ellery Queen. Filmes: 1935 – MIstério da Capa Espanhola / The Spanish Cape Mystery com Donald Cook. 1936 – The Mandarin Mystery. 1940 – Linda Impostora / Ellery Queen, Master Detective. 1941 – Jóias Fatais / Ellery Queen’s Penthouse Mystery. A Sombra da Morte / Ellery Queen and the Perfect Crime. Quadrilha Diabólica / Ellery Queen and the Murder Ring, todos com Ralph Bellamy. 1942 – Herdeira Desaparecida / Close Call for Ellery Queen. Arriscando com a Sorte / Desperate Chance for Ellery Queen. Contrabando de Guerra / Enemy Agents Meet Ellery Queen, todos com William Gargan. 1950 – The Adventures of Ellery Queen, Série de TV com Lee Bowman. 1958 – The Further Adventures of Ellery Queen, Série de TV com George Nader. 1971 – Ellery Queen: Don’t Look Behind You, Telefilme com Peter Lawford. 1975 – Ellery Queen, Série de TV com Jim Hutton.

tiras-ellery-queen-master-detective

ellery-poster-gargan

Jim Hutton (Ellery queen na TV) e David Wayne

Jim Hutton (Ellery queen na TV) e David Wayne

RAFFLES (Arthur J. Raffles). Ladrão cavalheiro criado por Ernest William Hornung (1866-1921). Filmes: 1905 – Raffles the Amateur Cracksman com J. Barney Sherry. 1911. Raffles, gentiluomo ladro. Seriado italiano com Ubaldo Maria Del Colle. 1917 – Ladrão por Esporte / Raffles, the Amateur Cracksman com John Barrymore. 1921 – Mr. Justice Raffles, com Gerald Ames. 1925 – Raffles, o Ladrão Amador / Raffles / Raffles com House Peters. 1930 – Raffles / Raffles com Ronald Colman. 1932. The Return of Raffles com George Barraud. 1939 – Raffles / Raffles com David Niven. 1975 – Raffles, telefilme britânico. Raffles. Série de TV britânica, ambos com Anthony Valentine.

House Peters como Raffles

House Peters como Raffles

asa-raffles

John Barrymore em Ladrão por Esporte / 1917

John Barrymore em Ladrão por Esporte / 1917

Ronald Colmane Kay Francis em Raffles

Ronald Colmane Kay Francis em Raffles

David Niven em Raffles

David Niven em Raffles

J. G. REEDER. Detetive criado por Edgar Wallace (1875-1932). 1938 – Mr. Reeder in Room 13 com Gibb McLaughlin. 1939 – The Mind of Mr. Reeder (Mysterious Mr. Reeder nos EUA). The Missing People, ambos com Will Fyfe. 1969 – The Mind of Mr. J. G. Reeder. Série de TV com Hugh Burden.

tiras-mr-reeder-gibb-mclaughlin

tiras-mysterious-mr-reeder-poster-melhor

ROCAMBOLE. Gênio do crime criado por Pierre-Alexis Joseph Ferdinand Ponson du Terrail (1829-1871), sob o pseudônimo de Ponson du Terrail. Filmes: 1913 – Série Rocambole (em 4 séries: As Proezas de Rocambole, A Herança do Marquês de Morfontaine, O Esplendor de Rocambole ou A Glória de Rocambole, A Evasão de Rocambole) com Gaston Sylvestre. As Luvas de Rocambole / I Guanti di Rocambole 1919 – Rocambole com Giulio Donadio. 1924 – Les Premières Armes de Rocambole. Les Amours de Rocambole, ambos com Maurice Thorèze. 1933 – Rocambole com Rolla Norman. 1946 – Rocambole com Ramón Pereda. 1948 – Rocambole com Pierre Brasseur. 1963 – Rocambole com Channing Pollock. 1964 – Rocambole, Série de TV com Pierre Vernier . 1967 – Rocambole, Série de TV mexicana com Julio Aléman.

Pierre Brasseur como Rocambole

Pierre Brasseur como Rocambole

tiras-rocambole-p-brassseur-poster

Channing Pollock como Rocambole

Channing Pollock como Rocambole

Pierre Vernier como Rocambole

Pierre Vernier como Rocambole

ROULETABILLE. Jornalista detetive Joseph Rouletabille criado por Gaston Leroux (1868-1927). Filmes: 1913 – Le Mystère de la Chambre Jaune. La Dernière Incarnation de Larsan, ambos com Marcel Simon. 1919 – The Mystery of the Yellow Room com Lorin Raker. 1922 – Rouletabille chez les Bohémiens com Gabriel de Gravone. 1930 – Le Mystère de la Chambre Jaune. 1931 – Le Parfum de la Dame en Noir. 1932 – Rouletabille Aviateur, todos com Roland Toutain. 1946 – Rouletablle Joue et Gagne. Rouletabille contre la Dame de Pique com Jean Piat. 1947 – El Misterio del Cuarto Amarillo, filme argentino com Santiago Gómez Cou. 1948 – Le Parfum de la Dame en Noir. 1949 – Le Mystère de la Chambre Jaune, ambos com Serge Reggiani. 1966 – Rouletabille, Série de TV com Philippe Ogouz.

tiras-rouletabillepostervtoutain

Roland Toutain (à esq.) como Rouletabille

Roland Toutain (à esq.) como Rouletabille

asa-iii-rouletabille-melhor

Serge Reggiani como Rouletabille

Serge Reggiani como Rouletabille

tiras-rouletabille-sergereggiani-poster

THE SAINT – Ladrão cavalheiro, Simon Templar, criado por Leslie Charles Bowyer (1907-1993) sob o pseudônimo de Leslie Charteris. Filmes: 1938 – O Santo em Nova York / The Saint in New York com Louis Hayward. 1939 – A Volta do Santo / The Saint Strikes Back. O Santo em Londres / The Saint in London. 1940 – O Santo e Seu Sósia / The Saint’s Double Trouble. O Santo e a Mulher / The Saint Takes Over. 1941 – O Santo no Balneário / The Saint in Palm Springs, todos com George Sanders. Férias do Santo / The Saint’s Vacation. 1943 – O Santo encontra o Tigre / The Saint Meets the Tiger, ambos com Hugh Sinclair. 1954 – O Santo no Castelo Sinistro / The Saint’s Girl Friday com Louis Hayward. 1959 – Le Saint mène la danse com Felix Marten. 1966 – Le Saint Prend  L ‘Affût com Jean Marais. 1969 – The Saint , Série de TV com TV Roger Moore.

George Sanders como O Santo

George Sanders como O Santo

tiras-the-saint-in-london-postertiras-the-saint-in-new-yok-poster

tiras-the-saints-vacation-posterh-sinclair

Jean Marais como O Santo

Jean Marais como O Santo

Roger Moore como O Santo

Roger Moore como O Santo

SAM SPADE. Detetive particular criado por Dashiel Hammett.Filmes: 1931 – O Falcão Maltês / The Maltese Falcon com Ricardo Cortez. 1936 – Satan Met a Lady com Warren William (com o nome do personagem Sam Spade mudado para Ted Shane). 1941 – Relíquia Macabra com Humphrey Bogart.

tiras-maltese-falcon-correz-poster

 Bebe Daniels e Ricardo Cortez em O Falcão Maltês


Bebe Daniels e Ricardo Cortez em O Falcão Maltês

asa-vi-maltese-falcon

Humphrey Bogart em Relíquia Macabra

Humphrey Bogart em Relíquia Macabra

SAN ANTONIO. Comissário de polícia criado por Fréderic Dard (1921-2000). Filmes: 1966 – Sale Temps pour les Mouches. 1968 – Béru et ses Dames, ambos com Gérad Barray.

tiras-san-antonio-poster

THE SHADOW. Justiceiro Lamont Cranston criado por Walter B. Gibson (1897-1985) sob o pseudônimo de Grant Maxwell. Filmes: 1937 – Mr. Sombra / The Shadow Strikes. 1938 – International Crime, ambos com Rod La Rocque. 1940. Seriado A Sombra do Terror / The Shadow com Victor Jory. 1946 – O Sombra Retorna / The Shadow Returns. A Máscara   do Sombra / Behind the Mask. A Deusa de Jade / The Missing Lad, todos com Kane Richmond. 1958 – Bourbon Street Shadows com Richard Derr.

tiras-the-shadow-strikes-poster

asa-shadow-melhor-poster

tiras-the-shadow-returns-poster

MICHAEL SHAYNE. Detetive particular criado por Davis Dresser (1904- 1977) sob o pseudônimo de Brett Halliday. Filmes: Um Detetive Apaixonado / Michael Shayne, Private Detective. 1941 – Testemunha Oculta / Sleepers West. Ceia Fatal / Dressed to Kill. Dois Tiros Silenciosos / Blue, White and Perfect. 1942 – A Sepultura Vazia / Man Who Wouldn’t Die. Punhal Assassino / Just Off Broadway. Hora para Matar / Time to Kill, todos com Lloyd Nolan. 1946 – Murder is my Business. Larceny in Her Heart, Blonde for a Day. 1947 – Chamada para um Morto / Three on a Ticket. Too Many Winners, todos com Hugh Beaumont.

tiras-michael-shayne-poster

Lloyd Nolan e Mary Beth Hughes em Ceia Fatal

Lloyd Nolan e Mary Beth Hughes em Ceia Fatal

asa-michael-shyane-nolan-best

bobo-hugh-beaumont

RABINO DAVID SMALL. Rabino detetive amador criado por Harry Kemelman (1908 -1996). Filmes: Lanigan’s Rabbi. Série de TV com Art Carney como Lanigan, o chefe de polícia católico amigo do rabino. Este foi interpretado primeiramente na série por Stuart Margolin e depois por Bruce Solomon.

Art Carney (O Comissário Lanigan e o Rabino David Small (Bruce Solomon)

Art Carney (O Comissário Lanigan e o Rabino David Small (Bruce Solomon)

GEORGE SMILEY. Agente secreto criado por John Le Carré (1931 –   ). Filmes: 1965 – O Espião que Saiu do Frio / The Spy Who Came in from the Cold com Rupert Davies., sendo Smiley um personagem secundário. 1967 – Chamada para um Morto / The Deadly Affair com James Mason, sendo que o personagem passou a se chamar Charles Dobbs. 1979 – Tinker Tailor Soldier Spy, Minissérie com Alec Guiness.

tiras-george-smiley-poster

AKIHA SUZUKI. Agente secreto Japonês criado Jean-Pierre Walrafer (1971-1984) sob o pseudônimo de Jean-Pierre Conti. FIlmes: 1960 – Monsieur Suzuki com Jean Thielment.

tiras-mr-suzuki-poster

VIRGIL TIBBS. Detetive criado por John Dudley Ball (1911-1988). Filmes: 1967 – No Calor da Noite / In the Heat of the Night. 1970 – Noite Sem Fim / They Call Me Mr. Tibbs. 1971 – A Organização / The Organization, todos com Sidney Poitier.

Sidney Poitier em No Calor da Noite

Sidney Poitier em No Calor da Noite

PHILO VANCE. Detetive particular criado por Willard Huntington Wright (1888-1939) sob o pseudônimo de S. S. Van Dine. Filmes: 1929 – O Drama de uma Noite / The Canary Murder Case. A Casa do Crime / The Greene Murder Case. 1930 – O Bispo Misterioso / The Bishop Murder Case. Corpo de Delito / The Benson Murder Case. 1933 – O Caso de Hilda Lake / The Kennel Murder Case, todos com William Powell. 1934 – O Crime do Dragão / The Dragon Murder Case com Warren William. 1936 – O Mistério do Cassino / The Casino Murder Case com Paul Lukas. 1937 – The Scarab Murder Case com Wilfrid Hyde White. Night of Mystery com Grant Withers. 1939 – A Comédia de um Crime / The Gracie Allen Murder Case com Warren William. 1940 – Três Horas Trágicas / Calling Philo Vance com James Stephenson. 1947 – Philo Vance Returns com William Wright. Philo Vance’s Gamble. Philo Vance’s Secret Mission, ambos com Alan Curtis.

William Powell como Philo Vance

William Powell como Philo Vance

tola-canary-murder-case-melhor

tiras-philo-vances-warren-williampostertola-calling-philo-vance

 

tata-philo-vance-returns

tata-philo-vances-gamble

EUGENE-FRANÇOIS VIDOCQ. Ex-forçado que se tornou policial e depois detetive particular. Inspirou personagens fictícios de vários romancistas (v. g. o Vautrin de Balzac, o Jean Valjean de Victor Hugo). Filmes: 1922 – Vidocq /Vidocq, seriado com René Navarre. 1939 – Vidocq com André Brulé. 1945 – Vidocq / Scandal in Paris com George Sanders. 1947 – Le Cavalier de Croix-Mort com Henri Nassiet. 1967 – Vidocq, Série de TV com Bernard Noël. 1971 – Les Nouvelles Aventures de Vidocq, Série de TV com Claude Brasseur.

 

tina-rene-navarre

tiras-vidocb-andre-brule-poster

George Sanders em Vidocq, Um Escândalo em Paris

George Sanders em Vidocq, Um Escândalo em Paris

Claude Brasseur como Vidocq

Claude Brasseur como Vidocq

M. WENS. Detetive particular Wenceslas Vorobeïtchik criado por Stanislas-André Steeman (1908-1970). Filmes: 1941 – Le Dernier des Six. 1942 – O Assassino Mora no 21 / L’Assassin Habite au 21, ambos com Pierre Fresnay. 1946 – L’Enemi Sans Visage com Frank Villard. 1947 – Les Atouts de M. Wens com Werner Degan. 1949 – Le Furet com Pierre Jourdan. Mystère a Shanghai com Maurice Teynac. 1964 – Que Personne Ne Sorte com Philippe Nicaud.

Suzy Delair e Pierre Fresnay em Le Dernier des Six

Suzy Delair e Pierre Fresnay em Le Dernier des Six

tiras-m-wens-posrterpierre-sorte

LORD PETER WIMSEY. Detetive amador criado por Dorothy L. Sayers (1893-1957). Filmes: 1935 – The Silent Passenger com Peter Haddon. 1940 – Lua de Mel, Lua de Fel / The Haunted Honeymoon com Robert Montgomery. 1972 – Clouds of Witness (Minissérie de TV). 1973 – The Umpleasantness at the Bellona Club (Minissérie de TV). 1974 – The None Tailors (Minissérie de TV). 1975 – Five Red Herrings (Minissérie de TV), todos com Ian Carmichael.

mama-haunted-honeymoon-poster-melhor

Robert Montgomery e Constance Cummings em Lua de Mel, Lua de Fel.

Robert Montgomery e Constance Cummings em Lua de Mel, Lua de Fel.

anil-lord-peret-wimseu

HILDEGARD WITHERS. Detetive amadora criada por Stuart Palmer (1905-1968). Filmes: 1932 – The Penguin Pool Murder. 1934 – Sherlock de Saias / Murder on the Blackboard. 1935 – Crime na Lua-de-Mel / Murder on a Honeymoon, todos com Edna May Oliver. 1936 – O Mistério da Ferradura / Murder on a Bridle Path com Helen Broderick. O Enigma da Pérola / The Plot Thickens. 1937 – À Cena, o Autor / Forty Naughty Girls, ambos com ZaSu Pitts. 1972 – A Very Missing Person, Telefilme com Eve Arden.

ivan-penguin-pool-murder

Edna May Oliver e James Gleason em The Penguin Pool Murder

Edna May Oliver e James Gleason em The Penguin Pool Murder

zasu-pitts-forty

LONE WOLF. Ladrão cavalheiro criado por Louis-Joseph Vance (1879-1933). Filmes: 1917 – O Lobo Solitário / The Lone Wolf com Bert Lytell. 1924 – O Lobo Solitário / The Lone Wolf com Jack Holt. 1926 – A Volta do Lobo Solitário / The Lone Wolf Returns. 1927 – O Lobo Solitário / Alias the Lone Wolf. 1929 – A Atração do Alheio / The Lone Wolf’s Daughter. 1930 – Lágrimas de Rainha / The Last of the Lone Wolf, todos com Bert Lytell. 1935 – A Volta do Lobo Solitário / The Lone Wolf Returns com Melvyn Douglas. 1938 – As Jóias da Corôa / The Lone Wolf in Paris com Francis Lederer. 1939 – Álibi Nupcial / The Lone Wolf Spy Hunt. 1940 – Pérolas Fatídicas / The Lone Wolf Strikes. Noiva da Fatalidade / The Lone Wolf Meets a Lady. O Lobo entre Lobos / The Lone Wolf Keeps a Date. 1941 – O Lobo se Arrisca / The Lone Wolf Takes a Chance. As Jóias do Imperador / Secrets of the Lone Wolf. 1942 – Dama em Perigo / Counter-Espionage. 1943. Uma Noite Perigosa / One Dangerous Night. Passaporte para Suez / Passport to Suez, todos com Warren William. 1946 – O Roubo da Safira Indiana / The Notorious Lone Wolf. 1947 – O Lobo Solitário em Londres / The Lone Wolf in London. O Lobo Solitário no México / The Lone Wolf in Mexico, todos com Gerald Mohr. Nas Garras do Lobo / The Lone Wolf and His Lady com Ron Randell. 1954 – The Lone Wolf, Série de TV com Louis Hayward.

Warren William como O Lobo Solitário

Warren William como O Lobo Solitário

tiras-lone-wolf-ww-poster

tiras-lone-wolf-gmohr-posterNERO WOLFE. Detetive particular criado por Rex Stout Todhunter sob o pseudônimo de Rex Stout (1886-1975). Filmes: 1936 – A Astúcia de Nero Wolfe / Meet Nero Wolfe com Edward Arnold. 1937 – A Liga dos Ameaçados / The League of Frightened Men com Walter Connoly. 1961 – Zu viele Küche, Série de TV alemã com Heinz Klevenov. 1969 – Nero Wolfe, Série de TV italiana com Tino Buazelli.

 e Edward Arnold em A Astúcia de nero Wolfe

Lionel Stander e Edward Arnold em A Astúcia de Nero Wolfe

tiras-meeet-nero-wolfe-poster-connolly

Tino Buazelli como Nero Wolfe

Tino Buazelli como Nero Wolfe

MR.WONG. Detetive chino-americano James Lee Wong criado por Hugh B. Wiley (1884-1968). Filmes: 1938 – Mr. Wong Detetive / Mr. Wong Detective. 1939 – O Misterioso Mr. Wong / The Mystery of Mr. Wong. Mr. Wong no Bairro Chinês / Mr. Wong in Chinatown. 1940 – Noite de Terror / Fatal Hour. Condenado à Morte / Doomed to Die, todos com Boris Karloff. 1941 – Phantom of Chinatown com Keye Luke.

Boris Karloff como Mr. Wong

Boris Karloff como Mr. Wong

luke

ZIGOMAR. Gênio do crime criado por Léon Sazie (1862-1939). Filmes: 1911 – Zigomar ou Zigomar contra Paulino Broquet (o nome do personagem no original era o chefe de polícia Paulin Broquet)/ Zigomar. 1912 – Zigomar contra Nick Carter ou Nick Carter contra Zigomar / Zigomar contre Nick Carter. 1913 – Zigomar, pele de enguia / Zigomar, peau d ‘anguille, todos com Alexandre Arquillìere.

acao-zigomar-melhor

GRANDES PERSONAGENS DO ROMANCE POLICIAL NO CINEMA E NA TV – II

December 9, 2016

detetives-file-113-poster-mlecoq

MONSIEUR LECOQ. Detetive criado por Émile Gaboriau (1832-1873). 1914 – Monsieur Lecoq com Harry Baur. 1915 L’ Affaire d ‘Orcival com Henri Roussel. The Family Stain com Frank Evans. Monsieur Lecoq com William Morris. 1933 – File 113 com Lew Cody. 1962 – L’Epingle du Jeu (ep. da Série de TV Les Cinq Dernières Minutes) com Roger Dumas. 1971 Nina Gypsy com Henri Lambert. 1975 – Monsieur Lecoq (ep. da Série de TV Les Grands Detectives) com Gilles Ségal.

Karen Morley, John Barrymore e Lionel Barrymore em Arsène Lupin

Karen Morley, John Barrymore e Lionel Barrymore em Arsène Lupin

viviviviv

Jules Berry em Arsène Lupin, Detective

Jules Berry em Arsène Lupin, Detective

detetives-arsene-lupin-returns-poster-roxomelhor

abc

detetives-les-aventures-ars-lupin-jbecker

Robert Lamoureux em Signé Arsène Lupin

Robert Lamoureux em Signé Arsène Lupin

Georges Descrières como Arsène Lupin na Série de TV

Georges Descrières como Arsène Lupin na Série de TV

ARSÈNE LUPIN – Ladrão cavalheiro criado por Maurice Leblanc (1864-1941). Filmes: 1908 – The Gentleman Burglar. 1909 – Arsène Lupin e 1914 – Arsène Lupin contre Ganimard, ambos com Georges Tréville. 1910 – Den blaa Diamant (Arsène Lupin contra Sherlock Holmes), Série alemã com Paul Otto e Viggo Larsen.- 1916 – Arsene Lupin com Gerald Ames. 1917 – Arsene Lupin com Earle Williams. 1919 – Dentes de Tigre ou Os Dentes do Tigre / The Teeth of the Tiger com David Powell. 1920 – 813 ou Arsenio Lupin / 813 com Wedgwood Nowell. 1921 – Arsène Lupin, Utolso Kalandja, Série húngara com Gustav Partos. 1932 – Arsène Lupin / Arsène Lupin com John Barrymore. 1937- Arsène Lupin Détective com Jules Berry. 1938 – A Volta de Arsène Lupin / Arsène Lupin Returns com Melvyn Douglas. 1944 – Arsène Lupin / Enter Arsene Lupin com Charles Korvin. 1947 – Arsenio Lupin com Ramon Pereda. 1956 – As Aventuras de Arsène Lupin / Les Aventures d’Arsène Lupin e 1959 – Signé Arsène Lupin, ambos com Robert Lamoureux. 1971 – Arsène Lupin, Série de TV com Georges Descrières.

detetives-mabuse-ii

Cena de Dr. Mabuse, o Jogador

Cena de Dr. Mabuse, o Jogador

detetives-mabuse

vavaMABUSE. Gênio do crime criado por Norbert Jacques (1880-1954). Filmes: 1922 – Dr. Mabuse, o Jogador / Dr. Mabuse, der Spieler. 1933 – O Testamento do Dr. Mabuse / Das Testament des Dr. Mabus, ambos com Rudolf Klein-Rogge. 1960 – Os 1000 Olhos do Dr. Babuse / Die Tausend Augen des Dr. Mabuse. 1961 – Nas Garras do Dr. Mabuse / Im Stahinetz des Dr. Mabuse. 1962 – O Invisível Dr. Mabuse / Die unsichtbaren Krallen des Dr. Mabuse. O Testamento do Dr. Mabuse / Das Testament des Dr. Mabuse. 1963 -Scotland Yard jagt Dr. Mabuse. 1965 – Die Todesstrahlen des Dr. Mabuse, todos com Wolfgang Preiss. 1970 – La Venganza del Dr. Dr. Mabuse com Jack Taylor.

Pierre Renoir em La Nuit du Carrefour

Pierre Renoir em La Nuit du Carrefour

Harry Baur como Maigret

Harry Baur como Maigret

Charles Laughton como Maigret

Charles Laughton como Maigret

Gino Cervi como Maigret

Gino Cervi como Maigret

Georges Simenon e Jean Gabin

Georges Simenon e Jean Gabin

JULES MAIGRET. Comissário de polícia criado por Georges Simenon (1903-1989). Filmes: 1932 – La Nuit du Carrefour com Pierre Renoir. Le Chien Jaune com Abel Tarride. 1933 – La Tête d’un Homme com Harry Baur. 1944 – Cécile est Morte. 1945 – Les Caves du Majestic, ambos com Albert Préjean. 1949 – Fugitivo da Guilhotina / The Man on The Eiffel Tower com Charles Laughton. 1956 – Maigret dirige l’enquête com Maurice Manson. 1958 – Assassino de Mulheres / Maigret tend un piège. 1959 – O Castelo do Mêdo / Maigret et l’affaire Saint Fiacre, ambos com Jean Gabin. Maigret, Série de TV britânica com Rupert Davies. 1960 – Liberty Bar, telefime com Louis Arbessier.1963 – Inspetor Maigret Acerta / Maigret Voit Rouge com Jean Gabin. 1964 – Le Inchiesta del Comissario Maigret. Série de TV com Gino Cervi. Afera Saint Fiacre, telefime iugoslavo com Ljuba Tadic. Maigret. Série de TV belga com Jan Teulings. Maigret: De kruideniers, filme holandês com Kees Brusse. 1965 – Maigret, and the Lost Life (BBC Sunday Night Theatre) com Basil Sidney. Maigret at Bay (BBC Play of the Month) com Rupert Davies. 1966 – Maigret em Pigalle / Maigret a Pigalle com Gino Cervi. Maigret und sein grosster com Heinz Rühman. 1967 – Les Enquêtes du Commissaire Maigret. Série de TV com Jean Richard. 1974 – Megre I staraya dama. Filme russo com Boris Tenin.

Pat O'Brien, George Murphy e Carole Landis em Um Crime Maravilhoso

Pat O’Brien, George Murphy e Carole Landis em Um Crime Maravilhoso

Brian Donlevy em Deusa do Mal

Brian Donlevy em Deusa do Mal

James Whitmore e Marjorie Main em Trem de Surpresas

James Whitmore e Marjorie Main em Trem de Surpresas

JOHN J. MALONE. Advogado detective criado por Georgiana Ann Randolph Craig (1908-1957) sob o pseudônimo de Craig Rice. Filmes: 1945 – Um Crime Maravilhoso / Having a Wonderful Crime com Pat O’Brien. 1949 – Deusa do Mal / The Lucky Stiff com Brian Donlevy. 1950 – Trem de Surpresas / Mrs. O’ Malley and Mr. Malone com James Whitmore. 1951 – The Amazing Mr. Malone, telefilme com Gene Raymond. 1951 – The Amazing Mr. Malone, Série de TV com Lee Tracy.

Warner Oland como Fu Manchu

Warner Oland como Fu Manchu

abcde

Boris Karloff em A Máscara de Fu Manchu

Boris Karloff em A Máscara de Fu Manchu

Henry Brandon no seriado Os Tambores de Fu Manchu

Henry Brandon no seriado Os Tambores de Fu Manchu

Christopher Lee como Fu Manchu

Christopher Lee como Fu Manchu

FU MANCHU / SIR NEYLAND SMITH. Super vilão chinês e inspetor da Scotland Yard criados por Arthur Henry Sarsfield Ward (1883-1959) sob o pseudônimo de Sax Rohmer. Filmes: 1923 – The Mysteries of Dr. Fu Manchu, Série com H. Agar Lyons e Fred Paul. 1929 – O Misterioso Dr. Fu Manchu / The Mysterious Dr. Fu Manchu e 1930 – O Ressucitado ou A Volta de Fu Manchu / The Return of Fu Manchu, ambos com Warner Oland e O. P. Heggie. 1932 – A Máscara de Fu Manchu / The Mask of Fu Manchu com Boris Karloff e Lewis Stone. 1940 – Os Tambores de Fu Manchu / Drums of Fu Manchu, seriado com Henry Brandon e William Royle. 1956 – The Adventures of Dr. Fu Manchu, Série de TV com Glenn Gordon e Lester Matthews. 1965 – A Face de Fu Manchu / The Face of Fu Manch, com Christopher Lee e Nigel Green. 1966 – As 13 Noivas de Fu Manchu / The Brides of Fu Manchu e 1967 – A Filha Diabólica de Fu Manchu / The Vengeance of Fu Manchu, ambos com Christopher Lee e Douglas Wilmer. 1968 – The Blood of Fu Manchu. 1969 e The Castle of Fu Manchu, ambos com Christopher Lee e Richard Greene.

Humphrey Bogart e Lauren Bacall em À Beira do Abismo

Humphrey Bogart e Lauren Bacall em À Beira do Abismo

Dick Powell e Claire Trevor em Até a Vista, Querida

Dick Powell e Claire Trevor em Até a Vista, Querida

George Montgomery e Nancy Guild em A Moeda Trágica

George Montgomery e Nancy Guild em A Moeda Trágica

Robert Montgomery em A Dama do Lago

Robert Montgomery em A Dama do Lago

James Garner em Detetive Marlowe em Ação

James Garner em Detetive Marlowe em Ação

Elliott Gould em Um Perigoso Adeus

Elliott Gould e Nina Van Pallandt em Um Perigoso Adeus

Robert Mitchum e Charlotte Rampling em O Último dos Valentões

Robert Mitchum e Charlotte Rampling em O Último dos Valentões

PHILIP MARLOWE. Detetive particular criado por Raymond (Thorton) Chandler (1888-1959). Filmes: 1945 – Até a Vista, Querida / Murder my Sweet com Dick Powell. 1946 – À Beira do Abismo / The Big Sleep com Humphrey Bogart. A Dama do Lago / Lady in the Lake com Robert Montgomery. 1947 – A Moeda Trágica / The Brasher Doubloon com George Montgomery. 1969 – Detetive Marlowe em Ação / Marlowe com James Garner. 1973 – Um Perigoso Adeus / The Long Goodbye com Elliott Gould. 1975 – O Último dos Valentões / Farewell My Lovely. 1978 – A Arte de Matar / The Big Sleep.

Margaret Rutherford, Miss Marple

Margaret Rutherford, Miss Marple

MISS JANE MARPLE. Detetive particular do sexo feminino criado por Agatha Christie (1890-1976). Filmes: 1961 – Quem Viu, Quem Matou / Murder, She Said. 1963 – Sherlock de Saias / Murder at the Gallop. 1964 – Crime sobre Crime / Must Most Foul. 1969 – Crime a Bordo / Murder Ahoy, todos com Margaret Rutherford.

detetive-perrymason

detetives-sttuterring-bishop

aacorte

Raymond Burr e Barbara Hale na Série de TV Perry Mason

Raymond Burr e Barbara Hale na Série de TV Perry Mason

PERRY MASON. Advogado-detetive criado por Erle Stanley Gardner (1889-1970). 1934 – O Caso do Cão Uivador / The Case of the Howling Dog. 1935 – A Noiva Curiosa / The Case of the Curious Bride. O Caso das Pernas Bonitas / The Case of the Lucky Legs. 1936 – Garras de Veludo / The Case of the Velvet Claws, todos com Warren William. O Mistério do Gato Preto / The Case of the Black Cat com Ricardo Cortez. 1937 – O Mistério da Doca / The Case of the Stuttering Bishop com Donald Woods. 1957 – Perry Mason, Série de TV com Raymond Burr 1957. 1973 The New Perry Mason, Série de TV com com Monte Markham.

aaaaaa

Paul Meurisse como Comandante Théobald Dromard, Le Monocle Noir

Paul Meurisse como Comandante Théobald Dromard, Le Monocle Noir

LE MONOCLE NOIR. Agente secreto Comandante Théobald Dromard, criado por Gilbert-Léon Renault (1904-1984) sob o pseudônimo de Rémy. 1961 – Le Monocle Noir. 1962 – Monocle, O Agente Secreto / L’Oeil du Monocle. 1964 – Le Monocle rit jaune, todos com Paul Meurisse.

Peter Lorre como Mr. Moto

Peter Lorre como Mr. Moto

zmoto-poster

MOTO. Detetive japonês criado por John P. (Phillips) Marquand (1893-1960). Filmes: 1937 – O Misterioso Mr. Moto / Think Fast, Mr. Moto. Obrigado, Mr. Moto / Thank You, Mr. Moto. 1938 – O Palpite de Mr. Moto / Mr. Moto’s Gamble. Mr. Moto se Aventura / Mr. Moto Takes a Chance. 1939 – A Fuga de Mr. Moto / Mysterious Mr. Moto. Mr. Moto Chega a Tempo / Mr. Moto’s Last Warning. Mr. Moto na Ilha do Terror / Mr. Moto in Danger Island. Mr. Moto em Férias / Mr. Moto Takes a Vacation, todos com Peter Lorre. 1965 – The Return of Mr. Moto com Henry Silva.

Aline MacMahon em Enquanto o Doente Dormia

Aline MacMahon em Enquanto o Doente Dormia

detetives-patient-in-room-18-poster

Ann Sheridan em A Dama do Quarto Número 18

Ann Sheridan em A Dama do Quarto
Número 18

NURSE KEATE. Enfermeira detetive amadora Sarah Keate (às vêzes chamada de Sally Keating) criada por Mignon G. (Good) Eberhart (1899-1996). Filmes: 1935 – Enquanto o Doente Dormia / While The Patient Slept com Aline MacMahon. 1936 – A Morte do Dr. Harrigan / The Murder of Dr. Harrigan com Kay Linaker. Murder by an Aristocrat com Marguerite Churchil. 1938 – A Dama do Quarto Número 18 / Patient in Room 18. A Chave do Mistério / Mystery House, ambos com Ann Sheridan.

yoss-117-poster

Ivan Desny como OSS 117

Ivan Desny como OSS 117

OSS 117. Agente secreto Hubert Bonisseur de La Bath criado por Jean Brochet (1921-1963) sob o pseudônimo de Jean Bruce. Filmes: 1956 – OSS 117 n’est pas mort com Ivan Desny. 1962 – O Agente OSS 117 / Furia à Bahia pour OSS 117 com Fredrick Stafford. 1963 – Pânico em Bangkok / Banco à Bangkok pour OSS 117. OSS 117 / OSS 117 se déchaine, ambos com Kerwin Mathews. 1966 – Código 117, Sabotagem Atômica / Atout coeur à Tokyo com Fredrick Stafford. 1968 – Assassinos de Aluguel / Niente rose per OSS 117 com John Gavin. 1970 – Verão de Fogo / OSS 117 prend des vacances com Luc Merenda.

Michael Caine em Arquivo Confidencial

Michael Caine em Arquivo Confidencial

HENRY PALMER (Harry Palmer no cinema). Agente secreto criado por Leonard Cyril Deighton sob o pseudônimo de Len Deighton (1929 –  ). Filmes: 1965 – Ipcress: Arquivo Confidencial / The Ipcress File. 1966 – Funeral em Berlim / Funeral in Berlin. 1967 – O Cérebro de um Bilhão de Dólares / Billion Dollar Brain, todos com Michael Caine.

vvvv-palmun

PALMUN. Comissário finlandês Frans J. Palmu criado por Mika Waltari (1908-1979). Filmes: 1960 – Komisario Palmun Erehdys. 1961 – Kaasua Komisario Palmun! 1962 – Tähdet kertovak, Komisario Palmun, todos com Joel Rinne.

Albert Finney como Poirot

Albert Finney como Poirot

kkkkkkkmurder-poster

HERCULE POIROT. Detetive criado por Agatha Christie. 1965 – Os crimes do Alfabeto / The Alphabeet Murders com Tony Randall. 1962 – Hercule Poirot, ep. da Série de TV General Electric Theater com Martin Gabel. 1974 – Assassinato no  Orient Express / Murder on the Orient Express com Albert Finney.

baba

CONTINENTAL EXPRESS (aka THE SILENT BATTLE), John Loder, Valerie Hobson, Rex Harrison, 1939

CONTINENTAL EXPRESS (aka THE SILENT BATTLE), John Loder, Valerie Hobson, Rex Harrison.

LE POISSON CHINOIS. Agente secreto Capitão Jacques Sauvin criado por Jean Bommart (1894-1979). Filmes: 1937 – A Batalha em Segredo / La Bataille Silencieuse com Michel Simon. 1939 – The Silent Battle  ou The Continental Express com Rex Harrison.

 

PERSONAGENS DO ROMANCE POLICIAL NO CINEMA E NA TV – I

November 25, 2016

O romance policial nasceu com Edgar Allan Poe, embora alguns historiadores do gênero apontem o Édipo de Sófocles e o Zadig de Voltaire. O Auguste Dupin de Poe ensejou o nascimento do M. Lecoq de Émile Gaboriau que, por sua vez, inspirou o Sherlock Holmes de Arthur Conan Doyle. Oriundo do folhetim, o gênio do crime, no estilo de Rocambole e depois de Fantômas ou Fu Manchu, cedeu lugar para o ladrão cavalheiro personificado por Raffles e Arsène Lupin, e continuado pelo Lobo Solitário ou pelo Santo. Nos anos trinta, surgiu o detetive amador dândi como Lord Peter, o filho de um comissário de polícia como Ellery Queen, um advogado como Perry Mason, um jornalista como Rouletabille, um cultivador de orquídeas como Nero Wolf, um detetive chinês como Charlie Chan ou de descendência eslava como M. Wens. O Hercule Poirot de Agatha Christie levou ao apogeu o tipo de romance baseado em um enigma e S. S. Van Dine, autor de Philo Vance, estabeleceu as regras do gênero, que Georges Simenon desrespeitou, criando Maigret, comissário de polícia profundamente humano. No decorrer desses mesmos anos trinta desenvolveu-se nos Estados Unidos, notadamente nos pulp magazines como a revista Black Mask, um novo estilo, o hard boiled, cujos representantes mais famosos foram o detetive Sam Spade de Dashiell Hammett, o Philip Marlowe de Raymond Chandler, e depois o Mike Hammer de Mickey Spillane. Surgiram ainda os agentes secretos como Mr. Moto, Bulldog Drummond e o James Bond de Ian Fleming bem como inúmeros outros personagens da literatura policial, cujas filmografias procuro organizar em ordem alfabética, mas só até 1975, excluindo aqueles oriundos dos programas de rádio, dos quadrinhos ou diretamente do cinema os quais poderão ser encontrados no meu artigo de 26 de novembro de 2010: As Grandes Séries Policiais Americanas dos Anos 30 / 40.

                                                                                        FILMOGRAFIAS

LEW ARCHER. Detetive particular criado por Kenneth Millar (1915-1983) sob o pseudônimo de Ross MacDonald. Filmes: 1966 – Caçador de Aventuras / Harper. 1975 – A Piscina Mortal / The Drowning Pool, ambos com Paul Newman com o nome de Lew Harper.

Paul Newman como Lew Harper

Paul Newman como Lew Harper

 MARTIN BECK. Inspetor de polícia sueco criado por Per Wahlöö (1935 – ) e Maj Sjöwall (1926-1975). Filmes: 1973 – Matança em San Francisco / The Laughing Policeman com Walter Matthau (com o nome de Jake Martin). 1976 – Mannen Pa Taket com Carl-Gustaf Lindstadt.

Walter Matthau em The Laughing Policeman

Walter Matthau em The Laughing Policeman

detetives-martin-beck-laughing-policeman

Carl- em Mannen pa tapete

Carl-Gustaf LIndstadt em Mannen pa taket

martin-beck-poster

FRÉDÉRICK BELOT. Inspector de polícia criado por Eugène Avtzin (1901- 1992) sob o pseudônimo de Claude Aveline. Filmes: 1964 – L’Abonné de la ligne U, Série de TV com Jacques Dacqmine.

detetives-f-belot

BOSTON BLACKIE. Ex-ladrão que se tornou detetive criado por Jack Boyle (1881-1928). Filmes: 1918 – A Centelha do Bem / Boston Blackie’s Little Pal com Bert Lytell. 1919 – Minha Adoração / The Poppy Girl’s Husband com Walter Long. Ladrão de Luva de Pelica / The Silk Lined Burglar com Sam De Grasse. Redenção / Blackie’s Redemption com Bert Lytell. 1922 Digna do Meu Amor / Missing Millions com David Powell. Volúpia e Ouro / The Face in the Fog com Lionel Barrymore. 1923 – O Suplício da Água /Boston Blackie com William Russell. 1923 – Caminho Tortuoso / Crooked Alley com Thomas Carrigan. 1924 – Os Três Apaches / Through the Dark com Forrest Stanley. 1927 – A Vitória do Bem / The Return of Boston Blackie com Bob Custer sob o nome de Raymond Glenn. 1941 – Rastro nas Trevas / Meet Boston Blackie. O Segrêdo da Estátua / Confessions of Boston Blackie. 1942 – Vingança Frustrada / Alias Boston Blackie. Aventura em Hollywood / Boston Blackie Goes Hollywood. 1943 – Aventura à Meia-Noite / After Midnight With Boston Blackie. Sendas Tortuosas / The Chance of a Lifetime. 1944 – O Caso do Diamante Azul / One Mysterious Night. 1945 – Suspeita Injusta / Boston Blackie Booked on Suspicion. 1945 – A Chantagista / A Close Call for Boston Blackie. O Segredo de Ann Duncan / The Phantom Thief. Noite de Surpresas / Boston Blackie’s Rendezvous. 1946 – Mágico Amador / Boston Blackie and the Law. 1948 – O Triunfo de Boston Blackie / Trapped by Boston Blackie. 1949 – Boston Blackie no Bairro Chinês. Boston Blackie’s Chinese Venture, todos com Chester Morris. 1951 – Boston Blackie. Série de TV com Kent Taylor.

detetives-lytell

detetives-boston-blackie-william-russell

ave-boston-ii

Chester Morris como Boston Blackie

Chester Morris como Boston Blackie

SEXTON BLAKE. Detetive criado por Harry Blyth (1852-1898) sob o pseudônimo de Hal Meredith. Filmes: 1909 – Sexton Blake. Sexton Blake versus Baron Kettler. Britain’s Secret Treaty, todos com Charles Douglas Carlyle. 1914 – The Mystery of the Diamond Belt, com Philip Kay. 1915 – The Thornton Jewel Mystery. The Great Cheque Fraud. The Counterfeiters. The Stolen Heirloom. todos com Harry Lorraine. 1920 – The Further Exploits of Sexton Blake: The Mystery of the S.S. Olympic e 1922 – Doddington Diamonds, ambos com Douglas Payne. 1928 – The Clue of the Second Goblet. Blake the Lawbreaker. Sexton Blake Gambler. Silken Threads. The Great Office Mystery. The Mystery of the Silent Death, todos com Langhorne Burton. 1935 – Sexton Blake and the Bearded Doctor. Sexton Blake and the Mademoiselle. 1938 – Sexton Blake and the Hooded Terror, todos com G. Curzon. 1944 – Meet Sexton Blake e 1945 – The Echo Murders, ambos com D. Farrar. 1959 – Murder at the Site Three, com Geoffrey Toone. 1967-1971 – Série de TV com Lawrence Payne.

George Curzon como Sexton Blake

George Curzon como Sexton Blake

detetives-sexton-blake-eho-postetr

JAMES BOND. Agente secreto criado por Ian Fleming (1908-1964). Filmes: com Sean Connery: 1962 – O Satânico Dr. No / Dr. No. 1963 – Moscou Contra 0007 / From Russia with Love. 1964 – 007 Contra Goldfinger / Goldfinger. 1965 – 007 Contra a Chantagem Atômica / Thunderball. 1966 – Com 007 Só Se Vive Duas Vêzes / You Only Live Twice. 1971 – 007 – Os Diamantes São Eternos / Diamonds are Forever. 1983 – 007 – Nunca Mais Outra Vez / Never Say Never Again; com Roger Moore: 1973 – Com 007 Viva e Deixe Viver / Live and Let Die. 1974 – 007 Contra o Homem da Pistola de Ouro / The Man with the Golden Arm.

detetives-no

detetives-conneryNESTOR BURMA – Detetive criado por Léo Malet (1909-1996). Filmes: 1945 – 120 Rue de la Gare, com René Dary. 1954 – La Nuit d’Austerlitz, telefilme com Daniel Soriano.

detetives-nestor-burma-poster

 SLIM CALLAGHAN. Detetive particular criado por Reginald Evelyn Peter Southouse Cheyney (1896-1951) sob o pseudônimo de Peter Cheyney. 1948 – Uneasy Terms com Michael Rennie. 1952 – Meet Mr. Callaghan, telefilme britânico com Terence de Marney. 1954 – Meet Mr. Callaghan com Derrick de Marney. 1955 – A Toi de jouer Callaghan. Plus de Whisky pour Callaghan. 1961 – Callaghan remet ça, todos com Tony Wright.

detetives-meet-mr-callaghan-de-marney

STEVE CARELLA. Detetive criado por Salvatore A. Lombino (1926-2005) sob o pseudônimo de Ed McBain e/ ou Evan Hunter. FILMES: 1958 – Cercados pela Polícia / Cop Hater. 1961 – 87th Precinct, Série de TV com Robert Lansing. 1970 – Aliados contra o Crime / Fuzz com Burt Reynolds. 1971 – Sem Motivo Aparente / Sans Mobile Apparent com Jean Louis Tritignant (com o nome de Stéphane Carelli). 1978 – Laços de Sangue / Les Liens de Sang com Donald Sutherland.

detetives-nick-carter-poster

Walter Pidgeon como Nick Carter

Walter Pidgeon como Nick Carter

detetives-nick-carter-poster-wpidgeon

NICK CARTER. Detetive criado por John Russel Coryell (1848 – 1924). Filmes: 1908 – Série Nick Carter com Pierre Bressol (Nick Carter / Nick Carter, Le Roi des Detectives / 1908 e Novos Expedientes ou Novas Façanhas de Nick Carter / Les Nouveaux Exploits de Nick Carter / 1909). 1920 – Série Nick Carter com Thomas Carrigan. 1922 – Série Nick Carter com Edmund Lowe. 1939 – Nick Carter, Super-Detetive / Nick Carter, Master Detective. 1940 – Nick Carter nos Trópicos / Phantom Raiders e Nick Carter nas Nuvens /Sky Murder, todos com Walter Pidgeon. 1963 – Nick Carter va tout casser e 1965 – Carter et le trèfle rouge, ambos com Eddie Constantine. Por curiosidade, lembro a série Nick Winter de filmes “cômicos policiais” parodiando Nick Carter, exibida com sucesso no Brasil.

caca

Eddie Constantine e Anna Karina em Alphaville

Eddie Constantine e Anna Karina em Alphaville

LEMMY CAUTION. Agente do FBI criado por Reginald Evelyn Peter Southouse Cheyney (1896-1951) sob o pseudônimo de Peter Cheyney. 1953 – Brotinho Venenoso / La Môme Vert-de-Gris. Cet Homme est Dangereux, ambos com Eddie Constantine. 1954 – Les Femmes s’en balancent com Eddie Constantine. 1955 – Vous pigez? 1960 – Ça va être ta fête. Comment qu’elle est. 1962 – Um Crime na Riviera / Lemmy pour les dames. 1963 – À Toi de faire mignonne, 1965 – Alphaville / Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution, todos com Eddie Constantine.

CHARLIE CHAN. Detetive de origem chinêsa criado por Earl Derr Bigger (1884 -1933). Filmes: Charlie Chan será objeto de um artigo especial.

baba

CHANTECOQ. Detetive criado por Arthur Bernède (1871-1937). Filmes: 1926 – O Fantasma do Louvre / Belphégor con René NavarreL 1965 – Belphégor, Minissérie de TV com René Dary (mas o nome do personagem foi mudado para Comissário Ménardier).

Myrna Loy e William Powell como Nora e Nick Charles

Myrna Loy e William Powell como Nora e Nick Charles

detetives-nick-and-nora-posterNICK e NORA CHARLES. Dupla de detetives amadores criados por Dashiell Hammett (1894-1961). Filmes: 1934 – A Ceia dos Acusados / The Thin Man. 1936 – A Comédia dos Acusados / After the Thin Man. 1939 – O Hotel dos Acusados / Another Thin. 1941 – A Sombra dos Acusados / Shadow of the Thin Man. 1944 – The Thin Man Goes Home / O Regresso Daquele Homem. 1947 – A Canção dos Acusados / Song of the Thin Man, todos com William Powell e Myrna Loy. 1957 – Série de TV com Peter Lawford e Phyllis Kirk.

aba

COCKRILL. Inspetor de polícia criado por Mary Christianna Lewis (1907-1988) sob o pseudônimo de Christianna Brand. Filmes: 1947 – Verde Passional / Green for Danger com Alastair Sim.

aca

Cena de Big Circus Queen

Cena de Big Circus Queen

THATCHER COLT. Comissário de polícia criado por Charles Foulton Oursler (1893-1952) sob o pseudônimo de Anthony Abbott. Filmes: 1932 – A Dama do Cabaré / Night Club Lady. 1933 – The Circus Queen Murder, ambos com Adolphe Menjou.

asa

COPLAN – Agente secreto Francis Coplan criado por Jean Libert (1913-1981) e Gaston Van den Panhuyse (1913-1981) sob o pseudônimo de Paul Kenny. Filmes: 1957 – Mulheres e Espiões / Action Immédiate com Henri Vidal. 1964 – Coplan prend des risques com Dominique Paturel. O Agente Secreto FX-18 Ataca / Coplan Agent Secret F. X.18 com Ken Clark. 1965 – 0777-Missão Summergame / Coplan F.X.18 casse tout com Richard Wyler. 1966 – O777 ataca no México / Coplan ouvre le feu à Mexico com Lang Jeffries. 1968 – O Assassino tem as horas Contadas / Coplan sauve sa peau com Claudio Brook.

detetives-nader-nader

JERRY COTTON. Agente do FBI criado por Hans Werner Hoeber (1931-1996)   Filmes: 1965 – Jerry Cotton, o Agente Secreto / Schüsse aus dem Geigenkasten. Mordnacht in Manhattan. 1966 – Die Rechnung – eiskalt serviert. Um Null Uhr schnappt di falle zu. 1967 – Der Mörderclub von Brooklyn. 1968 – Der Tod im Toten Jaguar. Dynamit in grüner Seide. 1969 – Todesschüsse am Broadway, todos com George Nader.

ave-lady-in-the-morgue

BILL CRANE. Detetive criado por Jonathan Latimer (1906-1983). Filmes: 1937 – Aventura Cavalheiresca / The Lady in the Morgue. 1938 – O Caso Westland / The Westland Case e O Último Aviso / The Last Warning, todos com Preston Foster e fazendo parte da Crime Club series.

ata

detetives-nancy-drew-cena

nancy-drew

NANCY DREW. Detetive amadora juvenil criada pelo editor Edward Stratemeyer, sendo que os livros foram escritos por vários ghost writers e publicados sob o pseudônimo coletivo Carolyn Keene. Filmes: 1938 – Nancy Drew, a Detetive. 1939 – Nancy Drew, a Reporter / Nancy Drew Reporter. Nancy Drew Desvenda um Crime / Nancy Drew Troubleshooter. Nancy Drew e a Escada Secreta / Nancy Drew and the Hidden Staircase, todos com Bonita Granville. 1977 – The Hardy Boys / Nancy Drew Mysteries. Série de TV com Pamela Sue Martin e depois Janet Louise Johnson.

Ronald Colman como Bulldog Drummond

Ronald Colman como Bulldog Drummond

Ray Milland como Bulldog Drummond

Ray Milland como Bulldog Drummond

ave-bulldog-howard

BULLDOG DRUMMOND. Agente secreto Capitão Hugh Drummond, criado por Herman Cyril McNeile (1888-1937) sob o pseudônimo de Sapper. Filmes: 1923 – Bulldog Drummond com Carlyle Blackwell. 1925 – Bulldog’s Drummond Third Round com Jack Buchanan. 1929 – Amante de Emoções / Bulldog Drummond com Ronald Colman. 1930 – Temple Tower com Kenneth MacKenna. 1934 – The Return of Bulldog Drummond com Ralph Richardson. 1937 – A Volta de Bulldog Drummond / Bullddog Drummond Strikes Back com Ronald Colman. 1937 – Evasão de Bulldog Drummond / Bulldog Drummond Escapes com Ray Milland. Bulldog Drummond Reaparece / Bulldog Drummond Comes Back. A Vingança de Bulldog Drummond / Bulldog’s Drummond Revenge. 1938 – Bulldog Drummond em Perigo / Bulldog’s Drummond Peril. Bulldog Drummond na África / Bulldog Drummond in Africa. Rende-te Drummond! / Arrest Bulldog Drummond. 1939 – O Tesouro de Bulldog Drummond / Bulldog’s Secret Police. O Casamento de Bulldog Drummond / Bulldog’s Drummond Bride, todos com John Howard. 1947 – Bulldog Drummond Detetive / Bulldog Drummond at Bay. Bulldog Drummond Ataca / Bulldog Drummond Strikes Back, ambos com Ron Randell. 1948 – O Desafio / The Challenge. 13 Soldadinhos de Chumbo / 13 Lead Soldiers, ambos com Tom Conway. 1951 – Londres a Meia-Noite / Calling Bulldog Drummond com Walter Pidgeon. 1952 – Bulldog Drummond com Robert Beatty. 1967 – Bonecas que Matam / Deadlier Than the Male. 1969 – Some Girls Do, ambos com Richard Johnson.

homicide-for-3

PETER e IRIS DULUTH. Detetives amadores criados por Richard Wilson Webb (1902-1965) sob o pseudônimo de Patrick Quentin. Filmes: 1948 – Crime Perfeito / Homicide for Three com Warren Douglas e Audrey Lang. 1954 – A Viúva Negra / The Black Widow com Van Heflin e Gene Tierney (com os nomes de Peter e iris Denver).

Cena de Os Assassinatos da Rua Morgue

Cena de Os Assassinatos da Rua Morgue

murder-morgue-ii

AUGUSTE DUPIN – Detetive criado por Edgar Allan Poe (1809-1849). Filmes: Os Assassinatos da Rua Morgue / Murders in the Rue Morgue, com Leon Ames com o nome de Pierre Dupin. 1942 – O Mistério de Marie Roget / The Mystery of Marie Roget com Patrick Knowles. 1954 – O Fantasma da Rua Morgue / Phantom of the Rue Morgue, com Steve Forrest. 1973 – Le Double Assassinat de la Rue Morgue com Daniel Gélin.

detetives-saint-poster-best

Tom Conway e George Sanders

Tom Conway e George Sanders

ave-falcon-bestTHE FALCON. Detetive particular Gay Laurence criado por Dirkan Koyoumdjian (1895-1956) sob o pseudônimo de Michael Arlen. Filmes: 1941 – O Falcão Alegre / The Gay Falcon. Um Encontro com o Falcão / A Date With the Falcon. 1942 – Nas Garras do Falcão / The Falcon Takes Over, todos com George Sanders. O Irmão do Falcão / The Falcon’s Brother. 1943 – O Falcão Contra-Ataca / The Falcon Strikes Back. O Falcão em Perigo / The Falcon in Danger. O Falcão e as Estudantes / The Falcon and the Co-Eds. 1944 – O Anel da Morte / The Falcon Goes West. O Mistério do Morto / The Falcon in Mexico. O Falcão em Hollywood/ The Falcon in Hollywood. 1945 – O Falcão em San Francisco. 1946 – O Álibi do Falcão / The Falcon’s Alibi. A Aventura do Falcão / The Falcon’s Adventure, todos com Tom Conway. 1948 – Carga Sinistra / The Devil’s Cargo. Encontro com a Morte / Appointment With Murder. 1949 – Search for Danger, ambos com John Calvert. 1954 – Adventures of the Falcon, Série de TV com Charles McGraw.

Fantomas / 1913-14

Fantomas / 1913-14

detetives-fantomas-marcel-herrandposter

Jean Marais como Fantomas

Jean Marais como Fantomas

FANTÔMAS / JUVE – Gênio do crime e comissário do polícia criados por Pierre Souvestre (1874-1914) e Marcel Allain (1885-1969). 1913-1914 – Fantomas / Fantômas, seriado com René Navarre e Edmond Bréon. 1920 – Fantomas / Fantomas, seriado com Edward Roseman e 1932 – Fantômas, com Jean Galland e Thomy Bourdelle. 1945 – Fantomas / Fantômas com Marcel Herrand e Alexandre Rignault. 1949 – Fantômas Contre Fantômas com Maurice Teynac e Alexandre Rignault. 1964 – Fantomas / Fantômas. 1965 – A Volta de Fantomas / Fantômas se Dechaine. 1967 – Fantomas contra a Scotland Yard / Fantômas contre Scotland Yard, todos com Jean Marais e Louis des Funès.

Hugh Sinclair, Francis L. Sullivan, griffith jones, frank lawton em the Four Just Men

Hugh Sinclair, Francis L. Sullivan, Griffith Jones, Frank Lawton em the Four Just Men

four-just-poster

Richard Conte, Dan Dailey, Jack Hawkins e Vittorio de Sica em The Four Just Men (Série de TV)

Richard Conte, Dan Dailey, Jack Hawkins e Vittorio de Sica em The Four Just Men (Série de TV)

THE FOUR JUST MEN. Quatro justiceiros (Jeff Ryder, Tim Collier, Ben Manfred, Ricco Poccari) criados por Edgar Wallace (1875 – 1932). Filmes: 1921 – The Four Just Men com Cecil Humphreys, Teddy Arundell, C. H. Croker-King, Owen Roughwood. 1939 – The Four Just Men com Hugh Sinclair, Griffith Jones, Francis L. Sullivan, Frank Lawton. 1959 – The Four Just Men. Série de TV com Richard Conte, Dan Dailey, Jack Hawkins, Vittorio de Sica.

Jack Hawkins como Inspetor Gideon

Jack Hawkins como Inspetor Gideon

jack-poster

GEORGE GIDEON – Inspetor da Scotland Yard criado por John Creasey (1908-1973)   sob o pseudônimo de J. J. Marric. Filmes: 1958 – Um Crime por Dia / Gideon’s Day. 1964. 1966 – Gideon’s Way, Série de TV com John Gregson.

gorila-poster-melhor-de-todos

LE GORILLE (Géo Paquet). Agente secreto criado por Dominique Ponchardier (1917-1986), sob o pseudônimo de Antoine L. Dominique. Filmes: 1957 – Gorila Le Gorille Vous Salue Bien com Lino Ventura. 1959 – Ninho de Espiões / La Valse du Gorille. 1962 e Le Gorille a Mordu L’Archevêque, com Roger Hanin.

jury

MIKE HAMMER. Detetive particular criado por Frank Morrison (1918 – 2006) sob o pseudônimo de Mickey Spillane. Filmes: 1953 – Eu, o Júri / I, The Jury com Biff Elliott. 1954 – Mickey Spillane’s Mike Hammer, telefilme com Brian Keith. 1955 – A Morte num Beijo / Kiss Me Deadly com Ralph Meeker. 1957 – Meu Revólver Nunca Falha / My Gun is Quick com Robert Bray. 1958-1959 – Mike Spillane’s Mike Hammer, Série de TV com Darren McGavin, 1963 – Caçadores de Mulheres / The Girl Hunters com Mickey Spillane. 1970.

maison

house-arrowpoter

HANAUD. Inspetor de Polícia criado por Alfred Edward Woodley Mason (A.E.W. Mason). Filmes: 1920 – At the Villa Rose com Teddy Arundell. 1930 – La Maison de la Flèche com Léon Mathot (com o nome de Langeac em vez de Hanaud). At the Villa Rose com Austin Trevor. The House of the Arrow com Dennis Neilson-Terry. 1940 – At the Villa Rose com Kenneth Kent. 1948 – At the Villa Rose, telefilme com Anthony Holles. 1953 – The House of the Arrow com Oskar Homolka.

SHERLOCK HOLMES. Detetive particular criado por Arthur Conan Doyle (1859-1930). Filmes: Sherlock Holmes será objeto de um artigo especial.

judex-poster

Cena de Judex / 1916

Cena de Judex / 1916

judex-iiJUDEX (Jacques de Tremeuse). Justiceiro criado por Arthur Bernède (1871-1937). Seriados 1916 – Judex / Judex e 1917 – A Nova Missão de Judex / La Nouvelle Mission de Judex, ambos com René Cresté. 1933 – Judex 34 com René Ferté. 1963 com Channing Pollock.

MUTT E JEFF NO CINEMA

November 11, 2016

A série de quadrinhos cômicos criada pelo cartunista Harry Conway (Bud) Fisher em 15 de novembro de 1907, começou a ser publicada em tiras diárias na página de esportes do jornal San Francisco Chronicle com o título de “Mr. A. Mutt Starts In To Play the Races”. O conceito das tiras diárias já havia sido estabelecido em A. Piker Clerk (1903) de Clare Briggs, mas foi com o sucesso de Mutt e Jeff que o formato se consolidaria.

Jeff e Mutt

Jeff e Mutt

Inicialmente, as anedotas foram criadas em torno de Mr. A. (Augustus) Mutt, um sujeito alto, magro e narigudo, fanático por corridas de cavalos, e este seu vício; porém este tema recorrente mudou quando, a partir de 27 de março de 1908, Fisher, já trabalhando para o San Francisco Examiner de William Randolph Hearst, incluiu a figura de Jeff (Edgar Horace Jeffries), um louco baixinho e careca, que se imaginava como o campeão de boxe James Jeffries. Mutt o conheceu em um hospício, para onde foi levado por suspeita de sua vontade de apostar em cavalos ter origem em algum distúrbio mental.

Mutt e seu criador Bud Fisher

Mutt e seu criador Bud Fisher

mutt-jeff-mr-amutt-starts-to-plaey-the-races

O novo personagem retornaria cada vez com mais frequência até passar a dividir o estrelato com o protagonista original. Além do contraste no que diz respeito ao aspecto físico, Mutt e Jeff se diferenciam pelo caráter: Mutt é um oportunista que passa a vida engendrando esquemas para enriquecer rapidamente; Jeff é o inocente estabanado, que faz soçobrar os planos do amigo. Ao final de cada plano fracassado, Jeff transforma-se em alvo da cólera de Mutt, recebendo socos, pontapés, e objetos jogados na sua cara. Juntos, eles se tornaram um arquétipo universal: o par que não combina bem.

 

Bud Fisher

Bud Fisher

O último episódio de A. Mutt desenhado por Fisher para o Chronicle é datado de 10 de dezembro de 1907; no dia seguinte, apareceu seu primeiro episódio para o Examiner. O Chronicle então contratou outro cartunista, Russel Westover, para continuar a série. Entretanto, antes de se transferir para o Examiner, Fisher teve o cuidado de registrar a tira em seu próprio nome, o que impediu o Chronicle de usar outro artista, sendo obrigado a cessar a publicação da série desenhada por Westover em 7 de junho de 1908.

Mutt e Jeff no San Francisco Chronicle

Mutt e Jeff no San Francisco Chronicle

A primeira designação formal “Mutt and Jeff” apareceu na coletânea pioneira da tira de Fisher, The Mutt and Jeff Cartoons, mas o título só foi usado regularmente quando Fisher deixou o jornal de Hearst e seu poderoso distribuidor Kings Feature Syndicate, e aderiu ao Wheeler Syndicate em 15 de setembro de 1915. Esta mudança ocasionou uma disputa judicial, que culminou na Suprema Côrte dos Estados Unidos, perante a qual Fisher obteve a confirmação do direito exclusivo de reproduzir seus personagens e a proteção legal contra imitações por parte de seus competidores. O primeiro Mutt and Jeff colorido na edição dos domingos surgiu depois que o Wheeler Syndicate o distribuiu de costa a costa a partir de 11 de agosto de 1918.

mutt-jeff-cartoons-1919

Desde então, Fisher afastou-se da elaboração diária das tiras, contentando-se em supervisionar o trabalho de seus auxiliaries, entre os quais se destacaram Ed Mack e Al Smith. A tira continuou com a assinatura de Fisher até o seu falecimento em 7 de dezembro de 1954. Daí em diante Al Smith passou a assinar. Ele continuou com o desenho de Mutt e Jeff até 1980, dois anos antes do encerramento da publicação da tira. George Breisacher foi o artista encarregado de desenhar os dois personagens nos dois  últimos anos de sua longa carreira na imprensa. Distribuidos depois pelo Bell Syndicate e em seguida pelo Bell-McClure Syndicate (até a sua fusão com o United Feature Syndicate), os quadrinhos de Mutt e Jeff foram perdendo aos poucos sua vitalidade imaginativa e sua popularidade a partir dos anos quarenta.

mutt-jeff-big-book-goog

mut-jeff-famous-funnies-capa

mutt-jeff-famous-funnies1

Além das tiras, Mutt e Jeff também foram publicados em coletâneas de reedições, inclusive duas em capa dura (v. g. Mutt and Jeff Big Book / 1926; Mutt and Jeff Big Book 2 / 1929) e em revistas em quadrinhos:  eles apareceram primeiramente na capa das revistas Famous Funnies, a Carnival of Comics / 1933 e Famous Funnies #1 / 1934, e foram vistos sucessivamente na All-American Comics, DC Comics, Popular Comics (da Dell Comics) e Harvey Comics (Mutt and Jeff Jones). Em 2007, a NBM publicou um volume com reedições, Forever Nuts: The Early Years of Mutt and Jeff.

mmut-jeff-all-american-comics

mutt-jeff-popular-comics

mutt-jerff-dell-ii-best

mutt-jeff-jokes-harveySurgiram também shows e musicais no teatro (v. g. Mutt and Jeff: A Musical Comedy Song Book / 1912; Mutt and Jeff Divorced / 1920) e até um balé e uma canção intitulada The Funny Paper Blues, que foi um sucesso em 1921.

mutt-jeff-divorced-teatro

Mutt e Jeff no teatro de revista americano

Mutt e Jeff  no teatro musicado americano

No Brasil, Mutt e Jeff apareceram através dos tempos nas revistas Tico-Tico, Suplemento Juvenil e O Juquinha, e em vários jornais até os anos oitenta (v. g.  Estado de São Paulo, Diário Carioca, Diário da Noite, Correio da Manhã, Última Hora) e, entre 1938 e 1943, em uma coleção (intitulada Biblioteca Mirim) de livros no formato 9×11,5 (também chamados de “tijolinhos”), inspirados nos Big Little Books americanos, e publicados pelo Grande Consórcio de Suplementos Nacionais de Adolfo Aizen. Nos anos setenta, Mutt e Jeff saíram também em livros / revistas da editora Saber e Artenova.

muujeff-o-juuquinha

captura-de-tela-2016-10-31-as-15-44-45

Mutt e Jeff no Correio da Manhã

Mutt e Jeff no Correio da Manhã

Coleção Mirim

Coleção Mirim

Um fato curioso que marcou a “nacionalização” de personagens estrangeiros n’O Tico-Tico foi a liberdade  em se incluir personagens  de uma série em outra de um autor diferente. Isso ocorreu com Mutt e Jeff, colocados ao lado do Chiquinho em aventuras desenhadas por artistas brasileiros.

Cena de filme curto ao vivo de Mutt e Jeff

Cenas de filme curto ao vivo de Mutt e Jeff

Cena de filme curto ao vivo de Mutt e Jeff

muttjeff-filme-de-alchristie

Em julho de 1911, durante a época do cinema mudo, Al Christie realizou, para  a Nestor Film Company  de David Horsley, filmes curtos de um rolo com ação ao vivo baseados nos quadrinhos de Mutt e Jeff. Os primeiros atores que interpretaram os dois famosos personagens foram Sam D. Drane (Mutt) e Gus Alexander (Jeff). Quando Alexander deixou a série, Christie contratou um outro ator baixinho, Bud Duncan, que assumiu os traços de Jeff em dois episódios antes do final da série.

Sam Drane e Gus Alexander

Sam Drane e Gus Alexander

O habitual no cinema mudo era introduzir entre os planos os diálogos escritos dos personagens, mas rompendo com esta norma, Horsley decidiu colocar os textos em uma faixa preta situada na parte inferior da tela, produzindo assim as primeiras legendas do cinema.

Entre 1913 e 1926, a Budd Fisher Film Corporation realizou ao todo 329 desenhos animados de Mutt e Jeff  (os primeiros com a Pathé Frères, distribuidos pela General Film Corporation) e os demais sozinha, com o estúdio Barré-Bower e / ou a Jefferson Corporation, que foram distribuídos sucessivamente pela Celebrated Players, Fox Film Corporation e Short Film Syndicate. Em 1916, Fisher uniu-se com o estúdio dos animadores  Raoul Barré e Charles Bowers. Barré saiu da Budd Fisher Corporation em 1918 e Bowers foi despedido em 1921.  A série continuou sob a marca da Jefferson Corporation, dirigida pelo animador Dick Friel. Alguns cartoons foram refilmados em 1930 no processo Kromocolor e relançados com efeitos sonoros e trilha musical, distribuidos pela Modern Film Sales Corporation.

captura-de-tela-2016-11-02-as-12-17-30

captura-de-tela-2016-10-31-as-18-54-06

Ao folhear jornais antigos, fiquei impressionado com a popularidade dos desenhos de Mutt e Jeff em nosso país. O público adorava os seus cartoons, que eram anunciados como “caricaturas animadas”, e o nome Mutt e Jeff foi dado a uma loja de brinquedos (Casa / Bazar Mutt e Jeff na rua do Ouvidor 162); serviu de pseudônimo dos autores das revuettes (revistinhas apresentadas nos espetáculos mistos de palco e tela) “Sacca-Rolhas”, “O Circo U-Ó-Chin-Ton e “Teia de Aranha”, todas com Alda Garrido, dos atores Alfredo Silva e Asdrubal Miranda (que, como compères, imitaram os personagens de Budd Fisher em “Esta Nêga Qué Me Dá”, uma revista dos Irmãos Quintiliano), e de dois cantores da Radio Sociedade Fluminense; suas figuras foram usadas na promoção dos brinquedos do Bazar Francês na Rua da Carioca 16, em palestra (Goulart de Andrade, reproduzindo um diálogo em que Mutt e Jeff discutem costumes cariocas e a psicologia das duas curiosas espécies humanas: a melindrosa e a almofadinha) e como  título de um livro de crônicas de Benjamin Costallat.

captura-de-tela-2016-11-01-as-23-47-26

captura-de-tela-2016-11-01-as-22-51-48

captura-de-tela-2016-11-01-as-22-43-33

captura-de-tela-2016-11-01-as-22-56-38Entre os desenhos animados de Mutt e Jeff, trazidos ao Brasil pela Fox, encontrei  estes  títulos: De Volta dos Balcãs – Caçadores de Feras – O Tesouro Enterrado – A História de um Porco – O Canhão 150 – O Salva Vidas – O Ocultismo – Barbeiro e Cabelereiro – Aquele Piano –  Os Vigilantes – Os Patinadores –  Investigação Frustrada – Com os Tanks ou Os Tanques – Restaurant à la Minute – O Dentista do Kaiser -Alarme de Ladrões – Caça aos Submarinos – Az e Valete – Salvando-se – Descobrindo um Espião – Eficiência – No Front – El Gran Mazzantini, Olé, Olé! – Aventuras Alpinas – Viagens – Dominando os Bolchevikis – Domando Leões – Rendez-vous com Theda Bara –

muttjeff-poster-com-theda-bara

O Novo Campeão – Negócio  e Acrobacia – Junta de Recrutamento – Sempre a Má-Sorte – Uma Viagem à Volta do Mundo em 9 dias – Salvando Fifi – Domesticando Cães – Panificação, Massas e Biscoitos – Amestrando Cachorros – Ondas e Mulheres Enfurecidas – Fenômenos de Barba – 80.000 Quilômetros com uma Lata de Gasolina – Caranguejo Canalha – Substituindo Tom Mix – A Idade da Pedra – Visões – Entre as Vacas ou Metidos com Vacas – Apanhando uma Herdeira – Assuntos de Teatro – O Seu a Seu Dono – Café Cantante – Salchicheiros – Figuras de Cera – Coice Bem Calculado – Pestes e Prediletos – Ria-se Menino – Luta de Sôcos – Advogado Admirável – Promessa da Professora – No Gélido Norte – Oeste e Leste – Canta o Teu Dó – Na Espanha – O Honesto Vendedor de Livros – Nem Tudo que Reluz é Ouro – Leões e Mais Leões – Santo de Casa não faz Milagres – Uma Rosa com outro Nome – Para Evitar Escândalos – Uma Viagem Confortável – O Crime de Mutt e seu Castigo – Cultivador de Rosquilhas – Por bem ou Por Mal – Fostes Injusto com a Nossa Nell – No País do Gelo ou A Terra do Gelo – Fabricante de Brinquedos – Os Lutadores – Em Greve – Detetive Particular – Pra Evitar Escândalos – Pescando ou Os Pescadores – Os Emprestadores – Espião de Hortelã – Chumbeiros – Na Suiça – Forradores – No Planeta Marte – Casa Mal Assombrada – Ingrediente Perigoso – Uma Tragédia Telefônica – Violino Desafinado – Concurso de Tango – Dança das Tremuras –

mutt-jeff-color-ii-modernscreencorpcaptura-de-tela-2016-11-02-as-12-06-16

Caipiras e Caiporas – As Regatas – Solfa Musical – Elas, Sempre Elas – O Dentista Dengoso – Almas do Outro Mundo – O Preço de um Bom Copeiro – Eles Sempre Eles – Jogo da Bola – Uma Luta de Jeff – Lar, Meu Doce Lar – Água Maravilhosa – Corrida de Bicicleta – Jóquei Honesto – Contra Bandidos – Novas da Semana – Belo Modelo – Instrutores Musicais – Café Bohemio – Reino d’Angola – Jeff, o Terrível – Cantorias – Napoleão – Deixando de Tolices – Esfomeados – A Loja de Alfaiate – Vaqueiros – Bolos Desfolhados – Carestia de Vida – Tônico para Cabelo – Fazendeiro Eficiente – Salvação Épica – Cleopatra – Comércio Bolchevista – Licor Endiabrado – Os Políticos – Desenhistas – Pinta Identificadora – Véspera de Natal – Touradas – O Pequeno Índio – Scherlok Marokian – Fábrica de Cola-Tudo – Lição Severa – Chá Frio – Idéia de Loucos ou Idéia de Doido – Caçadores de Leões – Descanço Obrigatório – Pássaro Raro – Ventríloquos – Hipnotizadores – Norte Longínquo – Colheira de Côcos – Viajantes Originais – Leiteiros – Naturalistas – Bomba Infernal – Embriagando Elefantes – Limpador Mecânico – Casco de Tartaruga – Manancial – Socorro! Um Urso – Uma Idéia Chocante – Urubús Espantalhos – Nos Sertões Africanos – Funcionários Postais – Passeio de Auto – As Ninfas – Pintores Desastrados – Os Forçados – No Celeste Império – Corrida dos Diabos – Grande Mistério – Jogo de Boxe – Mastodonte -Antropófagos – Uma Boneca Roubada – Descontentes – Vinho de Maçãs – O Trem dos Demônios – Noite de Natal – Aparador de Cabelos – Casório – Fotógrafos – Viva o Rei – Dedo Colossal – Atoleiro – Um Caso Evidente – O Caixa – Bolsas de Kangurús – A Vingança de Jeff – O Concerto de Jeff – Águas Encantadas – Na Escócia – Alguma Água, Hoje? – Pescarias – Salsicheiros – Salto Mortal – Os Archeiros – Martírios de um Perú – O Pato Mágico – Fazendo Goma – Pelas Alturas – Ginásticos – O Algodoal – Má Situação.

 

 

 

 

 

 

,

 

 

 

 

 

 

FILMES BRASILEIROS DA DÉCADA DE QUARENTA

October 27, 2016

Nenhum periodo do cinema sonoro brasileiro tem o seu estudo mais dificultado do que a década de quarenta, porque a maioria dos filmes nacionais produzidos entre 1940-1949 desapareceu, por fôrça de incêndios em estúdios (v. g. Brasil Vita Filmes  em 1944 e 1957; Sonofilms em 1940) ou cinematecas (v. g. Cinemateca Brasileira – São Paulo em 1957); perdas irreparáveis por deterioração; porque os detentores das cópias que sobreviveram não têm interesse de exibí-las ou de permitir a sua transposição em dvs.

Este artigo rememora os filmes nacionais exibidos entre 1940 e 1949 como uma homenagem aos cineastas que os realizaram e a fim de que essas realizações não sejam esquecidas.

1940

Janeiro:

LARANJA DA CHINA

captura-de-tela-2016-05-31-as-13-20-16

Fevereiro:

O HOMEM QUE NASCEU DUAS VÊZES

captura-de-tela-2016-05-31-as-13-21-31

CISNE BRANCO

captura-de-tela-2016-10-28-as-00-23-30captura-de-tela-2016-05-31-as-14-57-56

Abril:

PEGA LADRÃO

captura-de-tela-2016-05-31-as-13-26-58

Junho:

O DIREITO DE PECAR

captura-de-tela-2016-05-31-as-13-29-03

Julho:

O SIMPÁTICO JEREMIAS

captura-de-tela-2016-05-31-as-14-14-18

Outubro:

PUREZA

captura-de-tela-2016-05-31-as-14-16-29

Dezembro:

E O CIRCO CHEGOU

captura-de-tela-2016-05-31-as-14-17-39

1941

Fevereiro:

CÉU AZUL

captura-de-tela-2016-05-31-as-14-21-59

VAMOS CANTAR

captura-de-tela-2016-05-31-as-14-23-04

Março:

ETERNA ESPERANÇA

captura-de-tela-2016-05-31-as-14-24-19

Setembro

24 HORAS DE SONHO

captura-de-tela-2016-05-31-as-14-29-20

Outubro:

SEDUÇÃO DO GARIMPO

captura-de-tela-2016-10-27-as-22-57-27

Novembro:

O DIA É NOSSO

captura-de-tela-2016-05-31-as-14-30-25

1942

FOOTBALL EM FAMÍLIA

captura-de-tela-2016-05-31-as-15-18-21

Maio:

ARGILA

captura-de-tela-2016-05-31-as-19-11-41

1943

Janeiro:

ASTROS EM REVISTA

captura-de-tela-2016-10-28-as-00-16-48

Fevereiro:

SAMBA EM BERLIM

captura-de-tela-2016-05-31-as-19-33-13

ENTRA NA FARRA

captura-de-tela-2016-05-31-as-19-33-03

Agosto:

CAMINHO DO CÉU

captura-de-tela-2016-05-31-as-19-39-56

Setembro:

MOLEQUE TIÃO

captura-de-tela-2016-06-01-as-11-48-18

1944

Janeiro:

É PROIBIDO SONHAR

captura-de-tela-2016-06-01-as-11-51-35

Fevereiro:

BERLIM NA BATUCADA

captura-de-tela-2016-05-31-as-19-52-24

O BRASILEIRO JOÃO DE SOUZA

captura-de-tela-2016-05-31-as-19-52-45

TRISTEZAS NÃO PAGAM DÍVIDAS

captura-de-tela-2016-05-31-as-19-55-17

Outubro:

ROMANCE DE UM MORDEDOR

captura-de-tela-2016-05-31-as-19-58-53

Novembro:

GENTE HONESTA

captura-de-tela-2016-05-31-as-20-06-40

CORAÇÕES SEM PILOTO

captura-de-tela-2016-05-31-as-23-25-00

Dezembro:

ROMANCE PROIBIDO

captura-de-tela-2016-05-31-as-23-28-26

1945

Janeiro:

NÃO ADIANTA CHORARcaptura-de-tela-2016-10-17-as-15-28-18

Fevereiro:

PIF PAFcaptura-de-tela-2016-10-17-as-15-33-32

Julho:

O CORTIÇO

captura-de-tela-2016-10-27-as-16-29-12

Setembro:

VIDAS SOLIDÁRIAScaptura-de-tela-2016-10-27-as-16-31-51

1946

Fefvereiro:

SEGURA ESTA MULHER

captura-de-tela-2016-10-27-as-16-34-53Abril:

CAÍDOS DO CÉUcaptura-de-tela-2016-10-27-as-16-37-31captura-de-tela-2016-10-27-as-16-37-42

JARDIM DO PECADOcaptura-de-tela-2016-10-27-as-16-39-08

Maio:

SOB A LUZ DO MEU BAIRRO

captura-de-tela-2016-10-27-as-17-10-17

CEM GAROTAS E UM CAPOTE

captura-de-tela-2016-10-27-as-17-12-37

Agosto:

O ÉBRIO

captura-de-tela-2016-10-27-as-17-13-55

Setembro:

FANTASMA POR ACASO

captura-de-tela-2016-10-27-as-17-14-48

Dezembro:

NO TRAMPOLIM DA VIDA

captura-de-tela-2016-10-27-as-17-16-20

1947

Fevereiro:

ESTE MUNDO É UM PANDEIRO

captura-de-tela-2016-10-27-as-17-17-54

Maio:

UMA AVENTURA AOS 40

captura-de-tela-2016-10-27-as-17-20-40

Agosto:

QUERIDA SUZANA

captura-de-tela-2016-10-27-as-17-21-50

Setembro:

LUZ DOS MEUS OLHOS

captura-de-tela-2016-10-27-as-17-23-26

Novembro:

O MALANDRO  E A GRANFINA

captura-de-tela-2016-10-27-as-17-24-35

Dezembro:

O HOMEM QUE CHUTOU A CONSCIÊNCIA

captura-de-tela-2016-10-27-as-17-25-31

1948

Fevereiro:

É COM ESTE QUE EU VOU

captura-de-tela-2016-10-27-as-17-49-02

ESTA É FINAcaptura-de-tela-2016-10-27-as-17-50-11

Abril:

ASAS DO BRASIL

captura-de-tela-2016-10-27-as-17-51-06

INCONFIDÊNCIA MINEIRA

captura-de-tela-2016-10-27-as-17-51-20

Setembro:

OBRIGADO DOUTOR!captura-de-tela-2016-10-27-as-17-53-57

Outubro:

MÃE

captura-de-tela-2016-10-27-as-17-54-32

O CAVALO 13

captura-de-tela-2016-10-27-as-17-55-43

Novembro:

FALTA ALGUÉM NO MANICÔMIO

captura-de-tela-2016-10-27-as-17-56-25

Dezembro:

POEIRA DE ESTRELAS

captura-de-tela-2016-10-27-as-17-57-12

O CAÇULA DO BARULHO

captura-de-tela-2016-10-27-as-17-59-53

1949

Janeiro:

ORA LÁ DE BOA

captura-de-tela-2016-10-27-as-20-08-13 captura-de-tela-2016-10-27-as-20-08-03 captura-de-tela-2016-10-27-as-19-23-31 

Fevereiro:

E O MUNDO SE DIVERTE

captura-de-tela-2016-10-27-as-19-24-32

Maio:

TERRA VIOLENTA

captura-de-tela-2016-10-27-as-19-26-17

Junho:

EU QUERO É MOVIMENTO

captura-de-tela-2016-10-27-as-19-27-21

Agosto:

INOCÊNCIA

captura-de-tela-2016-10-27-as-20-08-03 captura-de-tela-2016-10-27-as-22-39-31

Setembro:

TAMBÉM SOMOS IRMÃOS

captura-de-tela-2016-10-27-as-22-40-27

LUAR DO SERTÃO

captura-de-tela-2016-10-27-as-19-51-37

Outubro:

UM PINGUINHO DE GENTEcaptura-de-tela-2016-10-27-as-20-01-29

UMA LUZ NA ESTRADA

captura-de-tela-2016-10-27-as-20-03-04

Novembro:

NÃO ME DIGA ADEUS

captura-de-tela-2016-10-28-as-11-00-09

IRACEMA, A VIRGEM DOS LÁBIOS DE MEL

captura-de-tela-2016-10-27-as-20-08-48

O HOMEM QUE PASSA

captura-de-tela-2016-10-27-as-20-08-20

Dezembro:

VENDAVAL MARAVILHOSO (CO-PRODUÇÃO BRASILPORTUGAL)

captura-de-tela-2016-10-27-as-20-09-37

CAMINHOS DO SUL

captura-de-tela-2016-10-27-as-20-12-34

ESCRAVA ISAURA

captura-de-tela-2016-10-27-as-20-14-10

 

A OBRA DE F. W. MURNAU III

October 14, 2016

 

Quando Murnau chegou na América em julho de 1926, para trabalhar na Fox Corporation (depois de recusar convites feitos pelas firmas concorrentes Famous Players e Metro-Goldwyn), ele era conhecido quase que exclusivamente como diretor de A Última Gargalhada, o único dos seus dezessete filmes feitos até então, que havia sido distribuído nos Estados Unidos (Fausto, que acabara de ser completado, estreou em Nova York em dezembro de 1926; Tartufo, realizado entre os dois filmes citados, foi lançado em julho de 1927;  O Lobisomem, de 1921, somente chegou  ao público em junho de 1929). A Última Gargalhada, e depois Fausto, conferiram uma grande reputação artística ao diretor germânico e ao ator Emil Jannings, que também seria acolhido por Hollywood.

F. W. Murnau

F. W. Murnau

Em um encontro com Winfield R. Sheehan, gerente geral da Fox, ocorrido em Berlim, ficou ajustado que o primeiro filme de Murnau na companhia seria baseado em uma novela curta de Hermann Sudermann, “Die Reise nach Tilsit” (Viagem a Tilsit), incluída no volume “Litauische Geschichten”(Histórias Lituanas). Murnau obteve o controle criativo completo da produção bem como permissão para trazer Carl Mayer como roteirista, Rochus Gliese como diretor de arte, e Herman Bing (que no futuro seria o engraçadíssimo Zizipoff de A Viúva Alegre / The Merry Widow / 1934 de Ernst Lubitsch) como assistente de direção.

Carl Mayer preferiu voltar para o seu país, enviando depois um roteiro em alemão, traduzido por Hermann Bing para o inglês com o título de The Song of Two Humans, que acabou se convertendo no subtítulo do filme, porque Murnau preferiu dar à sua obra o título de Sunrise, e fazer alterações na história original (v. g. no livro o marido morria afogado na volta para a casa e a esposa sobrevivia, para dar à luz ao filho concebido durante a reconciliação).

Carl Mayer e Murnau

Carl Mayer e Murnau

A decisão de William Fox de contratar Murnau, dando-lhe carta branca para a realização de Aurora / Sunrise / 1927, fazia parte de um plano cuidadosamente armado para elevar o status de seu estúdio no meio da indústria de cinema, pois os filmes  dos diretores alemães eram encarados como expressões de uma visão artística em vez de meros produtos industriais. Aurora foi um dos raros filmes planejados matematicamente para ser uma produção de prestígio e de arte, e resultou em  uma obra de grande calor humano e espontaneidade, um estudo pungente da alma humana.

tua

Murnau quís dar ao seu relato um valor universal, como ele anuncia no começo do filme: “Esta é a história de dois seres humanos. Este canto de um homem e uma mulher é de nenhuma parte e de toda a parte, podemos ouví-lo em todas as épocas e em todo lugar”.  A ação se inicia durante as férias de verão.  Os turistas chegam a um vilarejo bucólico situado às margens de um lago. Uma mulher da cidade, decide estender sua permanência no local, para seduzir um fazendeiro casado. Ela passa diante de sua janela e faz sinal para se encontrarem. O fazendeiro, impaciente e com a consciência pesada, sai de casa furtivamente, deixando sua esposa honesta e leal com seu bebê. Ele caminha através do pântano, a fim de se reunir com a mulher da cidade e, enquanto os dois trocam beijos sob o luar, a esposa, chorando, consola seu bebê. A sedutora urbana pede que o fazendeiro venda sua propriedade  e vá com ela para a cidade. Quando sugere que ele afogue sua esposa, o fazendeiro fica injuriado, e tenta estrangulá-la. Sua fúria termina em um abraço lascivo, após o qual a mulher fatal o instiga com imagens deslumbrantes da cidade.  Eles então tramam matar a esposa dele, simulando um acidente. Na manhã seguinte o fazendeiro convida sua esposa para um passeio de barco. Durante a travessia, ele para de remar, e parte ameaçadoramente em direção a ela. Percebendo a intenção de seu marido, a esposa cruza suas mãos para rezar. Ele então desiste de matá-la, e rema até a margem. Em terra, a esposa foge, e entra em um bonde, seguida pelo marido. Chegam à cidade e, depois de irem a um restaurante,  entram em uma igreja, onde está sendo celebrada uma cerimônia de casamento. As palavras do padre parecem dirigidas a eles, o que os leva à reconciliação. Eles saem para passear. Primeiro, chegam a um salão de beleza, depois tiram uma fotografia e, por fim, entram em um parque de diversões. Vivem uma espécie de segunda lua-de-mel. Na viagem de volta para casa de barco, cai uma tempestade, e agita as águas do lago. Quando o barco começa a balançar, o marido amarra no corpo de sua esposa dois feixes de bambús para que, no caso dela ser lançada na água, possa usá-los como bóia. A tempestade aumenta, e o barco vira. Ao cessar a chuva, o marido consegue atingir a terra firme, mas não encontra a esposa. Todos no vilarejo saem em seus barcos com lanternas, para auxiliar o fazendeiro desesperado na busca pela esposa; porém tudo o que encontram são os bambús espalhados, boiando sozinhos na superfície do lago. A mulher da cidade vem procurar o fazendeiro, e este começa a estrangulá-la; mas é interrompido pelos gritos de uma empregada que lhe avisa que sua esposa fôra encontrada viva, boiando agarrada a um dos feixes de bambús. Na aurora do dia seguinte, a mulher da cidade vai embora, o marido assiste o despertar de sua esposa, e os dois se abraçam apaixonadamente.

Cena de Aurora

Cena de Aurora

Cena de Aurora

Cena de Aurora

Cena de Aurora

Cena de Aurora

Apesar de seu virtuosismo visual (a cargo de dois excelentes fotógrafos, Charles Rosher e Karl Struss), Aurora é essencialmente um filme simples. O roteiro é lírico e poético, mas descomplicado. A estrutura do filme é baseada em oposições muito claras: campo e cidade, dia e noite, consciência humana e forças da natureza. E há uma variedade de tons: temos aquela pintura cômica da felicidade reconquistada do casal naquele paraíso irreal, lúdico e exótico da cidade (os dois no cabelereiro, no fotógrafo, o parque de diversões, a dansa campesina etc.) e o tom triste das cenas do campo. Em ambos os contextos o expressionismo é bem visível. O vento, a tempestade, a serenidade da água ou do céu fazem parte do drama assim como os pensamentos e os atos dos personagens.

Cena de Aurora

Cena de Aurora

Cena de Aurora

Cena de Aurora

As transições são muito cuidadas: a mais célebre é a viagem de bonde das margens do lago até a cidade (construída por meio de uma combinação complexa entre locações naturais e trucagens) em um movimento ininterrupto, que une o campo e a cidade e providencia tanto uma pausa como uma ponte entre a paixão destrutiva da primeira metade do filme e a reconciliação construtiva que se seguirá. Outros pontos importantes do espetáculo são a mobilidade da câmera (v. g.  o fazendeiro indo se encontrar com sua amante no pântano, sendo seguido por uma câmera alucinante, que depois se torna subjetiva, e nos faz descobrir a mulher vestida de preto sob o brilho da lua cheia); o uso dos letreiros como elemento dramático (quando a mulher da cidade insinua o assassinato dizendo “Ela não poderia ser afogada?”- a palavra “afogada” vai escorrendo devagar para a parte mais baixa da tela, como se ela própria estivesse se afogando); o emprego da superposição, do desfoque ou da dissolvência (v. g. a visão das delícias da cidade e a mulher dançando frenéticamente na margem do pântano); o paralelismo (o fazendeiro e a mulher da cidade se beijando e a esposa beijando seu filhinho); o cuidado extraordinário com o jogo de luzes e dos reflexos que tem para Murnau uma significação quase mística.

ab

Cena de Aurora

Cena de Aurora

Cenas de Aurora

A humanidade de algumas sequências é comovente (v. g. o marido tentando acalmar os temores da esposa e reconquistar sua confiança, levando-a a um restaurante e pedindo um bolo, que nenhum dos dois quer ou consegue comer; os dois testemunhando uma cerimônia de casamento, na qual o marido se vê repetindo ou talvez compreendendo pela primeira vez os votos do matrimônio, para cair nos braços da esposa, e ser confortado por ela). O título mesmo do filme, tem um significado muito simbólico e resume em si mesmo a sua história: representa ao mesmo tempo o nascimento de um novo dia e de um amor quase-perdido pelo adultério.

Cena de Aurora

Cena de Aurora

A própria ausência de diálogos dá ao filme a universalidade proposta, que seria impossível em um filme sonoro porque, se houvesse diálogo, este estaria automaticamente ligado a uma época  e a um país, e a universalidade desapareceria. Embora seja baseado em uma história européia, o filme é ambíguo quanto ao seu ambiente. Certos aspectos sugerem a Europa, mas ele bem que poderia se passar no Canadá ou nos Estados Unidos. Até a época é controvertida. O vestuário certamente não é dos meados dos anos vinte (1927, data da realização do filme) e se os automóveis são, os cenários da cidade estilizada (construídos em falsa perspectiva e com miniaturas) e o parque de diversões futurista ajudam a complicar as coisas. O filme cria a universalidade não apenas visualmente, mas porque suas emoções são intemporais (de fato elas são eternas) e não se limitam por fronteiras geográficas.

Murnau na filmagem de Aurora

Murnau na filmagem de Aurora

0 score musical de Hugo Riesenfeld é totalmente sincronizado com a ação na tela graças ao sistema de som ótico Fox Movietone, e perdura durante todo o filme assim como os efeitos sonoros adicionais  (v. g. os sinos da igreja), ambos em uma  combinação perfeita  com as imagens notavelmente fotografadas por Charles Rosher e Karl Struss.

Janet Gaynor e seu Oscar

Janet Gaynor e seu Oscar

Entre as promessas que a Fox fez a Murnau, estava a de lhe dar total liberdade na escolha do elenco do filme, mas curiosamente ele selecionou aqueles que a companhia estava querendo promover: o trio de protagonistas, George O’Brien, Janet Gaynor e Margaret Livingston já havia coincindido em A Águia Azul / The Blue Eagle / 1926 de John Ford. George O’Brien se destacara particularmente em Três Homens Maus / 3 Badmen / 1926, também dirigido por Ford. Em Aurora, o ator usa seu corpo de uma maneira tipicamente expressionista, encurvado, como se o seu personagem estivesse literalmente carregando o peso do mundo sobre os ombros, como de fato estava, até fazer as pazes com a esposa (puzeram-lhe sapatos carregados de chumbo para a cena da intenção de afogamento). Janet Gaynor foi elevada à posição de grande artista, graças à feliz coincidência de ter atuado em mais dois filmes importantes,  Sétimo Céu / 7th Heaven / 1927 e O Anjo das Ruas / Street Angel / 1928, além de sua interpretação sensível e delicada em Aurora. Pelo seu trabalho nesses três filmes, ela conquistou o primeiro Oscar concedido pela Academia a uma atriz. Charles Rosher e Karl Struss arrebataram o Oscar de Melhor Fotografia e o estúdio da Fox uma estatueta pela alta qualidade de sua produção. Rochus Gliese foi indicado, mas perdeu para William Cameron Menzies.

mar-4-devils-poster

Murnau viajou de férias para a Europa em 25 de março de 1927 e, no seu retorno, celebrou um contrato de cincos com a Fox, pois o estúdio havia cumprido sua promessa de não interferir no seu trabalho, e ele acreditava que isso seria para sempre. Quase dois anos mais tarde, Murnau e a Fox dariam fim a esse contrato em virtude de desavenças motivadas principalmente porque a Fox introduziu modificações nos dois filmes seguintes do cineasta, Four Devils e Our Daily Bread. O primeiro filme, exibido no Brasil como Os Quatro Diabos, acabou desaparecendo dos arquivos da Fox, e hoje é considerado um filme perdido. O segundo filme, acabou se convertendo, depois das mudanças, em City Girl (mas quando passou em nosso país, o distribuidor colocou como título em português, a tradução ao pé da letra do título originariamente previsto, O Pão Nosso de Cada Dia).

Murnau e seus artistas infantís de Os Quatro Diabos

Murnau e seus artistas infantís de Os Quatro Diabos

Os Quatro Diabos, baseado no romance “De Fire Djaevle” de Herman Bang, adaptado por Carl Meyer, Marion Orth e Berthold Viertel (embora apenas este último tivesse sido creditado), com fotografia de Ernest Palmer (indicado para o Oscar), direção de arte de William S. Darling (após esboços de Robert Herlth), tinha o seguinte enredo. No circo Cecchi, um palhaço (J. Farrell MacDonald) cuida de duas meninas orfãs, Marion (quando adulta, Janet Gaynor) e Louise (quando adulta, Nancy Drextel), como se fossem suas filhas. Durante uma temporada, uma mulher entrega ao diretor do circo (Anders Randolf) os garotos Adolf (quando adulto, Barry Norton) e Charles (quando adulto, Charles Morton), filhos dos famosos trapezistas Rossy, que haviam perdido a vida executando um salto mortal. As quatro crianças crescem unidas por uma grande amizade, ao mesmo tempo em que sofrem sob a severa disciplina exercida por Cecchi. Um dia, o palhaço abandona o circo com os quatro gurís, depois de uma briga com Cecchi que, embriagado, os havia ameaçado. O palhaço consegue emprego em outros circos, o tempo passa, e os meninos e as meninas crescem. Já muito velho, o palhaço sente-se mal durante uma apresentação, deixa de atuar, mas continua a treinar o quarteto. Eles se tornam célebres como acrobatas do trapézio chamados “Os Quatro Diabos”, que aparecem em seus números montados, cada um em dois cavalos brancos. Marion ama Charles há muito tempo, porém eis que surge uma mulher fatal, e Charles não resiste aos seus encantos. Uma dama (Mary Duncan) passa a comparecer em todas as apresentações dos Quatro Diabos e sempre lança uma rosa para Charles, que na verdade é um bilhete convidando-o a se encontrar com ela. Antes de um desses encontros, Adolf tenta impedí-lo de sair, dizendo que ele iria destruir o grupo. Charles passa a ficar dispersivo nos ensaios e, em um deles, cai do trapézio durante um salto mortal, sendo todavia salvo pela rede de segurança. Ele continua frequentando a casa da amante, o que é motivo de preocupação para Marion, Alfred e o palhaço, que o alertam para o salto mortal que será executado na noite seguinte sem qualquer proteção. Após uma discussão, Charles sai para encontrar-se com a dama, pedindo que o deixem em paz.

Os Quatros Diabos

Os Quatros Diabos (Janet Gaynor, Nancy Drextel, Charles Morton, Barry Norton)

Marion o segue e, depois de esperá- lo durante toda uma noite gélida, chegam a se falar. Charles abraça-a e pede seu perdão. Abandonada, a dama não se conforma e, no dia seguinte, vai ao circo, e convida Charles a ir até sua casa após o ensaio. A dama pede que ele não lhe negue uma última taça de vinho e um último beijo. Charles bebe um pouco demais e não percebe que ela atrasou o relógio em uma hora e meia. Só se dá conta da hora ao verificar o relógio da cidade, olhando pela janela. Charles corre até o circo, e consegue chegar no último instante da apresentação do trapézio perigoso.

Cena de Os Quatro Diabos

Cena de Os Quatro Diabos

Cena de Os Quatro Diabos

Cena de Os Quatro Diabos

Cena de Os Quatro Diabos

Cena de Os Quatro Diabos

A partir daí, em uma primeira versão, Marion lança o trapézio para Charles e este, embriagado, não consegue agarrar a barra, e cai; mas consegue sobreviver milagrosamente. Em outro final, preferido por Murnau, Marion crê que ela e Charles devem morrer. Na conclusão do salto mortal, Charles deveria receber o trapézio, que lhe é lançado por Marion. Ela entretanto, salta junto com o trapézio, e Charles, sem ter onde se agarrar senão ao corpo de Marion, acaba abraçando-a e assim, os dois vão ao solo. Mais tarde, os dois diabos sobreviventes se casam e levam o palhaço consigo. Este final encantou a muitos espectadores das pré-estréias que se fizeram em Fresno e San José na Califórnia em julho de 1928, por ser mais lógico que o final feliz forçado da primeira versão. Entretanto, a companhia produtora não pensou assim, e ordenou outro desenlace (que Murnau filmou com relutância) no qual Marion, sentindo-se desprezada, cai deliberadamente do trapézio. É dada como morta, mas sobrevive, e confessa seu amor a Charles. Esta versão foi apresentada na estréia que ocorreu em 3 de outubro de 1928 em Nova York.  Mais uma versão, esta fora do alcance de Murnau, reestreou em Los Angeles em 10 de junho de 1929 com som e diálogos incorporados, e novos créditos, nos quais apareciam John Hunter Booth como autor dos diálogos, L. W. Connell como fotógrafo, A. H. Van Buren e A. F. Erickson como encenadores. Nesta derradeira versão, não foi modificado o final, mas as cenas que o antecediam. Charles rompe definitivamente com a amante, e chega a tempo no circo para fazer o número do salto mortal, não após ter se embriagado na companhia dela, mas depois de ter ficado horas inconsciente por ter sido atropelado.

mir-poster-de-city-girl

O Pão Nosso de cada Dia, baseado na peça teatral “The Mud Turtle” de Elliott Lester, adaptada por Berthold Viertel e Marion Orth, com fotografia de Ernest Palmer, direção de arte de Harry Oliver, contava a seguinte história. Em  1929, Lem Tustine (Charles Farrell), vai a Chicago, a pedido do pai, para vender a última colheita de trigo de sua fazenda no Minnesota. Em uma lanchonete, ele conhece Kate (Mary Duncan), jovem garçonete que não se sente feliz no seu trabalho e na sua cidade. Eles se casam, e Lem a leva para viver na propriedade de sua família. Se a mãe (Edith Yorke) a acolhe calorosamente, o mesmo não acontece com o pai ríspido e autoritário (David Torrence), que implica imediatamente com a moça, culpando-a pela má venda efetuada pelo seu filho (quando na verdade esta foi causada pela crise financeira) e desconfiando de suas intenções ao se casar com Lem. Ele chega mesmo a bater em Kate quando ela o enfrenta e, como Lem não ousa se opor ao seu pai e reprovar sua atitude, ela lhe fecha a porta de seu quarto. Não obstante, no dia seguinte, Kate vai ajudar na nova colheita do trigo, preparando as refeições dos empregados da fazenda. Ela logo verifica que eles não são menos vulgares e dissolutos do que os citadinos que ela costumava servir na lanchonete. Uma tempestade de granizo se aproxima, ameaçando destruir toda a colheita, e o velho Tustine oferece pagamento em dobro aos seus empregados, para eles trabalharem de noite. O capataz, Mac (Richard Alexander), que já vinha se aproximando de Kate, chega com a mão cortada por uma debulhadeira e, enquanto ela o ajuda a enfaixá-la, ele aproveita a oportunidade para tentar convencê-la a fugir com ele. Kate se recusa, porém o velho Tustine surge nesse momento e anuncia que vai procurar Lem, e lhe dizer que espécie de esposa ele tem. Furioso, ao saber da notícia, Lem vence Mac em uma briga, e depois quase é atingido pela arma de seu pai quando este atira contra empregados desertores. Percebendo que quase matou seu filho, confundindo-o com um dos fugitivos, o velho arrepende-se, e Lem traz de volta sua esposa, apresentando-a novamente para um pai mais submisso e tolerante.

Charles Farrell e Mary Duncan em O Pão Nosso de Cada Dia

Charles Farrell e Mary Duncan em O Pão Nosso de Cada Dia

Cena de O Pão Nosso de Cada Dia

Cena de O Pão Nosso de Cada Dia

Mary Duncan em O Pão Nosso de Cada Dia

Mary Duncan em O Pão Nosso de Cada Dia

A interferência do estúdio que já havia afetado Os Quatro Diabos, causou impacto ainda maior sobre o filme seguinte de Murnau, um projeto sugerido por ele, chamado Our Daily Bread, que foi abreviado, remontado e parcialmente refilmado pela Fox, antes de ser lançado com o novo título de City Girl. Felizmente, a versão restaurada que podemos ver hoje, é a silenciosa, que Murnau pretendeu fazer; mas o público de 1930 viu uma versão bastarda parcialmente falada com mudança de ênfase e/ou extirpação de determinadas cenas (com diálogos de Elliott Lexter, e encenada por A. H. Van Buren e A. D. Erickson, pois o cineasta se recusou a fazer quaisquer mudanças na sua criação muda), e ainda inserção de cenas de alívio cômico.

Cena de O Pão Nosso de Cada Dia

Cena de O Pão Nosso de Cada Dia

Cena de City Girl

Cena d O Pão Nosso de cada Dia

Cena de O Pão Nosso de Cada Dia

Cena de O Pão Nosso de Cada Dia

Cena de O Pão Nosso de Cada Dia

Cena de O Pão Nosso de Cada Dia

Mary Duncan e David Torrence em Pão Nosso de Cada Dia

Mary Duncan e David Torrence em Pão Nosso de Cada Dia

Mary Duncan e Richard Alexander em O Pão Nosso de Cada Dia

Mary Duncan e Richard Alexander em O Pão Nosso de Cada Dia

O filme tem como tema a falsidade do mítico retorno ao campo dominado pela mesma lógica do lucro e intolerância que vigora no ambiente citadino, e apresenta uma espécie de inversão dos valores e das situações apresentados em Aurora. Diferentemente do que ocorre na primeira realização de Murnau nos Estados Unidos, a desavença entre o jovem casal não resulta de uma tentação externa, mas da fraqueza moral do rapaz e sua total subordinação ao pai autocrático, que ameaça sua pequena filha de punição, por se atrever a brincar com talos de milho. Outrossim, enquanto que em Aurora  é a mulher que parece ser a pessoa mais frágil do casal, não ousando fazer nada, quando ela percebe que seu esposo está prestes a afogá-la, em O Pão Nosso de Cada Dia, ao contrario, é ela que representa a modernidade e a força de caráter, aquela que enfrenta os conflitos para salvaguardar sua felicidade. Quanto a Lem, em oposição ao homem de Aurora, ele é um ser ingênuo, sempre sob a tutela de seus pais, oprimido pelas tradições e pelos resquícios de uma educação rígida lembro o riso das garçonetes quando, na lanchonete, elas vêm o rapaz fazer sua oração antes de comer o sanduíche.

Ernest Palmer e Murnau

Ernest Palmer e Murnau

Sob o ponto de vista visual, também surgem divergências entre os dois filmes. Aurora parecia mais um filme alemão e se aproximava do expressionismo; O Pão Nosso de Cada Dia, assemelha-se mais a um filme americano naturalista, embora se encontrem vestígios da primeira escola estética do cineasta. No último filme citado, sua mise-en-scène apurada e seu sopro lírico manifestam-se notadamente na chegada de Kate e Lem na granja, no instante em que correm felizes acompanhados por um traveling através do trigal, abraçando-se e se beijando, até se depararem diante da morada inquietante dos Tustine. Pouco antes, eles param diante de uma cerca, Lem mostra a imensidão da plantação para Kate, e ela diz: “Oh, Lam, é maravilhoso ter um lar … e uma mãe e um pai … e um homem forte e vigoroso para cuidar de mim!”, mal sabendo ela o que a esperava. A cumplicidade entre os dois atores, a suntuosidade da fotografia, a perfeição dos enquadramentos, e a utilização da luz constroem uma sequência admirável e tocante.

captura-de-tela-2016-10-14-as-17-31-39

Durante a filmagem de Os Quatro Diabos, Murnau conheceu o documentarista Robert J. Flaherty, que se tornara famoso através de dois filmes Nanook do Norte / Nanook of the North / 1922 e Moana / Moana / 1926. Seu desapontamento mútuo sobre as condições de trabalho em Hollywood aproximou-os. Juntos, eles desenvolveram um plano para realizar um filme nos Mares do Sul, baseado inteiramente em suas próprias concepções. Há algum tempo, Murnau havia pensado em partir para Bali, onde seu amigo, o pintor Walter Spies, vivia. Flaherty conhecia os Mares do Sul desde a produção de Moana e do filme Deus Branco / White Shadows of the South Seas / 1928, rodado no Tahiti, no qual ele esteve inicialmente envolvido.

 Robert Flaherty na filmagem de Tabu (em baixo , à direita)

Robert Flaherty na filmagem de Tabu (em baixo , à direita, de camisa branca)

Floyd Crosby (à esq.) e Murnau (à direita) em um intervalo da filmagem de Tabu

Floyd Crosby (à esq.) e Murnau (à direita) em um intervalo da filmagem de Tabu

Em março de 1928 eles formaram a Murnau-Flaherty Productions que, logo depois, se associou a Colorart Productions Ltd., uma produtora disposta a financiar o projeto dos dois cineastas, comprometendo-se a mandar material para uma filmagem em cores e com som, técnicos de apoio, e dinheiro para cobrir todos os gastos. O título provisório do filme planejado em Technicolor era Turia e seu enredo baseado em uma idéia de Flaherty.

ma-tabu-poster-amarelo

Em maio de 1928, Murnau visitou o Taiti, e se reuniu com Flaherty um mês depois para escolher locações na ilha de Bora-Bora. Em agosto, chegaram cinco mil dólares, quantidade muito pequena em relação ao que haviam combinado, e então Murnau, depois de um ultimato para que a Colorart cumprisse o prometido, resolveu rescindir o contrato, e assumir ele mesmo as despesas. Para cortar os custos do empreendimento, mandou os componentes da equipe de Hollywood de volta, e treinou os nativos para trabalhar no lugar deles. Murnau optou para filmar em preto e branco. O roteiro foi reescrito e o título modificado para Tabu / Tabu, a Story of the South Seas, a fim de evitar questões legais com a Colorart.

Reri (Anne Chevalier)

Reri (Anne Chevalier)

A produção começou em janeiro de 1930 com Flaherty dirigindo a cena de abertura. Foi a única que ele dirigiu. Como agora era Murnau quem financiava a produção, ele se tornou o único diretor, deixando Flaherty encarregado apenas da fotografia e do trabalho em laboratório. Flaherty começou a ter problemas técnicos com a sua câmera e chamou o fotógrafo Floyd Crosby para ajudá-lo. O grande documentarista americano não tardou a ser afastado da fotografia, encarregando-se do trabalho de laboratório, recebendo um salário muito inferior ao de outros colaboradores, especialmente em relação a Crosby (que acabou ganhando  o Oscar de Melhor Fotografia).

A produção terminou em outubro de 1930. Flaherty, que vinha se sustentando com apenas 40 dólares mensais, ficou em péssima situação financeira antes da filmagem terminar. Ele vendeu sua participação acionária no filme para Murnau por 25 mil dólares. Retornando a Los Angeles, Murnau montou o filme, e gastou o resto de sua verba, para contratar Hugo Riesenfeld, autor do score musical. Os direitos de distribuição foram vendidos para a Paramount por cinco anos por 75 mil dólares, que serviram para Murnau pagar Flaherty. O filme estreou em 18 de marco de 1931, e foi quando Floyd Crosby ganhou o Oscar de Melhor Fotografia.

Cena de Tabu

Cena de Tabu

aaf

Tabu é dividido em dois capítulos. No primeiro, intitulado “Paraiso”, Matahi e Reri (Anne Chevalier) são dois jovens nativos de Bora-Bora apaixonados, mas suas vidas são destruídas quando o chefe da ilha recebe uma mensagem do velho Hitu, emissário do chefe da ilha vizinha de Fanuma, senhor de todas as ilhas. Ele anuncia que a virgem consagrada aos deuses de Fanuma morreu e Reri foi escolhida para substituí-la. A partir desse momento, nenhum homem poderá tocá-la, pois ela é tabu. Hitu recebeu a missão de conduzí-la à presença do chefe de Fanuma e de proteger a sua castidade. Matahi fica inconsolável porém, durante a festa em homenagem à visita de Hitu, os dois amantes se entregam a uma dança agitada, que o velho interrompe brutalmente. Na segunda parte, intitulada “Paraíso Perdido”, Matahi e Reri fogem em uma pequena embarcação e procuram uma ilha, onde reina o homem branco e os deuses antigos são esquecidos. Eles encontram essa ilha, onde Matahi se revela um excelente mergulhador, e consegue achar uma pérola. Pouco familiarizado com o conceito de dinheiro, ele não compreende as contas que assina pelas bebidas oferecidas para todos durante uma festa, a qual é interrompida pela chegada de um veleiro, que traz uma comunicação do governo francês, oferecendo  recompensa pela sua prisão. Matahi suborna o policial. Pouco depois, um rapaz, tendo mergulhado em um lugar considerado perigoso pelos nativos supersticiosos, é devorado por um tubarão. O policial então manda colocar um cartaz nesse local com a inscrição: tabu, proibindo o mergulho. Reri recebe uma mensagem de Hitu: se ela não voltar dentro de três dias, Matahi vai morrer. A moça vai a uma agência de viagens, para saber o preço de dois bilhetes para Papeete. Matahi quer comprar as passagens, porém sob o pretexto de que ele tem dívidas assumidas com a festa que bancou, os credores recolhem seu dinheiro. De noite, ele sonha que pagou suas dívidas com uma pérola. Hitu, armado com uma lança quer matá-lo enquanto está dormindo. Reri se joga aos seus pés e jura obedecê-lo. Enquanto Mitahi partiu para mergulhar no lugar proibido, Reri lhe escreve uma palavra de adeus. Ao chegar à sua cabana, depois de escapar de um tubarão e de encontrar uma pérola negra valiosísima, Mitahi lê o bilhete, e corre para tentar alcançar o barco de Hitu, que leva Reri. Ele nada velozmente, e até consegue se aproximar da embarcação, todavia, a corda que o levaria a bordo, é cortada por Hitu. Enquanto o barco segue viagem, Matahi continua nadando em sua direção até que a exaustão o faz desaparecer no mar.

Cena de Tabu

Cena de Tabu

Cena de Tabu

Cena de Tabu

Cenas de Tabu

O filme se afasta do olhar documentarista de Flaherty, interessado em captar a autenticidade da vida dos pescadores de pérolas, aproximando-se da visão  idealizada e mais atraente de Murnau, que se concentrou no tema do tabu, fornecendo um entrecho dramático – o itinerário sem esperança  de um casal perseguido pelas regras da tradição e traído pelas esperanças que a civilização prometia – , no qual se manifesta o seu pessimismo e o seu romantismo.

Cena de Tabu

Cena de Tabu

Cena de Tabu

 

Cena de Tabhu

Cena de Tabu

A realização se divide em dois capítulos intitulados respectivamente Paraiso” e “Paraiso Perdido”. O primeiro  tem um ar jovial, com o par de jovens enamorados, conhecendo-se e se divertindo nas cascatas e na festa de Bora-Bora. O segundo capítulo tem um tom mais sombrio, mostrando a fuga dos dois amantes e sua perseguição até ocorrer a tragédia. Todo o primeiro capítulo é plástica e ritmicamente admirável. Em um movimento incessante, vemos Matahi e seus companheiros pescando com o arpão e deslizando por uma cascata, a grinalda de flores levada pelas águas correntes, as jovens banhando-se ali perto, a aparição de Reri por entre uma folhagem exuberante, Matahi separando a briga entre Reri e outra jovem e colocando uma grinalda em sua cabeça, um nativo subindo pelo tronco de uma palmeira e avistando uma embarcação que se aproxima, a população correndo em suas canoas em direção ao veleiro e depois empoleirando-se alegremente no cordame.

Muran e os nativos que apareceram em Tabu

Murnau e os nativos que apareceram em Tabu

Tabu é a obra que mais do que qualquer outra acentua o caráter autobiográfico e intimista do cineasta, aquela que, de certo modo, amplifica a componente homo-erótica contida em muitos de seus filmes. Murnau parece se deliciar com os corpos atléticos e esbeltos dos rapazes com uma espécie de ardor encantado que em Hollywood estivera reservado para a figura feminina.

Murnau entre Reri e Hatahi

Murnau entre Reri e Hatahi

No segundo capítulo, o ambiente natural idílico e puro cede lugar para o meio explorado e corrompido pelo homem branco europeu, não há mais alegria, só tristeza, tensão, terror. O amor inocente de Matahi e Reri está condenado desde o príncipio, eles estão encurralados entre dois mundos.

A estréia de Tabu ocorreu no dia 18 de marco de 1931, uma semana após a morte de Murnau em um acidente automobilístico em uma estrada de Santa Barbara, Califórnia.

Viajando em um Packard, dirigido por um chofer de 26 anos chamado John Freeland, Murnau, atendendo ao pedido de seu mordomo filipino, Eliazar Garcia Stevenson, permitiu que ele assumisse a direção do volante. O cineasta viajava no banco de trás ao lado de seu cão pastor alemão, Pal. Um caminhão surgiu na contra-mão e Stevenson se desviou para evitar um colisão; mas o carro bateu em um aterro e virou, jogando todos os passageiros para fora do veículo. Stevenson escapou com ferimentos leves, Freeland sofreu cortes no rosto, e Murnau foi lançado em uma vala. Ele faleceu no dia seguinte em virtude de uma fratura no crânio e outras lesões de natureza interna no Santa Barbara Cottage Hospital.

.

 

 

 

 

 

 

A OBRA DE F. W. MURNAU II

September 30, 2016

Ainda em 1922, Murnau dirigiu Phantom, produção de Erich Pommer com roteiro de Thea von Harbou e Hans Heinrich von Twardowski (não creditado), baseado no romance de Gerhart Hauptmann, cenografia de Hermann Warm e fotografia de Axei Graatkjaer e Theophan Ouchakoff. A história é narrada em retrospecto, quando o protagonista recorda seu passado doloroso.

F. W. Murnau

F. W. Murnau

Em Breslau, Alemanha, Lubota (Alfred Abel) relata seu passado. Ele é um humilde funcionário público, que mora na companhia de sua mãe (Frieda Richard), sua irmã Melanie (Aud Egede Nissen), seu irmão Hugo (Hans Heinrich von Twardowski), e costuma escrever poemas. Ao mostrar seus escritos ao encadernador Starke (Karl Etlinger), este lhe assegura que terá uma carreira literária brilhante, e se dispõe a levar sua obra para exame de um editor. Andando pelas ruas, Lubota é atropelado por uma carruagem conduzida por Veronika Harlan (Lya de Putti), uma linda jovem da alta sociedade, e se apaixona por esta mulher (quase um fantasma), que ele nunca verá outra vez. Ele se recupera do choque rapidamente e corre atrás da carruagem até a residência de Veronika, mas é impedido de entrar por um serviçal. Para melhorar sua aparência, ele pede dinheiro emprestado à sua tia agiota, Sra. Schwabe (Grete Berger), dando como garantia seu futuro promissor. Mais tarde, alarmado ao saber que o pai de Veronika pretende casá-la com um homem rico, ele vai procurar os progenitores da moça, Sr. e Sra. Harlan (Adolf Klein, Olga Engl), pedindo-lhes permissão para cortejar sua filha. Animado pelo que ele entendeu ser um encorajamento por parte do Sr. Harlan, Lubota é levado por um vigarista (Anton Edthofer), “amigo” da Sra. Swabe, a um restaurante onde conhece Melitta (Lya de Putti) e sua mãe (Ilka Grüning), uma dupla de “caçadoras de fortuna”. Ele fica impressionado com a semelhança física entre Melitta e Veronika, mente sob sua verdadeira situação (a esta altura fôra demitido de sua função pública e o editor não aceitou publicar suas poesias), e inicia um romance com Melitta. Pressionado pela tia e a fim de cobrir os gastos extravagantes de Melitta, Lubota, acaba por se tornar cúmplice do vigarista (que se tornara amante de Melanie), no roubo do dinheiro restante da sua parente. A chegada inoportuna de um carteiro, que desperta a Sra. Schwabe, conduz ao assassinato dela e à prisão para o sobrinho. Após cumprir sua pena, Lubota é redimido pelo amor devotado de Marie (Lil Dagover), a filha de Starke, que sempre o amara.

Cena de Phantom

Cena de Phantom

Phantom é um drama realista psicológico, no qual encontramos certos temas diretamente originados do romantismo alemão literário, do qual Murnau é herdeiro (v. g. descida aos infernos, amor impossível, mistura de sonho e realidade) e alguns toques expressionistas (v. g. distorção e inclinação dos prédios, carruagem fantasmagórica, ciclista percorrendo uma pista em espiral no restaurante, e depois Lubota e Melitta cercados de motivos circulares ao descerem uma escada em forma de caracol). Profundidade de campo (a saída de Lubota da penitenciária) e montagem paralela (v. g. Melanie bêbada dançando frenéticamente em cima da mesa do cabaré, enquanto sua mãe está para morrer de miséria e depressão nervosa) bem utilizadas, completam o quadro estético.

Cena de Phantom

Cena de Phantom

Cena de Phantom

Cena de Phantom

Cena de Phantom

Cena de Phantom

Em fevereiro de 1923, Murnau e sua equipe (Karl Freund na fotografia e Rochus Gliese e Erich Czerwonski na direção de arte), iniciaram mais um filme. Die Austreibung (A Expulsão) com roteiro escrito por Thea von Harbou, baseado em uma peça teatral de Carl Hauptmann. É um drama intimista cuja trama gira em torno da chegada de uma estranha a um lar feliz, para alterá-lo, provocando uma tragédia. O ambiente de uma fazenda isolada onde o ancião Stayer (Carl Goetz), vive na companhia de sua esposa (Ilka Grüning), seu filho viúvo (Eugen Klöpfer) e a filha deste, Anne (Lucie Mannheim), é perturbado pela chegada de Ludmilla (Aud Egede-Nissen). Esta se casa com o filho de Stayer, a fim de escapar da pobreza, mas faz todo o possível para ficar na companhia do caçador Lauer (Wilhelm Dieterle). Entre seus planos está convencer seu marido a vender a fazenda e se mudar para a aldeia. Entretanto, uma tempestade de neve obriga Ludmilla a se refugiar na cabana de Lauer, quem o velho pensava que estava interessado em Anne. Stayer os surpreende, e mata Lauer. A família acaba abandonando a fazenda. O argumento guarda certa semelhança com o de Der brennende Acker, no que concerne à ambição de um personagem para se separar do lugar modesto onde vive, com consequências trágicas, e ao ambiente rústico e nevado onde transcorre a ação.

Entre maio e agosto de 1923, Murnau abordou um projeto radicalmente diferente em sua filmografia, dirigindo uma comédia de equívocos, escrita por Thea von Harbou, com base em um romance do escritor sueco Frank Heller, apresentada nos créditos como um “conto de aventura”.

mu-financas-poster

Die Finanzen des Grossherzogs (As Finanças do Grão Duque), é ambientado em um ducado imaginário, Abacco, uma pequena ilha talvez do Mediterrâneo, altamente endividado. Nela, o Grão Duque Ramon XXII (Harry Liedtke) e seu Ministro das Finanças, Don Esteban Paqueno (Adolphe Engers), sofrem a pressão do usurário Marcowitz (Guido Herzfeld), que exige o pagamento da dívida; do negociante Bekker (Herman Vallentin), que lhe oferece uma alta quantia para poder explorar uma mina de enxofre; e ainda ameaças de revolução, nas quais estão implicados uns contrabandistas, instigados por Bekker (Georg August Koch, Max Schreck, Hans Hermann, Walter Rilla). A este entremeado de personagens se somam a Princesa Coroada da Rússia, Olga (Mady Christians), e Philipp Collin (Alfred Abel), um aventureiro (que é ao mesmo tempo detetive e ladrão como Arsène Lupin) no momento conhecido como Professor Pelotard. A princesa pretende se casar com o Grão Duque, e o faz saber disto por uma carta, na qual diz não se importar com a situação difícil de seu país e que lhe trará muito dinheiro. Collin descobre por acaso a carta da Princesa e pretende extrair algum proveito da situação econômica de Abacco, especulando com suas ações. Segue-se muita confusão e reviravoltas até o final, quando o Grão Duque se casa com Olga e Collin fica muito satisfeito com a subida dos títulos de Abacco na Bôlsa de Valores.

Alfred Abel em Die Finanzen des Grossherzogs

Alfred Abel em Die Finanzen des Grossherzogs

Cena de Die Finanzen des Grossherzogs

Cena de Die Finanzen des Grossherzogs

Cena de Die Finanzen des Grossherzogs

Cena de Die Finanzen des Grossherzogs

Cena de Die Finanzen des Grossherzogs

Cena de Die Finanzen des Grossherzogs

O roteiro rocambolesco desenrola-se em um mundo de opereta (no qual o bufo é Pelotard), onde não há preocupação com a coerência dramática e a verossimilhança. O humor de Murnau não tem a mesma leveza do humor de Lubitsch, mas ele consegue movimentar bem a trama (que se acelera perto do final), notando-se belos cenários naturais e de interiores proporcionados respectivamente por Karl Freund e Franz Planer (filmando na costa Adriática) e Rochus Gliese e Erich Czerwonski (filmando nos estúdios da UFA). Para produzir efeitos de comicidade, em alguns momentos o diretor usa piadas nos letreiros (v. g. quando o letreiro diz que está chegando uma senhorita, que no momento não quer ser reconhecida, porque a persegue um descendente de Ivan, o Terrível – na realidade o irmão de Olga (Robert Scholz), que quer enforcar o Grão Duque porque acha que ele desrespeitou sua irmã e, em outros instantes, interage a palavra com a imagem (v.g. quando o Ministro das Finanças diz para o Grão Duque: “Não vejo outra solução, a menos que caia do céu” e na continuação se vê um avião que joga a carta enviada por Olga).

taru-poster-ii-americano

Tão importante quanto O Lobishomem no currículo cinematográfico de Murnau, A Última Gargalhada / Der letzte Mann / 1924 firmou seu prestígio como diretor e motivou a sua chamada para Hollywood, onde o filme causou um grande impacto. Em Berlim, o corpulento porteiro do luxuoso Hotel Atlantic (Emil Jannings) orgulha-se de seu uniforme, uma sobrecasaca guarnecida de galões e de botões dourados, que ele usa com satisfação, alisando seus espressos bigodes. Porém sua idade torna cada vez mais difícil o cumprimento de suas funções. Muitas vêzes ele tem que se sentar, para repousar, e esta pausa não escapa aos olhos do gerente do estabelecimento (Hans Unterkircher). Quando o porteiro chega nas proximidades de sua casa, todo mundo o saúda com respeito. Na manhã seguinte, sua sobrinha (Maly Delschaft)) prepara os bolos para a sua festa de casamento e sacode sua casaca. Retornando ao trabalho, o porteiro fica estupefato de ver um outro homem mais jovem na porta do hotel, vestindo o mesmo traje que ele, e realizando suas tarefas. O gerente lhe comunica que o substituiu, e lhe confia agora o serviço de assistente de limpeza no lavatório do hotel no subsolo, vestindo apenas um jaleco branco. É com desespêro que o ex-porteiro entrega seu precioso uniforme. De noite, como um ladrão, ele rouba seu uniforme do armário do qual havia guardado a chave, e o veste para voltar para casa. Ele participa do jantar de núpcias da sobrinha e esquece sua desgraça, embriagando-se. No dia seguinte ele vai para o hotel vestido com sua casaca que ele deixa durante o dia em um depósito na estação de trem. Na hora do almoço, faz sua refeição sozinho, sentado em um canto. A tia do noivo (Emilie Kurtz) decidiu lhe fazer uma surpresa, e leva um prato de comida. Quando ela descobre suas novas atribuições, foge horrorizada e, ao chegar em casa, conta para a família o que viu. Uma vizinha escuta através da porta, e espalha a notícia por todo o imóvel. Ao ver a reação de vergonha de seus parentes, seu único refúgio agora é o banheiro do hotel, onde ele deve passar a noite, e onde o vigia noturno (Georg John) o reconfortará, colocando-lhe um capote sobre os ombros.

Emil Jannings em A Última Gargalhada

Emil Jannings em A Última Gargalhada

Neste ponto da narrativa um letreiro aparece: “É aquí que o filme devia terminar. Na vida real, o velho infeliz não tinha mais nada a esperar senão a morte. Porém o autor teve piedade dele e imaginou um epílogo quase inacreditável.” O porteiro recebe uma herança fabulosa de um milionário americano, que havia falecido nos seus braços no lavatório do hotel. O ex-porteiro faz uma refeição pantagruélica no Hotel Atlantic e convida o vigia noturno a compartilhar de sua ceia. Mais tarde, ele faz um mendigo (Neumann-Schüler) subir no seu carro e se afasta triunfalmente do hotel, fazendo um sinal de adeus.

Cena de A Última Gargalhada

Cena de A Última Gargalhada

Cena de A Última Gargalhada

Cena de A Última Gargalhada

O filme combina o realismo do tema, dos personagens e das situações com o expressionismo da forma, providenciado pelo virtuosismo cinematográfico do diretor. O argumento de Carl Mayer descreve o imenso sofrimento do personagem principal, a sua humilhação e perda de auto-estima, e faz uma crítica aos valores burguêses baseados na aparência e na admiração ritualística da autoridade, encarnada não por uma pessoa mas por um uniforme: quando a verdadeira posição social do porteiro, escondida pela farda imponente que veste, vem à tona com o seu rebaixamento de função, as vizinhas que antes o admiravam, zombam dele. Elas que se comungavam com o mundo das classes mais altas através do uniforme, agora se sentem abandonadas socialmente.

Filmagem de A Última Gargalhada

Filmagem de A Última Gargalhada

Durante todo o filme só aparece um intertítulo no final: o anúncio de que o autor teve piedade do velho porteiro. O recurso à palavra escrita existe, mas esta é incorporada à ficção, como a inscrição no bolo feita pela sobrinha, a carta que rebaixa o porteiro de posição ou a notícia no jornal sobre o falecimento do milionário.

Cena de A Última Gargalhada

Cena de A Última Gargalhada

Todos os tipos de enquadramento e uma série ilimitada de movimentos de uma entfesselte Kamera (câmera desencadeada), orientada por Karl Freund ( gosto muito de uma panorâmica rápida na qual a câmera desliza pelas sacadas dos prédios diretamente da boca de uma vizinha para a orelha da outra),

Cena de A Última Gargalhada - as vizinhas

Cena de A Última Gargalhada – as vizinhas

planos subjetivos e oníricos (o sonho do porteiro quando ele se vê segurando um báu com uma das mãos), efeitos de montagem (paralelismo, metáfora etc.), dissolvências e superposições, cenografia (Robert Herlth, Walter Röhrig) acentuando as diferenças sociais por meio dos contrapontos entre o hotel luxuoso e a moradia modesta do porteiro, o saguão muito bem iluminado no térreo e o banheiro escuro no andar inferior, uso do simbolismo, realçando-se o significado “metafísico de um objeto (o botão arrancado do libré do porteiro equivalente a uma degradação militar), são postos a serviço de um assunto de caráter íntimo e universal: a decadência de um homem vista ao mesmo tempo do exterior e do interior de si mesmo.

Emil Jannings em A Última Gargalhada

Emil Jannings em A Última Gargalhada

Cena de A Última Gargalhada

Cena de A Última Gargalhada

A audácia formal de Murnau evidencia-se desde a primeira sequência do filme, na qual a câmera, como se fôsse um dos hóspedes do hotel, desce de elevador, e se encaminha para a porta giratória do hotel, pela qual o porteiro conduz de guarda-chuva as pessoas que chegam e que saem e focaliza a chuva torrencial na rua e os automóveis que passam. Outras sequências marcantes de ordem técnica ocorrem quando o porteiro lê a carta comunicando-lhe o rebaixamento de sua função e a câmera se aproxima para ler, curiosa, o que está escrito no documento ou quando, após a bebedeira, a câmera oscila reproduzindo a sensação natural de tontura provocada pelo abuso do álcool.

Cena de A Última Gargalhada

Cena de A Última Gargalhada

O uso expressionista da luz está em evidência durante todo o filme (no pesadêlo do porteiro; quando ele rouba seu uniforme e tenta evitar ser descoberto pela luz da lanterna do vigia noturno; quando ele volta para casa após seu subterfúgio ter sido descoberto e sua sombra o precede, maior do que ele próprio; quando ele entrega seu uniforme ao vigia e se torna “o último homem” do título original do filme – durante esta sequência, o vigia usa sua lanterna para iluminar o que está acontecendo e esta luz mostra a degradação, a humilhação total do porteiro, e revela a escuridão, na qual ele se encontra, tanto literalmente quanto figurativamente).

tartufo-0

Antes de partir para os Estados Unidos, Murnau fez mais dois filmes: Tartuffo (no Brasil o título saiu assim nos jornais, com dois efes)/ Herr Tartüff / 1925, e Fausto / Faust / 1925. Na realização de Tartuffo, Murnau se uniu novamente a Carl Meyer, Karl Freund, Walter Röhrig e Robert Herlt e utilizou de modo original parte da comédia de Molière, encerrando-a em uma intriga contemporânea, a fim de reforçar a atualidade do assunto do século XVII: uma denunciação da hipocrisia moral (na história moderna) e da hipocrisia religiosa (na história clássica).

Cena de Tartuffo

Cena de Tartuffo

Cena de Tartuffo

Cena de Tartuffo

Essa releitura inventiva da obra do grande dramaturgo começa por uma introdução, na qual uma criada cruel (Rosa Valetti) está enganando e envenenando um ancião (Herman Picha), para se tornar herdeira de sua fortuna em detrimento do neto dele, um jovem ator (André Mattoni). A fim de abrir os olhos do avô para a realidade, o rapaz se disfarça de projecionista itinerante, e consegue exibir para a criada e o ancião um filme contando a história de Tartuffe, o falso devoto, que se aproveita do burguês Orgon, no qual despertou uma afeição cega. Aquí termina o prólogo e começa a trama do “Tartuffe” com figurinos de época. Tal como a cena da peça encenada no castelo em “Hamlet”, este filme dentro do filme tem um propósito esclarecedor: no epílogo, a megera vem a ser expulsa pelo velho e vaiada pela criançada, que se aglomerara do lado de fora da casa, sendo chamada de Tartuffe.

Cena de Tartuffo

Cena de Tartuffo

Cena de Tartuffo

Cena de Tartuffo

A intriga de Molière é simplificada, e se encontram apenas quatro personagens (Orgon / Werner Krauss, Elmire / Lil Dagover, Dorine / Lucie Höflich e Tartuffe / Emil Jannings) nessa adaptação da comédia de Molière. Elmire, profundamente apaixonada por Orgon, aguarda impaciente seu retorno de uma viagem, e se surpreende ao vê-lo bastante transformado pelo encontro de seu amigo, Tartuffe. A admiração de Orgon pela moralidade e religiosidade de Tartuffe é tanta que, para agradá-lo, manda tirar todos os objetos luxuosos e apagar todas as luzes de seu palacete “porque Tartuffe odeia o desperdício” e despede toda a criadagem “porque Tartuffe não quer tantos criados” – ele só conserva Dorine … para cuidar de Tartuffe. Este enfim aparece, todo vestido de preto e caminhando sempre lentamente, com o breviário quase colado ao rosto; porém o farsante não engana Elmire e sua serviçal Dorine. Para fazer o marido recobrar a razão, Elmire tenta uma primeira vez seduzir Tartuffe em sua presença, escondido atrás das cortinas; mas Tartuffe vê a imagem do marido refletida em um bule de chá, e se contém a tempo, abrindo logo o seu breviário. O crédulo Orgon então exulta, dizendo para a esposa: “Agora você tem que acreditar nele”. Desesperada, Elmira faz uma nova tentativa, desta vez, convidando Tartuffe para um encontro no seu enquanto Dorine vai chamar Orgon, que está ocupado, redigindo seu testamento em favor de seu novo amigo. Quando Tartuffe começa a abraçar Elmire, Orgon espia pelo buraco da fechadura, descobre a verdadeira natureza do impostor e, sem perder tempo, o pune com suas próprias mãos. Após o epílogo, surge um letreiro dizendo: “Os hipócritas estão em toda parte, e você mesmo, será que sabe realmente ao lado de quem está sentado?”

Cena de Tartuffo

Cena de Tartuffo

A inventividade e a precisão fílmicas habituais do diretor transformam teatro em cinema, driblando com felicidade a unidade de lugar, e tirando partido de maneira admirável da cenografia, iluminação e interpretação dos atores, para providenciar um espetáculo conciso e divertido.

Uma cena que mostra sua criatividade e exatidão fílmicas é aquela na qual nos revela o plano de detalhe dos sapatos abandonados do ancião – nos quais a criada dá um pontapé -, como símbolo dos maltratos que ele sofre da sua governanta infame e depois, quando o jovem ator junta os mesmos sapatos, como símbolo do amor e do cuidado que o neto tem com as coisas do seu avô.

Cena de Tartuffo

Cena de Tartuffo

Os ambientes despojados (v.g. o castiçal enorme colocado diante de uma parede clara e lisa tornando-se o contraponto da grande silhueta negra de Tartuffe, que vai e vem de um lado para outro); as figuras de Dorina ou de Tartuffe iluminadas por uma única vela, que descem as escadas vertiginosas do palacete e se entrecruzam em determinado momento; o uso das portas, que abrem e fecham deixando o espectador inquieto porque não sabe o que está acontecendo (v.g. quando Elmira pede a Orgon que lhe dê um beijo de boas vindas, este lhe responde que beijar é pecado, como lhe ensinou Tartuffe, e sai sem dar crédito às suas palavras. Elmira corre atrás de seu marido e entra no mesmo cômodo. A câmera mantém-se durante um tempo do lado de fora até que a porta volta a se abrir, e Elmira sai com um gesto de desencanto, indo buscar consôlo nos braços de sua aia.

Cena de Tartuffo

Cena de Tartuffo

Cena de Tartuffo

Cena de Tartuffo

Murnau se contentou não apenas com a força das imagens, extraindo ainda um desempenho brilhante de seus quatro atores e usando frequentemente o close-up, para refletir os sentimentos íntimos dos personagens. A interpretação de Emil Jannings – como sempre exagerada – é supreendente: basta um simples olhar para transmitir todo o mal que se esconde atrás de sua impostura.

fausto-poster

No seu derradeiro filme alemão, Fausto, Murnau adaptou – com ajuda de Hans Kyser na elaboração do roteiro (revisado por Thea von Harbou) e de Gerhart Hauptmann na redação dos intertítulos – de modo sucinto e a sua maneira – a lenda popular germânica da Idade Média que, através dos tempos, serviu de base para várias obras de arte na literatura (v. g. além de Goethe, Marlowe, Thomas Mann), na pintura (v. g. Delacroix) e na música (v. g. Wagner, Berlioz, Gounod), aproveitando ao máximo os poderes da técnica cinematográfica, para produzir notáveis efeitos plásticos e dinâmicos.

Cena de Fausto

Cena de Fausto

Cena de Fausto

Cena de Fausto

Cena de Fausto

Cena de Fausto

Cena de Fausto

Cena de Fausto

Murnau cuidando de Jannings

Murnau cuidando de Jannings

No enredo, o Arcanjo (Werner Fuetterer), emanação divina, elogia a liberdade do homem de poder escolher entre o Bem e o Mal e acusa o Demônio de atormentar a humanidade com a guerra, a peste e a fome. “Esta Terra é minha”, proclama Mefisto (Emil Jannings). O Arcanjo então evoca o nome de Fausto (Gösta Ekman), velho alquimista, um homem íntegro cuja vida inteira é a prova de que a Terra não está totalmente submissa ao Mal. “Um patife tal como todos os outros”- responde o representante do inferno – “Ele prega o Bem e faz o Mal. Quer transformar o metal de pouco valor em ouro”. Mefisto e o Arcanjo apostam sobre a possibilidade de desviar de Deus a alma de Fausto. “Então a terra será tua”, promete o Arcanjo. Em consequência, Mefisto espalha uma epidemia de peste sobre a cidade, onde Fausto vive. Sentindo-se impotente para estancar a grande mortandade, o velho sábio encontra um livro, onde se fala em um pacto com o Diabo e, em desespêro, invoca-o. Este aparece e concede a Fausto em vinte e quatro horas (o tempo em que a ampulheta se esvazia), o poder de curar seus concidadãos. Fausto cuida das pessoas, mas logo os aldeãos percebem que ele não pode tocar em um crucifixo e começam a apedrejá-lo. Fausto refugia-se no seu gabinete de trabalho e quer se suicidar, mas Mefisto lhe oferece a juventude em troca de sua alma. Ele aceita, e viaja pelos ares, sobre o manto do demônio, aterrisando no meio da cerimônia nupcial da Duquesa de Parma (Hanna Ralph), que Fausto conquista, enquanto as vinte e quatro horas se esgotam e ele entrega sua alma ao diabo para sempre. Fausto pede para regressar à sua terra natal, onde está se celebrando a Páscoa. Ele se enamora da jovem pura e inocente Gretchen (Camilla Horn) e, por obra de Mefisto, é correspondido. Porém Mefisto denuncia o romance ao irmão de Gretchen, Valentin (Wilhelm Dieterle), e este desafia Fausto para um duelo. Mefisto mata Valentin, espalha a notícia do crime por toda a parte, e a culpa recai sobre Fausto. Gretchen é rejeitada pela população, e depois acorrentada ao pelourinho. A multidão zomba da jovem, e depois ela é libertada. Gretchen dá à luz um filho de Fausto e, não encontrando refúgio em parte alguma, vê-se obrigada a viver nas ruas cobertas de neve. Em um momento de alucinação, ela tenta aquecer o bebê, colocando-o em um berço imaginário, e a criança morre. Os soldados acusam-na de ter matado seu filho e a levam presa. Fausto chega a tempo de ver Gretchen na fogueira. Ao ouvir Fausto amaldiçoando sua juventude e desejando nunca ter feito o pacto, Mefisto faz com que ele volte a ser um idoso. Fausto se atira nas chamas no meio das quais está sua amada. Ela o reconhece, abraça-o, e ele se torna jovem na morte. O Arcanjo barra a passagem de Mefisto e lhe diz que apenas uma palavra anulou seu pacto com Fausto.”Que palavra é esta?, pergunta Mefisto. “Amor”, responde o Arcanjo.

Cena de Fausto

Cena de Fausto

Cena de Fausto

Cena de Fausto

Para simbolizar o combate entre o Bem e o Mal, Murnau controlou minuciosamente o filme, utilizando todos os recursos do claro-escuro (fotografia de Carl Hoffmann), para produzir uma sucessão de visões mágicas (v. g. a aparição angélica em contraponto à figura negra do Diabo, a cena em que Fausto tenta curar uma mulher); enquadramentos refinados (v. g. as árvores entrelaçadas emoldurando o brilho da lua), inspirados pela arte pictórica mundial (influência de quadros de Rembrandt, Vermeer, De La Tour, Mantegna, Böcklin, Kaulbach etc.); cenários (Robert Herlth, Walter Röhrig) dotados de magnificência visual (v. g. o desfile dos elefantes na festa de casamento da Duquesa de Parma; ocupação integral de cada espaço no filme (v.g. o monge agitando a cruz diante da multidão delirante que vai implorar a ajuda de Fausto; a cena final da fogueira); trucagens espetaculares (v. g. a sombra de Satã estendendo suas enormes asas negras sobre a aldeia; a viagem aérea que Mefisto empreende com o Fausto rejuvenescido; Fausto levantando o livro e os círculos de fogo e de luz); o movimento constante das imagens (v. g. os foliões na quermesse rindo da cambalhotas dos saltimbancos ou vendo espetáculos com sombras chinesas).

Murnau,Yvette Guilbert, Gösta Eckmann e Francesco von Mendelsohn na filmagem de Fausto

Murnau,Yvette Guilbert, Gösta Eckmann, Francesco von Mendelsohn e Jannings na filmagem de Fausto

Cena de Fausto

Cena de Fausto

Cena de Fausto

Cena de Fausto

A interpretação de Emil Jannings, não prima pela sobriedade como sempre, mas é eficaz, compondo um Mefisto lúbrico e lúdico – como vemos no epísódio cômico no qual o enviado do diabo entretém a tia Marthe / Yvette Guilbert, enquanto Fausto corteja Gretchen. O contraste entre os dois pares alcança sua maior comicidade quando Mefisto começa a tirar as pétalas de um girassol, dizendo “Mal-me -quer e Bem-me-quer “, logo depois que Gretchen havia feito o mesmo com uma margarida.

Cena de Fausto (Camilla Horn e Gösta Eckman)

Cena de Fausto (Camilla Horn e Gösta Eckman)

Camilla Horn em Fausto

Camilla Horn em Fausto

Cena de Fausto

Cena de Fausto

Após esses breves momentos de humor, reiniciam-se os acontecimentos trágicos como a morte da mãe (Frida Richard) e do irmão de Gretchen, e a via crucis dela caminhando que nem um espectro sob o frio intenso da época do Natal com o filho nos braços. Esta sequência, permite que Murnau faça um paralelismo pungente entre Gretchen e a Virgem Maria, outra bela imagem entre tantas belas imagens que o filme nos oferece.

.

A OBRA DE F. W. MURNAU I

September 15, 2016

Ele exerceu um papel fundamental sobre a evolução da arte cinematográfica e foi um dos diretores mais influentes do cinema mudo, contando-se entre seus discípulos nada mais nada menos do que Alfred Hitchcock, John Ford e Frank Borzage.

F. W. Murnau

F. W. Murnau

Friedrich Wilhelm Plumpe nasceu em 28 de dezembro de 1888 na cidade alemã de Bielefeld, Província da Westafia, filho do dono de uma fábrica de tecidos, Heinrich Plumpe. Heinrich tivera duas filhas de seu primeiro matrimônio (Ida e Anna) enquanto que os três filhos varões (Robert, Friedrich Wilhelm e Bernhard) nasceram de sua segunda esposa, Ottilie Volbracht. Em 1892, a familia mudou-se para os arredores de Kassel, perto do castelo de Wilhelmshoehe.

A família Plumpe

A família Plumpe

No extenso jardim familiar dos Plumpe, Friedrich Wilhelm e seus irmãos representavam peças de teatro ao ar livre, para as quais eram convidadas as famílias vizinhas. Friedrich Wilhelm dirigiu esse teatrinho até que a família teve que se transferir para a cidade, indo morar em uma casa alugada. O prazer do teatro continuou no ambiente dos Plumpe graças a um presente de natal que deram para Friedrich Wilhelm: um teatro de marionetes. Logo este teatrinho ficou pequeno para os espetáculos que ele tinha em mente. Seus irmãos o ajudaram a construir um teatro na medida de seus sonhos e se colocaram às suas ordens para encenar as representações familiares de cada domingo. Por este teatro de marionetes desfilaram contos clássicos de Andersen e dos irmãos Grimm, mas também adaptações que Friedrich Wilhelm fazia das obras em cartaz que ele mesmo admirava naqueles dias.

Murnau

Murnau

Sua outra paixão, a leitura, foi propiciada pelo acesso à biblioteca de sua irmã por parte de pai, Anna. Leitor voraz, aos onze anos já havia lido dramaturgos como Shakespeare e Ibsen ou pensadores como Schopenhauer e Nietzsche. Ele tinha grande interesse tanto pelo texto como pelas ilustrações dos clássicos literários que caíram em suas mãos. Sempre foi um aficionado pelas gravuras e, em boa parte, seus filmes baseados em obras literárias se apoiaram na recordação dessas imagens que figuravam nos livros que leu na sua infância e juventude.

Todas essas paixões culturais chocaram-se com seu pai, cuja mentalidade de homem de negócios via em tais atividades muita frivolidade e pouco benefício. Ele teria preferido que seu filho, em vez do teatro, se tivesse dedicado ao magistério, porém foram em vão suas intenções de encaminhá-lo para esta profissão. O mau relacionamento entre pai e filho piorou, quando o futuro cineasta se afastou do ambiente familiar durante seu período de estudante de filologia em Berlim e de história da arte em Heildelberg.

Max Reinhardt

Max Reinhardt

Apesar do apoio de sua mãe, seus primeiros anos como ator transcorreram na clandestinidade e motivaram a adoção de vários pseudônimos. Um deles, Murnau, adotado por volta de 1910, ficou para sempre. Era o nome de uma localidade alpina, na qual Friedrich Wilhelm havia passado momentos agradáveis junto a seus amigos, a maior parte deles vinculados de um modo ou de outro com a arte de vanguarda (e com o expressionismo). Convidado por Max Reinhardt para ingressar na sua escola de teatro, formou-se como ator, mas se destacou mais como assistente de direção de algumas montagens do Deutsche Theater, interessando-se também pela pintura e pela fotografia.  

Murnau participou da Primeira Guerra Mundial, primeiro na infantaria e depois na aviação; como piloto, foi feito prisioneiro em 1918, desorientado pela neblina, segundo a versão difundida por sua mãe através de seu diário, embora pudesse tratar-se de uma deserção. Ele passou o final do conflito confinado em Andermatt, Suiça, onde escreveu um roteiro para o cinema, Teufelsmädel, que não chegaria a dirigir.

Hans Ehrenbaum-Degele

Hans Ehrenbaum-Degele

No seu regresso para a Alemanha, Murnau foi acolhido na casa do banqueiro e colecionador de arte Friedric Ehrenbaum e sua esposa Emilie Degele, progenitores de Hans Ehrenbaum-Degele, seu colega de universidade em Berlim e companheiro de longo tempo, que havia sido morto na frente russa. O casal ajudou-o financeiramente a fundar um estúdio com Conrad Veidt (Murnau Veidt Filmgesellschaft), e a realizar seu primeiro filme, Der Knabe in blau / 1919 (O Menino Azul), que tinha como motivo de suas intrigas o quadro The Blue Boy do pintor Thomas Gainsborough.

Cena de Der Knabe in blau

Cena de Der Knabe in blau

No enredo, o nobre Thomas van Weerth (Ernst Hoffman) vive isolado em um castelo, que lhe coube de herança, tendo apenas a companhia de um servente (Karl Platen). Segundo uma lenda familiar, neste castelo está escondida uma esmeralda, representada no retrato de um menino vestido de azul. Durante um sonho, o menino azul sai do quadro e o conduz até a jóia. Ao mostrar a pedra preciosa a seu servente, este lembra-lhe da maldição que tal objeto trouxe a várias gerações da família van Weerth, e pede a Thomas que se desfaça da pedra; mas ele se nega a fazer isso. Um dia, chega ao castelo um grupo de ciganos, que se apresentam como músicos ambulantes, entre eles uma linda cigana (Blandine Ebinger), por quem o nobre se apaixona. A cigana aproveita-se da ingenuidade de seu anfitrião, para furtar-lhe a jóia enquanto os outros que a acompanhavam roubam vários pertences do fidalgo, incendeiam o castelo e destroem a pintura do garoto vestido de azul. Após a partida dos ciganos, Thomas percebe a gravidade de todo o ocorrido, e cai doente. Entrementes, aparece no castelo uma jovem atriz (Margit Barnay) que, com sua devoção, devolve ao rapaz a alegria de viver e a esperança de um futuro melhor.

murnau-o-garoto-azul-cartaz

Na equipe técnica destacava-se o nome do fotógrafo Carl Hoffmann (muitos anos antes de se ocupar com os claros-escuros do Fausto / Faust de Murnau), porém seu trabalho não pode ser apreciado hoje, porque o filme se perdeu, existindo apenas 27 fotografias.

satanas-poster

Do segundo filme de Murnau, Satanás / Satanas / 1919, com roteiro de Robert Wiene e fotografia de Karl Freund, só restou um breve fragmento. O tema proposto era a presença do diabo através dos tempos, que constava de três episódios de ambientação histórica, um prólogo e um epílogo. Em cada um dos episódios, Conrad Veidt se tranformava em um personagem chave para conduzir os protagonistas para a desgraça.

Cena de O Tirano / Satanas

Cena de O Tirano / Satanás

No primeiro episódio, intitulado Der Tyrann / O Tirano, Satanás era um ermitão que desencadeava a tragédia nas relações amorosas entre o faraó Amenhotep (Fritz Kortner) e sua amante, a arpista Nouri (Sadjah Gezza), um serviçal chamado Jorab (Ernst Hoffman), e Phahi (Margit Barnay), a esposa do faraó. Amenhotep está apaixonado por Nouri. Esta usa de sua influência para empregar Jorab, seu verdadeiro amor como serviçal do faraó. Entretanto, Jorab ama na realidade Phahi, uma das esposas do faraó, a qual impediu no passado, que a mãe de Nouri fosse morta por apedrejamento. O faraó acaba por descobrir o adultério e condena Phahi à morte, desposando Nouri em seu lugar.

Cena de O Príncipe / Satanas

Cena de O Príncipe / Satanás

No segundo episódio, Der Fürst / O Príncipe (baseado na peça “Lucrèce Borgia” de Victor Hugo), Satanás, sob os traços de Gubetta, propagava um rumor relacionado com a moral de Lucrécia Borgia (Else Berna), que levaria a um fim trágico seu amor pelo jovem Gennaro (Kurt Ehrle), que na realidade era seu filho.

Cena de O Ditador / Satanas

Cena de O Ditador / Satanás

No terceiro episódio, Der Diktator / O Ditador, ambientado em 1917, Satanás encarnava-se no revolucionario russo Grodski que influenciava Hans Conrad (Martin Wolgang), estudante de direito em Zurique, na Suiça, que lidera jovens extremistas de ideologia esquerdista em uma revolução na sua cidade natal e vai ficando fascinado com o poder, a ponto de ordenar a execução de sua namorada Irene (Marija Leiko), após ela ter sido detida atentando contra Grodski.

Estreado em janeiro de 1920, a crítica do seu tempo praticamente ignorou Murnau e teceu elogios a “um filme de Robert Wiene” que, quase um mês depois veria estreado o seu O Gabinete do Dr. Caligari / Das Cabinet des Dr. Caligari. O trecho diminuto que se conserva de Satanas é um momento de amor apaixonado do episódio egípcio entre o faraó e sua amante.

Cena de Sehnsucht

Cena de Sehnsucht

Do terceiro filme de Murnau (iniciado em 1919 e lançado em 1920), Sehnsucht (Nostalgia), conserva-se apenas uma fotografia. Trata-se de um drama (fotografado por Carl Hoffmann) envolvendo Ivan (Conrad Veidt), violinista russo sem recursos na Suiça. Um dia ele recebe um convite de uma parente distante, a Princesa Wirsky (Gussy Holl) para ser hóspede na Russia. A fim de financiar a viagem Ivan aceita cumprir uma missão que lhe foi dada por revolucionários que estão planejando uma conspiracão contra o Grão Príncipe. Ele leva uma mensagem para um homem em Moscou e imediatamente se apaixona pela filha deste, Marja (Margarete Schlegel); porém, o pai de Marja ama a Princesa Wirsky, e quer trair os revolucionários. Entrementes, a princesa  se apaixona por Ivan e, enciumada, ordena a remoção de Marja para a Sibéria. Ivan então estrangula a princesa e passa o resto de sua vida procurando por Marja. Quando um dia fica sabendo da morte de Marja, Ivan comete suicídio.

Cena de Der Bucklige und die Tänzerin

Cena de Der Bucklige und die Tänzerin

Der Bucklige und die Tänzerin

Der Bucklige und die Tänzerin

O primeiro filme que Murnau rodou em 1920 foi Der Bucklige und die Tänzerin (O Corcunda e a Dançarina), fotografado por Karl Freund, que marcou a primeira colaboração do diretor com Carl Mayer, responsável pelo argumento e pelo roteiro, autor crucial na trajetória do cineasta e de todo o cinema mudo alemão. É mais outro filme perdido do diretor.

murnau-der-bucklige-und-die-tanzerin

No entrecho, James Wilton (John Gottowt), um corcunda sempre rejeitado pelas mulheres, retorna de Java rico, após ter descoberto uma mina de diamantes. O corcunda corteja a dançarina Gina (Sasha Gura) – que está se recuperando de um trauma causado pelo rompimento com seu amante, -, encantando-a com os óleos e unguentos, cujos segredos de preparação ele aprendera com os javaneses. Gina por sua vez usa Wilton para causar ciúme no antigo amante, porém depois se reconcilia com este, e para de ver Wilton. O corcunda então cria um veneno para misturar com seus óleos e unguentos, que matará todo homem que a beijar, mas prepara também um antídoto para ela. O amante de Gina morre e outro é afetado pelos sintomas. Gina procura Wilton para saber a verdade, e obter o antídoto. Ele tenta dominá-la, beija-a, e morre quando ela arrebata o antídoto das mãos dele, e corre para aplicá-lo no seu amigo afetado.

Cena de Janus-Kkopf -Conrad veidt

Cena de Pavor – Conrad Veidt

murnau-janus-poster-emma

Cena de Der Janus-Kopf

Cena de Pavor

Dos filmes perdidos de Murnau realizados em 1920, o mais atraente é PavorDer Janus-Kopf, fotografado por Karl Freund, versão não autorizada do romance de Robert Louis Stevenson, “The Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde” (1886). A fim de evitar o pagamento de direitos pelo uso da obra original, os nomes do personagem duplo e certos detalhes foram mudado. O Dr. Warren (Conrad Veidt) não inventa uma poção capaz de separar o lado mal do lado bom da humanidade, mas age através dos poderes sobrenaturais de uma estatueta amaldiçoada de Janus (o deus romano de duas faces que olham em direção oposta, que ele comprara para dar de presente à sua noiva, Jane Lanyon (Margarete Schlegel). Quando Jane, horrorizada, não aceita o presente, o Dr. Warren tenta vender a peça em um leilão, mas o poder que ela exerce sobre ele, obriga-o a comprá-la de volta. A esta altura, o Dr. Warren transforma-se pela primeira vez em Mr. O’Connor (Conrad Veidt), homem repulsivo, capaz de praticar os atos mais horríveis. Este aluga um quarto em Whitechapel, um distrito de Londres, e comete  todo tipo de crime, inclusive espancando um idoso até a morte e estuprando Grace (Margarete Schlegel). Com a ajuda de um antídoto é possível Mr. O’ Connor voltar a ser o Dr. Warren, porém ele descobre que a transformação começa a se dar incontroladamente. Quando o antídoto acaba, ele não consegue fabricar mais doses e só poderá usar a figura de Dr. Warren uma última vez. O Dr. Warren então se tranca no seu laboratório, revela tudo para seus amigos em uma carta, e põe fim à sua vida.

murnau-abend-nacht-morgen-cartaz

O filme foi distribuido pela Decla-Bioscop, companhia comandada por Eric Pommer, que voltou a distribuir outro trabalho de Murnau no mesmo ano, Abend – Nach – Morgen (Tarde-Noite-Manhã) drama policial (fotografado por Eugen Hamm) cuja intriga girava em torno do roubo de um colar de pérolas. Maud (Gertrude Welcker), mora na companhia de seu amante Chester (Bruno Ziener) um milionário. Brilburn (Conrad Veidt), é um inútil, que vive às custas de Maud, sua irmã. Prince (Carl von Balla), amigo de Chester, é um jogador sem sorte, que necessita de dinheiro.  Ele penetra na casa para roubar o colar de pérolas e, ao fazer isto, ataca e acha que matou Chester. Pouco depois, Brilburn tenta cometer o mesmo ato criminoso, mas encontra o corpo de Chester desfalecido e foge horrorizado do local, deixando porém provas que o identificam. A polícia procura ambos os homens. Chester reaparece vivo e a verdade vem à tona.

Murnau

Murnau

Cena de Der Gang in die Nacht

Cena de Regresso às Trevas

O primeiro filme de Murnau que sobreviveu completo foi Regresso às TrevasDer Gang in die Nacht / 1921, adaptação por Carl Mayer de um argumento da escritora e roteirista dinamarquesa Harriet Bloch. Olaf Fönss, que  interpreta o personagem principal, era um ator reputado, que havia obtido um grande êxito na sua Dinamarca natal e na Alemanha,  onde foi o Homúnculus da célebre série de filmes dedicada ao personagem, dirigidas por Otto Ripper em 1916.

Cena de Der Gang in die Nacht

Cena de Regresso às Trevas

Para festejar o aniversário de sua noiva Helene (Erna Morena), o reputado oftalmologista, Dr. Eigil Borne (Olaf Fönns), assiste com ela a um espetáculo de cabaré. A bailarina principal, Lily (Gudrum Bruun) sente-se atraída pelo Dr. Eigil, e simula um acidente, para que ele a atenda em seu camarim. O oftalmologista enamora-se dela, e rompe com sua prometida. Em uma viagem para um lugar perto do mar, os dois amantes encontram-se com um pintor cego, Der Maler (Conrad Veidt), que o Dr. Eigil cura milagrosamente. Mas eis que Lily e Der Maler se apaixonam para desespêro do Dr. Eigil, que ainda recebe a notícia da morte de Helene, ficando definitivamente sem noiva e sem amante. Embora amargurado, ele continua a clinicar, e um dia Lily aparece no seu consultório, implorando-lhe que cuide de Maler, pois este perdeu novamente a visão. A resposta do Dr. Eigil é: “Não! Eu te matarei! Então vou curá-lo!”. Mais tarde, ele se arrepende, vai até a casa de Lily, e percebe que ela se suicidou. No dia seguinte, lê uma carta de Maler: “Não o acuso. Nenhum de nós é culpado. As leis estão acima de nós. Não precisa me curar de novo. Por um breve tempo você me deu luz e eu pude vê-la. Volto para a minha noite”. Maler é o único sobrevivente do drama pois em dois planos curtos e estáticos vemos o último suspiro de Helene, consumida pela melancolia e do Dr. Egil, que teve seu derradeiro momento de vida sentado na  cadeira  de seu consultório.

Cena de Der Gnag in die Nacht

Cena de Der Gnag in die Nacht

Depois que a ação se transfere para o lugar perto do mar, nota-se a influência do cinema sueco no uso da paisagem com a missão descritiva dos sentimentos dos personagens (por exemplo, a cena em que Lily e o Dr. Eigil contemplam o oceano do alto de uma colina, assemelha-se com uma cena vista no filme de Victor Sjöstrom, Berg-Ejvind och hans hustru / 1918, exibido nos EUA como The Outlaw and his Wife). Em outra cena, aparece a silhueta de um desconhecido chegando pelo mar em pé sobre um barco, que o espectador percebe logo como uma ameaça, imagem que lembra o quadro “A Ilha dos Mortos” do pintor suiço Arnold Böcklin. A silhueta é a do cego que vai atrair a atenção de Lily, e depois do próprio Dr. Eigil, ao ver o pintor sentado diante de seu cavalete, sem poder pintar.  Uma sequência admirável ocorre quando, em uma noite de tempestade, Lily desperta assustada pelo vento que irrompe em sua casa através das janelas e cortinas. Ela tenta se acalmar, vestindo sua roupa de bailarina e dando alguns passos de dança. Todos esses momentos (proporcionados pela fotografia de Max Lutze e pela direção de arte de Heinrich Richter) são intercalados por tomadas do mar enraivecido, o vento nos campos, e um relógio que vai marcando a hora em diferentes momentos da noite.

murnau-marizza-poster

Cena de Marizza

Cena de Marizza

Heinrich Richter foi o cenógrafo de Marizza, gennant Schmugglermadonna (Marizza, dita Senhora dos Contrabandistas), mais um filme de Murnau  do qual não se conservou nenhuma cópia, apenas um trecho de 13 minutos. O que se sabe hoje da trama “Carmeniana” é o seguinte: a cigana Marizza (Tzwetta Tzatscheva) está cansada de cumprir as ordens de sua patroa, a velha Yelina (Maria Forescu), para flertar com os guardas alfandegários, a fim de que seus homens possam exercer tranquilamente o contrabando. Ela vai embora e se emprega na fazenda de uma aristocrata empobrecida, Sra. Avricolos (Adele Sanrock) e de seus dois filhos, Christo (Harry Frank) e Antonino (Hans Heinrich von Twardowski). Marizza é descoberta no quarto de Christo por sua mãe e esta expulsa a jovem, que foge com Antonino. A Sra. Avricolos põe os contrabandistas no seu encalço e eles são encontrados, pobres e famintos. Marizza adula os guardas, especialmente Haslinger (Toni Zimmerer), a fim de conseguir dinheiro; porém Antonino fica com ciúmes e ataca Haslinger. Marizza mata este último e salva Antonino, que assume o crime. No final do filme ocorre o resgate de Marizza e seu bebê de uma cabana em chamas. Os comentaristas da época louvaram o uso expressivo da paisagem, do claro-escuro e da profundidade de campo.

murnau-schloss-vogelod-poster

O filme seguinte de Murnau, Schloss Vogelöd / 1921 (O Castelo Assombrado), com o subtítulo A Descoberta de um Segredo (Die Enthüllung  eines), é em substância, um drama criminal. Um grupo de amigos encontra-se para uma caçada no castelo da família Vogelöd, sendo recepcionados pelo castelão Lord von Vogelschrey (Arnold Korff), porém uma chuva incessante interrompe seus planos, e eles passam seu tempo dentro da residência senhorial. A chegada de Johann Oetsch (Lothar Mehnert), sem ter sido convidado, causa surpresa entre os presentes e um incômodo para o anfitrião, porque estão sendo esperados o Barão (Paul Bildt) e a Baronesa Safferstätt (Olga Tschekowa), e o conde fôra acusado do assassinato de seu próprio irmão, Peter (Paul Hartmann), primeiro marido da Baronesa. Esta deseja ir embora mas, avisada de que o Padre Faramund, está para chegar, ela resolve ficar. Quando o padre chega, a Baronesa se confessa com ele, revelando que, há quatro anos Peter partiu, e quando voltou, estava diferente: só queria saber de livros e de levar uma vida espiritual, e ela então conheceu o Barão.

Cena de Schloss Vogelöd

Cena de Schloss Vogelöd

Cena de Schloss Vogelöd

Cena de Schloss Vogelöd

Cena de Schloss Vogelöd

Cena de Schloss Vogelöd

A Baronesa conta ainda para o padre que seu marido queria doar os bens da família o que o levou a brigar com seu irmão Johann. Na noite seguinte Peter foi morto. Pouco depois, o Padre Faramund desaparece, e o juiz suspeita do conde. Amendrontados, alguns hóspedes vão embora e, na hora do almoço, os que ficaram ouvem o conde perguntar ao Barão:”Você já cometeu um crime?” Todos se espantam mas o conde explica que foi só uma brincadeira; porem o Barão deixa o salão angustiado. Mais tarde, a Baronesa conta para todos o que revelara para o padre e,apontando para o conde,  reafirma: “Ele matou meu marido após uma discussão!”. O conde olha firmemente para ela e sai. De repente surge de novo o padre e a Baronesa resolve lhe contar a verdade, lembrando-lhe de que ele deverá manter o silêncio. Certo dia, ela disse para o Barão que detestava a santidade e que gostaria de ver algo de mal, como um crime. Entretanto, o Barão não entendeu suas palavras e matou seu marido. “Dois dias depois ele confessou sua culpa para mim. Eu reconhecí  minha culpa também, o conde não foi condenado, e eu e o Barão nos casamos. Este é o nosso casamento!”  Depois de ouvir a confissão, o Padre entra na sala onde está o Barão, tira seu disfarce, mostra que é o conde. E diz para ele: Agora conduza-se como um homem!”. O conde apresenta-se a todos sem o disfarce. Ouve-se um tiro. A Baronesa exclama: Ele está morto!”.

Cena de Schloss Vogelöd

Cena de Schloss Vogelöd

Cena de Schloss Vogelöd

Cena de Schloss Vogelöd

O roteiro de Carl Mayer e Berthold Viertel, extraído de um romance de Rudolf Stratz, publicado em folhetim no Berliner Illustrieten Zeitung, desenvolve um enigma de caráter policial, resultando na identificação de um assassino escondido entre as pessoas reunidas no castelo. A ação é confinada em interiores luxuosamente decorados e focalizados em planos gerais e enquadramentos elegantes, sendo eliminada a movimentação de câmera extravagante (que seria inovada em A Última Gargalhada / Der Letzte Mann / 1924) e reforçada a profundidade de campo. A unidade de lugar só é rompida por duas cenas breves (quando os convidados saem para caçar; uma recordação da baronesa) e duas cenas de sonho, que fazem surgir o medo ou o desejo reprimido (v.g. a mão gigante que entra pela janela de um dos hóspedes; o menino que se vinga do chefe de cozinha que o repreendera se fartando de doce). Auxiliado por técnicos de elite (fotógrafos László Schäffer e Fritz Arno Wagner; diretor de arte Hermann Warm) e intérpretes muito controlados (quase estáticos), Murnau cria um suspense permanente, um sentimento de que uma tragédia iminente está para acontecer.

murnau-nosferatu-poster

O Lobisomem / Nosferatu /1922, com o subtítulo de Eine Symphonie des Grauens (Uma Sinfonia do Horror), sancionou a maturidade artística e poética de Murnau. O roteiro, assinado por Henrik Galeen, adaptou o romance “Dracula” de Bram Stoker, tomando a liberdade de mudar o nome dos personagens e de muitas situações, mas também a de não pagar direitos ao autor, o que provocou, pouco depois da estréia do filme em março de 1922, uma disputa legal com a viúva de Stoker, Florence, que se prolongou até 1925. Florence Stoker conseguiu finalmente que os negativos de Nosferatu fossem destruídos e empeendeu uma cruzada pessoal contra todas as cópias alemãs e as que foram aparecendo no exterior nos anos seguintes, luta que continuou até sua morte em 1937, através de uma rede de agentes que iam localizando e destruindo essas cópias. Entretanto, algumas cópias se salvaram, uma das quais foi manipulada na sua montagem e acrescida  de uma sequência (a Missa dos Mortos), rodada por um tal Dr. Waldemar Roger, e exibida em 1930 sob o título de Die zwölfte Stunde (A Duodécima Hora). Outras cópias geraram restaurações feitas por Enno Patalas e, mais recentemente, Luciano Berriatúa aceitou uma proposta da Fundação F. W. Murnau para providenciar uma nova restauração, finalmente apresentada em 2006, que preenchia as carências das anteriores.

Cena de Nosfearatu

Cena de Nosferatu

Nosferatu

Nosferatu

Nosferatu

Nosferatu

Cena de Nosferatu

Nosferatu

Em 1838, no porto sueco de Wisborg, o corretor de imóveis Knock (Alexander Granach) recebe de um tal de Conde Orlock (Max Schreck), a missão de lhe encontrar uma casa naquela cidade. Ele envia seu empregado Thomas Hutter (Gustav von Wangenheim) para os Montes Cárpatos, a fim de levar o contrato de compra e venda para o conde assinar. Porém a casa a ser vendida, situada em frente da residência  de Hutter, está em um estado lamentável. Ellen (Greta Shoreder), sua jovem esposa, desconfia, e fica muito preocupada com os planos de viagem de seu marido. Hutter confia Ellen aos cuidados de seus amigos, o armador Harding (George H. Schnell) e sua irmã Annie (Ruth Landshoff), e parte. Antes de chegar ao castelo do Conde, para em uma hospedaria. Os habitantes locais temem Orlock, e alertam o jovem quanto ao perigo de seguir em frente. No seu quarto, Hutter encontra o “Livro dos Vampiros’, que ele folheia, mas não se intimida com seu conteúdo. Na manhã seguinte, segue viagem, mas o cocheiro entra em pânico ao chegar perto do castelo, e o abandona. Logo depois, a carruagem do conde chega inesperadamente, e conduz  Hutter ao seu destino. O conde lhe oferece um jantar durante o qual, acidentalmente, Hutter corta o dedo com a faca, momento em que seu anfitrião se lança com furor para sugar o sangue de sua ferida. Após uma noite de sono, Hutter acorda com duas marcas de mordida em seu pescoço. Quando o conde vê o retrato de Ellen em um medalhão, ele aceita imediatamente a proposta do corretor. Ao explorar o castelo, Hutter encontra o conde dormindo cadavericamente em um caixão. Ele foge do castelo, fica inconsciente, e é salvo, por alguns populares, que tratam de sua febre em um hospital. O conde parte para Wisborg a bordo de um veleiro, o Empusa, enquanto Hutter, já recuperado, se apressa para chegar em casa por terra.

Nosferatu

Nosferatu

Cena de Nosferatu

Cena de Nosferatu

A bordo do Empusa, os tripulantes vão morrendo um a um de uma doença misteriosa. Quando os marujos vasculham a embarcação e abrem o caixão, surge uma horda de ratos. Todos os marujos morrem, e o Empusa chega como um navio fantasma ao porto de Wisborg. Entrementes, Knock, internado em um manicômio, passa o tempo comendo moscas vivas, e se regozija com a chegada do “mestre”. As autoridades locais encontram no Empusa o diário de bordo, relatando sobre a doença mortal. Eles declaram estado de emergência, mas a peste se alastra em Wisborg, provocando inúmeras vítimas. Knock foge do manicômio, sendo perseguido por uma multidão, que o culpa pela epidemia. Hutter consegue chegar a Wisborg, trazendo consigo o “Livro dos Vampiros”. Ellen lê que somente uma mulher pura teria o poder de deter “o Vampiro”, oferecendo-lhe o próprio sangue, e lhe causando “o esquecimento do “Canto do Galo”. O conde se acomoda na sua nova morada, e consegue espiar o quarto de Ellen pela janela. Ele se infiltra nesse aposento, e se aproxima dela, para beber seu sangue.  Ellen se sacrifica , deixando-se vampirisar. O conde cai em si, e se apavora com o fato de que o amanhecer se aproxima. Ao primeiro canto do galo, assim como ao primeiro raio de sol, o vampiro se desfaz em cinzas. Capturado e amarrado dentro de sua cela, Knock, sabe que o “mestre” está morto. Hutter chega com o médico paracelsiano, Professor Bulwer (John Gottowt), e examina o braço de Ellen, mas já é tarde –  ela morre nos braços de seu marido. Porém, com o fim do vampiro, a peste é vencida.

Cena de Nosferatu

Cena de Nosferatu

Cena de Nosferatu

Cena de Nosferatu

O que há de mais original no filme está no campo formal: ele se afasta do caligarismo. Diferentemente da estética da época (cenários pintados, perspectivas quebradas, linhas oblíquas), Murnau filma em exteriores, movendo sua câmera para as ruas e paisagens verdadeiras, introduzindo as distorções próprias do expressionismo, não através da pré-estilização dos prédios e panoramas, mas pela maneira de fotografá-los (ângulos de visão inusitados, sombras, lentes especiais, telas, filtros, uso de negativos, ação acelerada etc.) ou pela maneira de montar o que foi fotografado.

Cena de Nosferatu

Cena de Nosferatu

Desse modo, com a ajuda do fotógrafo Fritz Arno Wagner e do diretor de arte Albin Grau,com o qual colaborou seu amigo Walter Spies, o cineasta faz os cenários reais tornarem-se aterrorizantes. A casa em ruínas na qual Nosferatu se instala, a rua por onde o funcionário público caminha, colocando marcas de giz nas portas atrás das quais a peste surgiu, a procissão de caixões cada qual conduzido por duas figuras vestidas de preto, suscitam tanto terror quanto as imagens sombrias da paisagem carpatiana e do castelo no topo da montanha. O clima sinistro e mórbido é complementado por símbolos (a hiena à espera de sua presa, os cavalos enlouquecidos, a aula do Professor Bülwer sobre a planta carnívora e sobre o pólipo translúcido, os ratos, a aranha que Knock contempla, a praia enigmática cheia de cruzes), evocando algo maléfico ou sobrenatural.

brennende-i

Der brennende Acker /1922 (Terra em Chamas) foi realizado no mesmo ano de Nosferatu, mas esteve perdido até 1978, quando se descobriu uma cópia quase completa do filme na posse de um padre italiano, que organizava sessões de cinema em hospitais psiquiátricos. Subintitulado Das Drama eines Ehrgeizigen (O Drama de um Ambicioso), trata-se de um melodrama, envolvendo conflitos de amor e de interesse por um pedaço de terra rico em petróleo. O “Campo do Diabo” é um lugar amaldiçoado, que assusta a população de uma pequena aldeia da Silesia, porque um ancestral da família Rudenburg faleceu vitimado por uma misteriosa explosão, quando cavava um poço em busca de um tesouro escondido. O Conde von Rudenburg (Eduard von Winterstein), detentor atual do título, passa o tempo inspecionando o local, agora transformado em uma capela. Ele mora em seu castelo com sua esposa, Helga (Stella Arbenina), e uma filha do seu primeiro casamento, a caprichosa Gerda (Lya De Putti). Na aldeia próxima, um velho agricultor, Rog (Werner Krauss), morre, deixando dois filhos, Peter (Eugen Klöpfer), muito apegado às terras da família, e o ambicioso Johannes (Vladimir Gajdarov), que não se conforma em levar uma vida de lavrador. Ele torna-se secretário particular do conde e chama a atenção de Gerda e Helga. Um dia, Peter escuta uma conversa de que o conde descobriu um campo de petróleo sob o solo do “Campo do Diabo”. Pouco depois, o conde, que está com uma doença terminal, dita-lhe seu testamento, de acordo com o qual Gerda herdará toda a sua fortuna, menos o usufruto do castelo e o “Campo do Diabo”, que ele deixará para Helga. Gerda e o conde ficam sabendo do relacionamento amoroso entre Johannes e Helga, mas o conde lhes diz que não se importa, porque está prestes a deixar este mundo. Após a morte do conde, Johannes se casa com Helga e, pouco depois, vai para cidade negociar com os donos de uma grande companhia de exploração de petróleo. Ele recusa a soma de 25 milhões de marcos pelo “Campo do Diabo”, e os convence a lhe emprestar o dinheiro, para que possa explorar o campo por conta própria. Entrementes, Helga, sentindo que o interesse de Johannes por aquela terra maldita afasta-o de seu amor, vende o “Campo do Diabo” para Peter por 12 mil marcos. Ao saber da venda, Johannes fica furioso revelando a Helga o imenso valor do local. Johannes procura Peter e quer que este anule a venda mas Helga já o fizera e, percebendo que Johannes nunca a amara, afoga-se em um rio gelado. Gerda que, por despeito, ficara noiva do Barão von Lellewel (Alfred Abel), rompe o noivado, e espera conquistar o amor de Johannes, mas ele lhe diz que nunca amou nenhuma das duas mulheres, e agiu somente por ambição. Para se vingar, Gerda incendeia o poço de petróleo, e morre na explosão que se segue. Finalmente, ciente dos infortúnios que causou, Johannes retorna para a fazenda, onde é recebido de braços por seu irmão e por Maria (Grete Diercks), a jovem criada que sempre foi apaixonada por ele.

Cena de Der brenneden Acker

Cena de Der brennende Acker

Murnau transforma o melodrama (escrito por Thea von Harbou, Willy Haas e Arthur Rosen) em um conto moral sobre a ambição e a felicidade, mostrando o contraste entre a vida simples e autêntica do ambiente rural, apegado às sua tradições e um mundo sofisticado de progresso, ligado à ganância e à busca do poder a qualquer custo.

Cena de Der brennende Acker

Cena de Der brennende Acker

Cena de Der brennende Acker

Cena de Der brennende Acker

Cena de Der brenneden Acker

Cena de Der brennende Acker

Para sublinhar essa diferença, o cineasta faz com que predominem as composições acolhedoras (apesar de sua rudeza) no interior da morada dos Rog e destaca a frieza arquitetônica do castelo de Rudenbur. A decoração (a cargo de Rochus Gliese) é  muito variada, ajudada por uma decupagem que passa de um lugar para outro: a fazenda dos Rog, o “Campo do Diabo” e sua capela maldita, as margens desoladas e cobertas de neve de um rio gelado, o salão suntuoso da alta sociedade no qual Johannes aguarda um futuro prestigioso. A câmera (comandada por Karl Freund e Fritz Arno Wagner) está quase sempre estática, mas a montagem alterna vários tipos de planos e algumas tomadas em iris chamam a atenção para parte de uma cena, preservando-se afinal um bom ritmo.

Cena de Der brennende Acker

Cena de Der brennende Acker

Tal como Nosferatu, Johannes traz a morte (Maria – atingida por uma morte espiritual, o desprêzo  – , Helga, depois Gerda) por onde passa mas, ao contrário do que aconteceu com o vampiro, em vez de um raio de luz, é o fogo que vai acabar com tudo o que ele queria construir.

Cena de Der brennende Acker

Cena de Der brennende Acker

Murnau conclui o filme com o retorno do Johannes arrependido ao seu ambiente familiar, um final de ressonância bíblica, exposto em uma cena linda: quando Johannes chega amargurado ao seu antigo lar, Peter o abraça, dá a outra mão para Maria e conduzem para o seu quarto.  Johannes olha ao seu redor, percebe que continua tudo bem arrumado, e pergunta: “Vocês por acaso sabiam que eu viria para casa hoje?”. Maria responde: “Nós estivemos te esperando todos os dias. Seu quarto esteve sempre pronto para você”.